Jack Crager

Jack Crager is a New York City-based writer, editor, and project manager who covers photography, people, the environment, and related topics.

Jack Crager is a New York City-based writer, editor, and project manager who covers photography, people, the environment, and related topics.

Warhol the Shutterbug

Frances Lehman Loeb Art Center, Vassar College

Andy Warhol, Marilyn, 1967, screen print on paper; gift from the collection of Mr. and Mrs. Alexander E. Racolin; © 2017 Andy Warhol Foundation for the Visual Arts / Artists Rights Society (ARS), New York

Artist Andy Warhol sought out and reveled in the reflection of beautiful people throughout his life, perhaps in reaction to his mixed feelings about his own appearance. A snap-happy photographer (he left behind more than 30,000 images, ranging from 35mm b&w prints to 16mm films to his favorite medium, the 3×4-inch Polaroid), he documented his glam world with casual abandon and a knack for candid elegance. While many collections of Warhol’s photography reveal a slipshod attitude behind the lens, we see a more refined side of his artistic eye in a thoughtfully curated exhibit, People Are Beautiful: Prints, Photographs, and Films by Andy Warhol, at the Frances Lehman Loeb Art Center, Vassar College, in Poughkeepsie, NY, on view through April 15.

Warhol made a habit of incorporating photographs within grander works of art, most famously in his Marilyn series—the 1967 print above is front-and-center in the show, and similar large-scale silkscreen treatments of Jackie O, Ingrid Bergman, and others fill the front room of the Art Center gallery. But the bulk of the exhibition focuses on Warhol’s straight photography, including candid shots of nights on the town with celebs (and scattered “unknown” revelers), sequential body studies of friends (such as artist Jean-Michel Basquiat and actress Alba Clemente), and formal Polaroid portraits of ’70s stars (Dorothy Hamill, Liza Minnelli, Diana Ross, John Denver).

Anne Bass, 1981; Collection, Neuberger Museum of Art, SUNY Purchase; © Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Andy Warhol, Anne Bass, 1981; Neuberger Museum of Art, SUNY Purchase; © Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

  Andy Warhol, Self-Portrait with Fright Wig, 1985, Polaroid Polacolor print, Collection of James Curtis; © Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Andy Warhol, Self-Portrait with Fright Wig, 1985, Collection of James Curtis; © Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Like many a fiscal-minded artist, Warhol courted wealthy patrons as portrait subjects—such as art collector and philanthropist Anne Bass, former wife of billionaire oilman Sid Bass—and portrayed them flatteringly, even in small Polaroid prints. His own self-image seemed to emerge behind a playful sense of camouflage, as in his above self-portrait suggesting he didn’t believe in brushes or combs.

Unidentified Model, ca. 1985, The Samuel Dorsky Museum of Art, SUNY New Paltz; © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Andy Warhol, Unidentified Model, circa 1985; The Samuel Dorsky Museum of Art, SUNY New Paltz; © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Andy Warhol, Ladies and Gentlemen (Helen/Henry Morales), 1974; Collection of Jeanne Greenberg Rohatyn © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Andy Warhol, Ladies and Gentlemen (Helen/Henry Morales), 1974; Collection of Jeanne Greenberg Rohatyn; © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

As implied in the exhibition’s title, Warhol’s idea of beauty took many forms, ranging from classic pulchritude among the young models, artists and hipsters who populated Warhol’s Factory in the 1960s to the transgender subjects of his Ladies and Gentlemen series in the mid-1970s, which evinced his fascination with the disco-era underground and resulted in a wild collection of silkscreen prints.

Screen Test: Edie Sedgwick, 1965, film still; © 2017 The Andy Warhol Museum, Pittsburgh, PA

Screen Test: Edie Sedgwick, 1965, film still; © 2017 The Andy Warhol Museum, Pittsburgh, PA

In the back of the Art Center show is a room showing Warhol’s filmed screen tests of stars in the making, revealing his fascination with moving images as well as his penchant for tediousness in the medium (this is the man who shot the world’s longest dull movie, Empire, in 1964). Among the screen-test subjects is Edie Sedwick, who went on to make several films with Warhol, inspired songs by Bob Dylan including “Like a Rolling Stone” and “Just Like a Woman,” and tragically died young in 1971. The Warhol show reflects a time when young and glamorous people were beautiful, even if that beauty was fleeting.

Nu Som’s Nudescapes

Nude self-portrait at Lincoln Memorial

Lincoln Memorial, 3:02AM, from Nudescapes by Nu Som © 2017, published by G Arts, gartsbooks.com

Photographic artist Nu Som claims that she’s bashful about exposing her body. “Even growing up in France, when everyone around was topless I wore one-piece bathing suits,” she says. “So being nude in a public place (and now in published photographs) is definitely out of my comfort zone—but that is also why I love doing it. By facing that fear and actually doing it, I’ve come to realize that it makes me feel more and more powerful each time.”

For the past seven years, Nu Som has been shooting nude self-portraits in public places, often at spectacular and oft-visited sites such as the Lincoln Memorial in Washington, D.C. Her ongoing series comprises a lavish new book, Nudescapes: Private Dreams in Public Places | Photographs (G Arts), as well as an exhibition on view at Ron Robinson in Santa Monica, CA through April 9.

The cover of Nudescapes by Nu Som © 2017, published by G Arts, gartsbooks.com

The cover of Nudescapes by Nu Som © 2017, published by G Arts, gartsbooks.com

Mounting her Canon DSLR on a Manfrotto tripod, Nu Som deftly composes her images and slips into place. A New York–based portrait and fashion photographer (aka Sandrine Lee, wife of bassist Will Lee), she brings a poetic sensibility to her self-portraits, which double as landscapes of her favorite places. “It’s a combination of where I find myself in my travels and special trips I made for the project,” she says. “In general, the city shots were in places I found myself, but in nature I took special trips to locations I wanted to explore and capture.” Here Nu Som shares the story behind this personal project.

Galway, Ireland, 6:20PM, from Nudescapes by Nu Som © 2017, published by G Arts, gartsbooks.com

Galway, Ireland, 6:20PM, from Nudescapes by Nu Som © 2017, published by G Arts, gartsbooks.com

What was the inspiration for this body of work?

Oddly enough, I had never thought of shooting self-portraits. To me, master Cindy Sherman and a few others had explored every artistic possibility, and the only alternative was self-centered iPhone selfies that were already flooding social media, something I had no interest in participating in. But one morning, the light coming into my bedroom window was so beautiful that I had to capture it. I was alone, I grabbed my tripod, set the timer and slipped into the frame for the exact result I envisioned—it was an epiphany. I could use my own body to be the human subject in any scene. I started exploring with different light sources, compositions, and situations. And when I entered a public place, where people normally roamed and could appear at any point, the thrill of it took over. I was terrified and therefore exhilarated once I got the shot—it was such an adrenaline rush, I was hooked!

Piazza San Marco, Venice, 4:00AM, from Nudescapes by Nu Som © 2017, published by G Arts, gartsbooks.com

Piazza San Marco, Venice, 4:00AM, from Nudescapes by Nu Som © 2017, published by G Arts, gartsbooks.com

You write that the trick is to be alone in these places. How do you manage that?

I study the place ahead of time and waits for my moment. There are many places that I have “courted” and still have not gotten, and others where after many nights, I finally got one shot and had to be satisfied with the result—or not! Overall it’s about going against the grain of what most people do, which I think as an artist is kind of what we are wired for anyway. So in the desert I shoot for the hottest day out there; in cities rainy nasty days are my friends, or the middle of the night …

So you mount the camera and set the timer to ten seconds … hmm … how fast can you undress?

Well I undress just before pressing the shutter that starts the ten-second timer, so that time is all for the run and pose.

Nude self-portrait on dock

Hudson River, NYC, 1:39PM, from Nudescapes by Nu Som © 2017, published by G Arts, gartsbooks.com

Have you ever been arrested while doing this work?

No, but  I got very close to it at the foot of Abe Lincoln in Washington, D.C. The police officer who caught me was a woman and so I was able to just jump up and stop her in her tracks while she was calling in the indecent exposure offense by just saying “Stop, it’s just for art!” and getting dressed and walking away before she could gather her wits. I got really lucky—I don’t think I would have had the boldness to do that to a male police officer. Definitely thanking my lucky stars on this one!

Bryant Park, NYC, 3:28AM, from Nudescapes by Nu Som © 2017, published by G Arts, gartsbooks.com

Bryant Park, NYC, 3:28AM, from Nudescapes by Nu Som © 2017, published by G Arts, gartsbooks.com

 Do you plan to continue this project?

Yes I am totally hooked and I already have dozens of new photographs since we finalized the layout for the book. I will keep capturing these images for at least the next few years. But I also have other projects that I am working on, so I may show a very different type of work before releasing Part Two.

Nude self-portrait on rock

The Burren, Ireland, 4:47PM, from Nudescapes by Nu Som © 2017, published by G Arts, gartsbooks.com

What would you like the viewer to take away from seeing these photographs?

I hope that it helps people understand that if you are afraid to do something you should do it. And that once you do, you will come out stronger on the other side. I also hope it will highlight why we need to keep some privacy in our lives and should stop sharing every moment, every meal, every meeting with the rest of our virtual friends. Start living for living again—not just sharing. These experiences can only happen if I keep to myself and find a moment alone. Privacy has become a precious commodity.

Finally, I hope it helps people see even more beauty in the world around them and make them care for it as much as they possibly can.

Josef Albers Explores Mexico

Anni Albers’s portrait of Josef Albers, Mitla, Mexico, 1935-39, © 2017 The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York

The late German-American artist Josef Albers is best known for his modernist, minimalist abstract paintings blending sharp geometric patterns with intense colors. But his visual inspiration for these works often stemmed from his artful black-and-white photographs of scenes he found in architecture and nature during his world travels (his wife Anni’s 1935-36 portrait of Albers in Mitla, Mexico is above). This creative symbiosis underlies Josef Albers in Mexico, a revelatory exhibit at New York City’s Guggenheim Museum through March 28.

Albers photograph

Josef Albers, Untitled (Mitla, Mexico), 1956, © 2017 The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society

Although Albers did not exhibit his photographs formally or create a great deal of large-scale prints, he was a prolific photographer during his frequent trips to Mexico. The exhibit’s contact sheets reveal his obsessive attention to compositional detail as he documented ancient architectural forms, such as the carved details in the Zapotec Ruins of Mitla, Oaxaca (above). Albers often studied and photographed such patterns from dozens of different angles, later incorporating them into his abstracted paintings.

Josef Albers, To Mitla, 1940, © 2017 The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society

Josef Albers, “To Mitla,” 1940, © 2017 The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society

Installation view: Josef Albers in Mexico, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Photo: © Solomon R. Guggenheim Foundation, 2017

Installation view: Josef Albers in Mexico; Photo: © Solomon R. Guggenheim Foundation, 2017

The exhibition does a marvelous job of juxtaposing Albers’s photographic studies with the corresponding series of paintings, as in the above installation view of his “To Mitla” (top) shown alongside images he shot on location. Many other ancient architectural sites such as the Great Pyramid of Tenayuca (below) find their way into Albers’s nonrepresentational art—demonstrating that the man who seemingly made a career out of his Homage to the Square series actually embarked on and drew from numerous, mysterious geometric explorations.

Josef Albers, Untitled (Great Pyramid, Tenayuca, Mexico), ca. 1940, © 2016 The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society

Josef Albers, Untitled (Great Pyramid, Tenayuca, Mexico), ca. 1940, © 2016 The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society



Leaning Out from Above

View of NYC from Fifth Avenue

Trained as an architect, photographer Jeffrey Milstein started shooting cityscapes from above as a young pilot in his native Los Angeles, and his large-scale aerial photographs reflect his sense of mechanized urban order. As implied by the title of his series shot in and around New York City — Leaning Out, on view at Manhattan’s Benrubi Gallery through March 17 — Milstein often shoots with his upper torso hanging out of the open hatch of a small plane, or more often (due to city restrictions) a helicopter (as in his above photograph “NYC Fifth Ave, 2016″).

Shouldn’t try this at home, folks. Yet many have been here before: We’ve seen powerful aerial projects including Vincent Laforet’s luminous nighttime cityscapes in his series and monograph AIR, Garth Lenz’s overviews of Canadian oil-industry destruction in The True Cost of Oil, Benjamin Grant’s satellite studies using Google Earth views in Overview, Edward Burtynsky’s ongoing ecological revelations from the air, and the grand master of all, Yann Arthus-Bertrand’s iconic studies of Earth From Above.

Overview of ship in sea

Container Ship and Tugs 2, 2017

 What’s special about Milstein? For one thing, he gets in as close as possible. His early small-plane views of New York were “like a mile and a half up, which gets you a different kind of picture, which is also very cool. It looks like a computer board or something,” Milstein told blogger Hannah Frishberg in a Q&A on 6sqft.com. But in a helicopter, “you can take the door off, get in close to places I couldn’t do with the plane.” As seen this overhead shot of a cargo ship in New York Harbor, Milstein’s digital images render overhead detail from a novel viewpoint. 

(Left) Newark 8 Terminal B, 2016 / (Right) Toyotas Port of Long Beach, 2016

(Left) Newark 8 Terminal B, 2016 / (Right) Toyotas Port of Long Beach, 2016

Milstein also has an uncanny gift for composition, as in these shots of planes in Newark and replica cars in Long Beach, CA. His 2017 book LA NY: Aerial Photographs of Los Angeles and New York chronicles views of America’s two largest cities, both anarchic behemoths in their own ways, as if they contain preordained aesthetic patterns. Even leaning out from above, Milstein manages to render huge cityscapes as orderly abstractions, colorful renderings of unintended art.

Container Port 43

Human Nature


Esme Swimming from the series Human Nature © Lucas Foglia

Hello photo world: Greetings from NYC. It’s my pleasure to serve as guest blogger this month for Hatje Cantz fotoblog, by invitation from Nadine Barth. Nadine and I know each other via PHotoEspaña, Madrid’s annual photography festival, where we’ve both made a habit of showing up during the regular June press week to imbibe all the great imagery (and food). Alas, summer is still months away, but this month (through 28 February) the PHE host organization La Fábrica is staging the first annual Madrid Design Festival, showcasing everything from graphic design to architecture to industrial design.

Meanwhile, winter notwithstanding (we won’t even mention discontent), things are heating up in the photography world. Across the pond from here is a terrific exhibit at Amsterdam’s Foam Museum titled Lucas Foglia: Human Nature. This American photographer has made an effort to get us all off the couch and out into the natural world, vis-a-vis inspirational naturalists and scientists who measure ways we are affected by nature, and vice versa. Foglia presents views of human-organic coexistence — such as the aerial shot above of a hotel in Singapore, with its symbiosis between plants and urban architecture. The show features imagery from Foglia’s 2017 monograph Human Nature (Nazraeli Press).

Photograph of woman on mountain connected to electronic equipment

Kate in an EEG Study of Cognition in the Wild, Strayer Lab, University of Utah © Lucas Foglia

In the above image Foglia depicts a field experiment on the effects of natural stimuli on the human psyche. The Human Nature series draws on the photographer’s own experiences: Foglia grew up on a farm near New York City, where his family mostly lived off the land, and his first major project and book — A Natural Order — explored the lives of other people existing off the grid. After Hurricane Sandy destroyed the forests of Foglia’s youth, he began focusing on the global effects of manmade climate change and, conversely, the effects of nature on people.

Photograph of man falling in glacier

Kenzie inside a Melting Glacier, Juneau Icefield Research Program, Alaska © Lucas Foglia

The above field photograph by Foglia reveals the outer extremes of human exploration as well as the spectacular beauty of glaciers, even as they melt. Foglia depicts scientists whose work faces its own endangerment, in the form of budget cuts and censorship by the Trump administration. Other portrait subjects, such as the au natural gentleman below, revel in their pristine environs with gleeful abandon. Collectively, Foglia’s pictures spotlight the synergy of humankind’s connection with nature — as well as its increasing tenuousness.

Photograph of man swinging in a tree

Matt Swinging between Trees, Lost Coast, California, © Lucas Foglia, courtesy Michael Hoppen Gallery


PiB: A thanks, a goodbye, and a preview

PiB – Photography in Berlin

January flew by in an instant, and so my month of blissful guest-blogging for the Hatje Cantz fotoblog has come to an end… Thanks a lot for the invitation! I had so much fun – and i hope you enjoyed PiB’s posts as well?

PiB’s interview series »7 questions for…«, which was launched on this occasion, will be continued on PiB – Photography in Berlin, so drop by sometime!

PiB also offers many ways to stay informed about highlights from Berlin’s vibrant photography scene: you can sign up to PiB’s weekly E-Newsletter, get an annual subscription of the bi-monthly published PiB Guide, or follow PiB on Instagram, Facebook and Twitter.

PiB's channels: PiB’s daily updated website, PiB’s weekly E-Newsletter, and the bi-monthly published PiB Guide (here: page 12 & 13 from the PiB Guide Nº15 Nov/Dec 2017, featuring the exhibition Evelyn Hofer »Cities, Interiors, Still Lifes« at Galerie Springer Berlin; image credits for Evelyn: Queensboro Bridge, New York, 1964 / Coney Island, New York, 1965 / Girl with Bicycle, Dublin, 1966, all 3 photos © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer. Layout © PiB – Photography in Berlin

PiB’s channels: PiB’s daily updated website, PiB’s weekly E-Newsletter, and the bi-monthly published PiB Guide (here: page 12 & 13 from the PiB Guide Nº15 Nov/Dec 2017, featuring the exhibition Evelyn Hofer »Cities, Interiors, Still Lifes« at Galerie Springer Berlin; image credits for Evelyn: Queensboro Bridge, New York, 1964 / Coney Island, New York, 1965 / Girl with Bicycle, Dublin, 1966, all 3 photos © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer. Layout © PiB – Photography in Berlin


The next issue of the printed art guide for Berlin – the PiB Guide Nº17 March/April 2018 – is currently in the making, and submissions are very welcome. The print deadline is February 13th, 2018. If you like, you can pre-order your copy on PiB’s website.

I’d like to conclude with just a few recommendations for current/upcoming events & exhibitions in Berlin you might want to check out…


Frederike Helwig / Anne Waak

February 2 — April 8, 2018
Opening Reception: Thursday, Feb 1, 7 pm
Speakers: Nadine Barth (Consulting Editor for Photography Art Books at Hatje Cantz Verlag), Frederike Helwig (photographer), and Anne Waak (author).
+ Framework program
f³ – freiraum für fotografie, Berlin-Mitte; In cooperation with Hatje Cantz.
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From the series Kriegskinder © Frederike Helwig

From the series Kriegskinder © Frederike Helwig

Yvon Chabrowski

Feb 3 — March 31, 2018
Opening Reception: Friday, Feb 2, 6 – 9 pm
+ Framework program
Dorothée Nilsson Gallery, Berlin-Tiergarten
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FACIAL EMOTIONS ONE TO FIVE AND A TO E. Two-channel video installation, loop, Full-HD, life-size on two free-hanging 32 inch monitors, sound, 2017 © Yvon Chabrowski & VG Bildkunst 2017

FACIAL EMOTIONS ONE TO FIVE AND A TO E. Two-channel video installation, loop, Full-HD, life-size on two free-hanging 32 inch monitors, sound, 2017 © Yvon Chabrowski & VG Bildkunst 2017

»In another country«

Processes of transformation through examples of contemporary photography in Germany
Curated by Gabriele Muschter & Uwe Warnke
With works by
Tina Bara, Christian Borchert, Kurt Buchwald, Caroline Dlugos, Else Gabriel, Franz John, Barbara Klemm, Matthias Leupold, Manfred Paul, Rudolf Schäfer, Erasmus Schröter, Maria Sewcz

The exhibition is accompanied by a framework program, e.g. on Sunday, Feb 4, 2018, 4 pm there will be a screening of the photo-film »Lange Weile« by Tina Bara, followed by a talk with the artist! (Find further framework events on PiB)
Jan 12 — March 29, 2018
HAUS am KLEISTPARK, Berlin-Schöneberg
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Fenster, Spiegel, Selbst (1), 1985, aus: Lange Weile 1983-1989, 2016 © Tina Bara

Fenster, Spiegel, Selbst (1), 1985, aus: Lange Weile 1983-1989, 2016 © Tina Bara

Bernhard Fuchs

Jan 13 — March 10, 2018
Robert Morat Galerie, Berlin-Mitte
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Maria, from the series Fathom / Lot © Bernhard Fuchs

Maria, from the series Fathom / Lot © Bernhard Fuchs

Cédric Gerbehaye
»Declination of a photographic narrative«

Workshop (held in English) by Belgian photographer Cédric Gerbehaye (MAPS Images)
Workshop: March 2 — 4, 2018
Fotofabrik Bln-Bxl, Berlin-Neukölln
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From the series D’entre eux © Cédric Gerbehaye

From the series D’entre eux © Cédric Gerbehaye

Mike Chick

Jan 19 — March 18, 2018
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Kazimierz, 2014 © Mike Chick

Kazimierz, 2014 © Mike Chick

Sabine Weiss
»Un regard personnel«

Oct 7, 2017 — Feb 16, 2018
Galerie Hilaneh von Kories, Berlin-Schöneberg
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Françoise Sagan chez elle lors de la sortie de son premier roman Bonjour tristesse, Paris, 1954 © Sabine Weiss

Françoise Sagan chez elle lors de la sortie de son premier roman Bonjour tristesse, Paris, 1954 © Sabine Weiss

»Life is a long, peaceful river«
Marina Richter / Antonio Jiménez Saiz

Feb 16 — March 18, 2018
Opening Reception: Thursday, Feb 15, 6:30 pm
Fotofabrik Bln-Bxl, Berlin-Neukölln
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© Marina Richter / © Antonio Jiménez Saiz

© Marina Richter / © Antonio Jiménez Saiz

»Distant Islands. Photographic perspectives of Brexit«

Ostkreuzschule für Fotografie & Fotogalerie Friedrichshain
With works by
Lars Bösch, Miguel Brusch, Uli Kaufmann, Annemie Martin, Linus Muellerschoen, Anna Szkoda, Bastian Thiery, Sebastian Wells
March 2 — 16, 2018
Opening Reception: Thursday, March 1, 7 pm
+ Framework program
Fotogalerie Friedrichshain, Berlin-Friedrichshain
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From the series No Choice But Future © Anna Szkoda

From the series No Choice But Future © Anna Szkoda

»Perspektiven #3«

Curated by Marc Volk
With works by
Linus Dessecker, Yasmin Opielok Enge, Hengame Hosseini, Maria Jauregui Ponte, Saskia Uppenkamp

March 3 — April 8, 2018
Opening Reception: Friday, March 2, 7 pm
Neue Schule für Fotografie, Berlin-Mitte
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From the series So Close, Yet So Far © Hengame Hosseini

From the series So Close, Yet So Far © Hengame Hosseini

…discover more highlights on PiB – Photography in Berlin! : )
English website: www.photography-in.berlin
Deutsche Website: www.fotografie-in.berlin

»7 Fragen an…« ParisBerlin>fotogroup

PiB Interview »7 questions for… / 7 Fragen an…« ParisBerlin>fotogroup

Viel Vergnügen mit dem #PiBinterview Nº7 von PiB – Photography in Berlin – diesmal mit »7 Fragen an…« die Gründerinnen der ParisBerlin>fotogroup!

Der gemeinnützige Verein ParisBerlin>fotogroup ist eine Plattform, die seit 17 Jahren in der Förderung von zeitgenössischer Fotografie und der deutsch-französischen Fotografie-Szene aktiv ist. Der Verein wird von einem deutsch-französischen Kuratorenteam organisiert.

Elfi Rückert / Christel Boget

Elfi Rückert & Christel Boget

Christel Boget und Elfi Rückert koordinieren die Aktivitäten des Vereins. Sie leiten zudem unter dem Dach von PB das gleichnamige Fotografen-Kollektiv ParisBerlin>fotogroup mit Pariser und Berliner Fotografen, deren künstlerische Arbeiten in Form von Portfolios, Projektionen, Ausstellungen und Editionen präsentiert und veröffentlicht werden. ParisBerlin>fotogroup lädt regelmäßig Fotografen ein, um an von PB organisierten Projekten mitzuarbeiten. Zu den Aktivitäten von ParisBerlin>fotogroup gehören das Kuratieren von Ausstellungen, Projektkoordination, die Organisation und Durchführung von Workshops, Portfolio-Reviews, das Herausgeben und die Veröffentlichung von Fotografiekatalogen, publizistischen Beiträgen und Kalendern.

Seit 2014 ist ParisBerlin>fotogroup Organisator des Festivals Monat der Fotografie-OFF in Berlin sowie Gründer des Ausstellungskonzeptes FOTOHAUS | PARIS-BERLIN.


Wie/wann kamt ihr zur Fotografie, und was bedeutet Fotografie für euch?

Durch das Studium und Freunde. Es ist eine Sprache, mit der man die Welt ohne Worte zeigen kann.

Woran arbeitet ihr aktuell, und habt ihr bereits ein zukünftiges Projekt geplant?

Im Moment arbeiten wir an der nächsten Ausgabe des FOTOHAUS, was wir in diesem Jahr zum 4. Mal in Folge während der Rencontres d’Arles initiieren. Außerdem sind wir schon bei der Planung des Monats der Fotografie-OFF 2018, den wir im Herbst diesen Jahres zum dritten Mal in Berlin organisieren. (Anm. von PiB: Bewerbungsschluss für den Monat der Fotografie-OFF 2018 ist der 1. Mai 2018!)

Wer/was inspiriert euch?

Christel: Lee Miller
Elfi: gute Ausstellungen besuchen

Was ist der beste Ratschlag, den ihr je bekommen habt?

„Präsentiert Euch besser, nehmt Euch nicht zurück, dann kommt Ihr professioneller rüber und Eure Arbeit wird besser gezeigt und wahrgenommen.“

Wie definiert ihr Erfolg?

Ein schönes Ergebnis, gute Ausstellungen, motivierende Stimmung und gute Zusammenarbeit in unserem Team und mit Ausstellungspartnern, Anerkennung.

Könntet ihr bitte ein Foto eines der Mitglieder eures Kollektivs auswählen und die Geschichte dazu erzählen?
Aus der Serie 'Terrassen am Zoo' © Holger Biermann

Aus der Serie ‘Terrassen am Zoo’ © Holger Biermann

Holger Biermann: Ein Foto aus der Serie Terrassen am Zoo.
Es ist exemplarisch für ein zeitloses, gutes und ästhetisches Bild.
Es spricht für sich selbst, mit der richtigen Dosis Humor und Ironie.

Was schätzt ihr am meisten bei euren Freunden?

Christel: Inspiration, Erfolg und Anerkennung in der Arbeit
Elfi: Optimismus, Humor und Authentizität

Feedback/Kommentar zu eurer Arbeit, welches ihr nie vergessen werdet?

„Bravo les filles!“
„Und was machen Sie eigentlich beruflich?“


PiB: Liebe Christel & Elfi, herzlichen Dank für dieses Interview!

Abschließend ein paar Impressionen des FOTOHAUS | PARIS-BERLIN 2017 in Arles:















Wer über zukünftige Ausstellungen und Veranstaltungen der ParisBerlin>fotogroup (und weitere Fotografie-Highlights in Berlin) informiert werden möchte, kann sich auch gerne für PiBs wöchentlichen E-Newsletter anmelden – oder die zweimonatliche erscheinende Printausgabe – den PiB Guide – abonnieren! : )

The PiB Guide Nº16 | Jan/Feb 2018 © PiB. COVER PHOTO: Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer; Exhibition at Galerie Springer Berlin.

The PiB Guide Nº16 | Jan/Feb 2018 © PiB.
COVER PHOTO: Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer; Exhibition at Galerie Springer Berlin.

»7 questions for…« Ethna Rose O’Regan

PiB Interview »7 questions for… / 7 Fragen an…« ETHNA ROSE O'REGAN

I’m glad i recently got to talk to photographer Ethna Rose O’Regan, who is currently based in Ireland and Berlin. Ethna runs a series of artists talks in a relaxed, salon style atmosphere called ‘Beyond the Ring’, and these meetings take place in Berlin Neukoelln.

Ethna Rose O’Regan. Photo © Benjamin de Burca

Ethna Rose O’Regan. Photo © Benjamin de Burca

Beyond the Ring

PiB: Ethna, could you tell me how/when you got involved in photography, and what photography means to you?

It was accidental. A while after dropping out of my Science degree, I started a course in Sound Engineering. One of the modules was Photography. The tutor, Terri, regcognised that I have a good eye and encouraged me to build a portfolio and apply for college. With time and the sage advice from good friends, I got my BA degree from the Dublin Institute of Technology in 2007.

Since then, I’ve been doing a self initiated Masters. Part of which one could argue is organizing the ‘Beyond the Ring’ talks. I enjoy the idea of bringing people together in an informal and friendly environment to look at work and share their thoughts. There’s a lot of good work out there to learn from and it is a real pleasure to host these gatherings, beyond the ‘ring- bahn’ of Neukoelln.

I’m not quite sure if I can pinpoint just yet what Photography means to me but my dearest friend once said to me that Photography saved me. That it saved my life is quite a big statement, but in hindsight, when I reflect on how my life was going, there is a certain truth to her observation.

What are you currently working on, and do you already have a next project in mind?

I’m currently in the process of making a bookwork, of which the working title is ‘Within reach’. It’s a photographic dedication to the victims (documented and undocumented) of the Berlin Wall, using landscape photography taken in and around the ‘Berliner Mauerweg’ – a walk and cycle path along where the wall once stood – to reflect upon the circumstances under which they died.

I am also looking to expand on the ‘after magdalene’ work I made. This work has yet to be shown in Ireland.

From the series 'Within reach' © Ethna Rose O'Regan

From the series ‘Within reach’ © Ethna Rose O’Regan


From the series 'Within reach' © Ethna Rose O'Regan

From the series ‘Within reach’ © Ethna Rose O’Regan


What advice would you give to a photographer at the beginning of their career?

Seize every opportunity even if it doesn’t fully excite you at first, as that experience may inform your work in other ways at a later date.
Don’t be too discouraged by rejection, it can be about timing and luck so be patient and stay true to the work.
Last but not least, stay curious.

Is the medium photobook important to you, if so why, and which photobooks have had the greatest influence on you?

The photobook is, of course, one of greatest ways in which to show ones work. I love the tactile nature of leafing through the pages of a photobook and letting the story unfold. One can do this at their own pace and simply enjoy it. There is a beauty in this way of discovering work that is both personal and unique to the medium of photography.

Earlier influences for me were the seminal Robert Frank’s ‘The Americans’ and Nan Goldin’s ‘The Ballad of Sexual Dependancy’. Now with so many interesting photobooks (both published and self published) being made over the last few years, there is an influx of wonderful ideas and different ways of telling stories in an ever increasing amount of amazing books.
The photobooks that I am greatly intrigued by at the moment are ‘Astres Noirs’ by Sarker Protick and Katrin Koenning, ‘el porque de las naranjas’ by Ricardo Cases,  ‘Beyond Here is Nothing’ by Laura El – Tantawy, ‘ZZYZX’ by Gregory Halpern and ‘Museum Bhavan’ by Dayanita Singh.

The most memorable feedback/comment you received on your work so far?

‘Hello Ehtan. I’m glad I had a chance to review these photographs. They have a wonderful intelligence to them, they are nicely composed and they provoke compelling questions.’
Anonymous reviewer

Could you please choose one image from your portfolio and share the story behind it?

This image titled ‘Everything is within reach’ was taken at the cemetary on Karl-Marx-Str. in 2014. At the time I was involved in a visual banter on tumblr [(it's kind of like) telephone] with a group of Irish photographers and I was looking for an image to respond to the previous photograph but was totally stumped. I was about to give up and then walking down Karl-Marx-Str I spotted this shadow play.

Everything is within reach © Ethna Rose O'Regan

Everything is within reach © Ethna Rose O’Regan

What would you want your tombstone to say?

Well, I don’t intend to have a tombstone but if I did it would state the wise words of Oscar Wilde…
Life is too important to be taken seriously’.

PiB: Dear Ethna, thanks a lot for this interview!

For those of you who are curious to learn more about the ‘Beyond the Ring’ series of artist talks, have a look on PiB!

The upcoming talk by Alexander Gehring will take place on January 25th 2018 (and unfortunately all places have been booked by now). Works by Alexander will on exhibited in the group show “Monsters & Ghosts“, opening on January 27, 2018 at the P7 Gallery in Berlin-Mitte, and in a solo show at pavlov’s dog (also Berlin-Mitte) from March 15 – April 2018.

Also save the date for the next Beyond the Ring artist talk on February 22, 2018 by photographer duo Hahn+Hartung!

© Alexander Gehring

© Alexander Gehring

© Hahn+Hartung

© Hahn+Hartung


In case you’d like to stay informed about future Beyond the Ring artist talks, feel free to sign up for PiB’s weekly E-Newsletter – or order your annual subscription of PiB’s bi-monthly published print issue – the PiB Guide! : )

The PiB Guide Nº16 | Jan/Feb 2018 © PiB. COVER PHOTO: Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer; Exhibition at Galerie Springer Berlin.

The PiB Guide Nº16 | Jan/Feb 2018 © PiB.
COVER PHOTO: Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer; Exhibition at Galerie Springer Berlin.

»7 Fragen an…« Katharina Mouratidi

PiB Interview »7 questions for… / 7 Fragen an…« KATHARINA MOURATIDI

PiB – Photography in Berlin sprach mit Katharina Mouratidi, Künstlerische Leiterin von f³ – freiraum für fotografie. Der Ausstellungsort für internationale Autorinnen- und Autorenfotografie zeigt auf 200 qm in der Nähe des Oranienplatzes in Berlin fünf bis sechs Ausstellungen pro Jahr, die sich mit politischen und gesellschaftlich relevanten Fragestellungen auseinandersetzen.

Viel Vergnügen mit dem #PiBinterview Nº5 in der Reihe »7 Fragen an…«.


Katharina Mouratidi. Foto © Heike Overberg

Katharina Mouratidi. Foto © Heike Overberg

Katharina, wie und wann kamst Du zur Fotografe, und was bedeutet Fotografie für Dich?

Ich bin in den 1980er Jahren aufgewachsen – der Zeit der Nachrüstungsdebatte und des NATO-Doppelbeschlusses. In kürzester Zeit bildete sich gegen die Stationierung neuer atomarer Mittelstreckenwaffen in Europa eine breite Friedensbewegung. An den großen Demonstrationen nahmen weltweit Millionen von Menschen teil und ich war als schon als Jugendliche immer mit dabei. Das hat mich geprägt. Ich habe meine Jugend nicht auf Partys verbracht, sondern war mit meinen Freundinnen und Freunden auf der Straße. Die Öffnung der Sowjetunion und die erfolgreichen Abrüstungsverhandlungen haben dann in uns allen das Gefühl geweckt, dass wir gesellschaftlich etwas bewegen können. Und so ist es eigentlich bis heute geblieben. Ursprünglich wollte ich in die Politik. Das war mit dann aber doch zu theoretisch. Dann habe ich die Fotografie entdeckt. Wie kein anderes Medium eignet sie sich dazu, Themen in eine breite Öffentlichkeit zu tragen sowie die Diskussion und Auseinandersetzung damit anzuregen, also gesellschaftliche und politische Prozesse anzustoßen.

Woran arbeitest Du aktuell, und hast Du bereits ein zukünftiges Projekt geplant?

Wir haben den Ausstellungsort f³ – freiraum für fotografie vor einem knappen Jahr eröffnet. Dort zeigen wir fünf bis sechs Ausstellungen internationaler Autorinnen- und Autorenfotografie pro Jahr. Das heißt also: Nach der Ausstellung ist vor der Ausstellung. Wir arbeiten immer an mehreren Projekten gleichzeitig.

(Anm. von PiB: Die offizielle Eröffnung des f³ – freiraum für fotografie fand am 5. April 2017 statt, mit der Einzelausstellung »A Life In Death« von Nancy Borowick. Ihr Fotobuch »The Family Imprint: A Daughter’s Portrait of Love and Loss« ist 2017 im Hatje Cantz Verlag erschienen.)

f³ – freiraum für fotografie. Foto © Heike Overberg

f³ – freiraum für fotografie. Foto © Heike Overberg

Eröffnung der Ausstellung »The Atlas of Beauty« von Mihaela Noroc. Foto © Holger Biermann

Eröffnung der Ausstellung »The Atlas of Beauty« von Mihaela Noroc. Foto © Holger Biermann


Am 1. Februar 2018 eröffnen wir die Ausstellung »Kriegskinder« (english version here on PiB) von Frederike Helwig und Anne Waak – übrigens eine Kooperation mit dem Hatje Cantz Verlag. Sie haben Menschen porträtiert, die Ende der 1930er-, Anfang der 1940er-Jahre geboren wurden und während des Zweiten Weltkriegs aufwuchsen. Anhand von Interviewauszügen, die den Porträts der Zeitzeugen gegenüber gestellt werden, ergibt sich ein komplexes Bild der Kriegskinder-Jahrgänge, die in der Zeit des Nationalsozialismus zur Welt kamen. Die Ausstellung zeigt so nicht nur Erinnerungen einer Generation, die wir bald nicht mehr befragen können, sondern thematisiert auch die Auswirkungen transgenerationaler Weitergabe und nicht verarbeiteter Täterschaft auf die aktuelle Politik, zum Beispiel den Wiederanstieg von Anhängern rechtsnationaler Ideologien heute.

© Frederike Helwig, aus der Serie Kriegskinder

© Frederike Helwig, aus der Serie Kriegskinder


Von April bis Juni präsentieren wir dann The Heavens, die Arbeit von Paolo Woods und Gabriele Galimberti zum Thema Steueroasen. Die beiden Fotografen sind durch sogenannte Steuerparadiese in aller Welt gereist. Es ist ihnen gelungen dieses eigentlich nicht-visuelle Thema in eindrückliche Bilder zu übersetzen, die uns einen Eindruck davon vermitteln was das Wort „Steueroase“ konkret bedeutet – sowohl für die Gewinner, als auch für die Verlierer der legalen und illegalen „Steuergestaltung“.

© Paolo Woods und Gabriele Galimberti, aus der Serie The Heavens

© Paolo Woods und Gabriele Galimberti, aus der Serie The Heavens


Von Mitte Juni bis Ende August folgt dann Where Love is Illegal des NOOR-Fotografen Robin Hammond. Er hat lesbische, schwule, bisexuelle, transgender und intersexueller Menschen aus Ländern porträtiert, in denen ihre Lebensweise verfolgt wird oder unter Strafe steht. Die Serie zeichnet ein vielschichtiges Bild der weltweiten LSBTTI* Community.

Und die Ausstellung zum Europäischen Monat der Fotografie ist natürlich auch bereits in Vorbereitung – aber noch ganz geheim.

© Robin Hammond, aus der Serie Where Love is Illegal

© Robin Hammond, aus der Serie Where Love is Illegal

Was macht für Dich ein „gutes“ Bild aus?

Ein gutes Bild ist für mich eine Fotografie, die es vermag nachhaltig zu berühren. Also eine Fotografie, die einem nicht mehr aus dem Sinn geht, die man nicht mehr vergisst, die einen erschüttert und die – im allerbesten Sinne – einen gedanklichen Prozess in Gang setzt. Und auch auf die Gefahr hin als hoffnungslose Romantikerin abgestempelt zu werden: Ja! Diese Bilder gibt es.

Was schätzt Du am meisten bei Deinen Freunden?

Zuverlässigkeit, Humor, Eigensinnigkeit. Und ganz wichtig: Mut. Den Mut jenseits von Konventionen und gesellschaftlichen Zwängen den ganz eigenen Weg zu gehen.

Wenn Du finanziell völlig unabhängig wärst, würde sich Dein Leben bzw. berufliche Arbeitsweise dann verändern, und inwiefern?

Geld ist leider immer ein wichtiges Thema. Für unsere Arbeit erhalten wir keine institutionelle Förderung. Unsere Ausstellungen, also die Miete für den Ausstellungsort, Nebenkosten, die Prints, Texttafeln, Übersetzungen, Versicherungen, Transporte, Honorare für die Fotografinnen und Fotografen usw. usw., finanzieren wir durch Eintrittsgelder, Mitgliedsbeiträge – wir sind ja ein gemeinnütziger Verein – Spenden und Fördermittel.
Das heißt: Die meiste Zeit verbringen wir damit finanzielle Ressourcen zur Realisierung unserer Projekte aufzutun. Wenn wir ein paar Sponsorinnen und Sponsoren hätten, die unsere Ausstellungen kontinuierlich unterstützen oder auch Patinnen und Paten, die die Mitfinanzierung einzelner Projekte übernehmen möchten, wäre es eine große Hilfe. Dann würde mehr Zeit für die eigentliche inhaltliche Arbeit bleiben: für die Ausarbeitung der Ausstellungen und für ein noch umfangreicheres Rahmenprogramm.

Hängen bei Dir zuhause (eigene) Bilder an der Wand?

Ganz ehrlich? Ich habe den ganzen Tag mit Fotografie zu tun: Mit Arbeiten junger Fotografinnen und Fotografen, die uns ihre Portfolios schicken, mit der Auswahl von Ausstellungen für unseren Ausstellungsraum, bei der Jurierung von Fotografien in Wettbewerben, im Austausch mit Kolleginnen und Kollegen, bei Festivals, usw., usw. Ich bin wirklich froh, wenn ich abends, bei mir zu Hause, einfach nur eine weiße Wand vor mir habe.

Eines deiner Lieblingszitate?

„Ich kann, weil ich will, was ich muss.“
Immanuel Kant


PiB: Liebe Katharina, herzlichen Dank für dieses Interview!

Wer über zukünftige Ausstellungen und Veranstaltungen des f³ – freiraum für fotografie (und weitere Fotografie-Highlights in Berlin) informiert werden möchte, kann sich auch gerne für PiBs wöchentlichen E-Newsletter anmelden – oder die zweimonatliche erscheinende Printausgabe – den PiB Guide – abonnieren! : )

The PiB Guide Nº16 | Jan/Feb 2018 © PiB. COVER PHOTO: Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer; Exhibition at Galerie Springer Berlin.

The PiB Guide Nº16  Jan/Feb 2018 © PiB.
COVER PHOTO: Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer; Exhibition at Galerie Springer Berlin.

»7 Fragen an…« Sibylle Fendt

PiB Interview »7 questions for… / 7 Fragen an…« SIBYLLE FENDT

Für das #PiBinterview Nº4 in der Reihe »7 Fragen an…« hatte PiB das große Vergnügen, mit Sibylle Fendt zu sprechen.

Liebe Sibylle, magst du dich kurz vorstellen?

Ich habe an der FH Bielefeld Fotografie studiert und bin direkt nach meinem Abschluss im Jahr 2002 nach Berlin gezogen. 2003 bis 2005 besuchte ich als Gaststudentin die Klasse von Wolfgang Tillmans am Städel, Frankfurt am Main. Ab 2007 begann ich selbst zu unterrichten und bin bis heute Dozentin durchgehend an der Ostkreuzschule und hin und wieder an anderen Hochschulen (FH Bielefeld,  HS Hannover, FH Anhalt, KH Weißensee). Vor allem in den Nullerjahren habe ich sehr viel für Magazine fotografiert. 2010 bin ich der Agentur Ostkreuz beigetreten. Im Jahr 2015 haben wir den Ostkreuz-Verein für Fotografie e.V. gegründet, deren 1. Vorsitzende ich bin.

© Sibylle Fendt / OSTKREUZ

Selfie © Sibylle Fendt / OSTKREUZ

Woran arbeitest du aktuell, und hast du bereits ein zukünftiges Projekt geplant?

Im Juni 2016 habe ich ein neues Projekt begonnen über die Bewohner einer abgelegenen Flüchtlingsunterkunft im Schwarzwald, 15 km von meinem Elternhaus entfernt. Dort leben etwa 30 Geflüchtete, ausschließlich junge alleingereiste Männer, da für alle anderen die Abgelegenheit und der Zustand des Hauses nicht zumutbar wären. Ich besuche sie regelmäßig und bleibe meist zwischen 3 und 5 Tagen vor Ort. Es passiert fast gar nichts dort. Diesen Zustand versuche ich zu beschreiben. Gegen Ende diesen Jahres möchte ich gerne mein 2. Fotobuch daraus machen.

Holzbachtal © Sibylle Fendt / OSTKREUZ

Aus der Serie “Holzbachtal, nothing, nothing” © Sibylle Fendt / OSTKREUZ

Könntest du bitte eines deiner Fotos auswählen und die Geschichte dazu erzählen?
Uneins © Sibylle Fendt / OSTKREUZ

Aus der Serie “Uneins” © Sibylle Fendt / OSTKREUZ

Dieses Foto war das erste Bild, das ich für meine Serie ‚Uneins’, mit der ich 2002 meinen Abschluss an der FH Bielefeld machte, anfertigte. In meiner Arbeit wollte ich mich mit sogenannten Messies beschäftigen. Ein damals ziemlich unbekanntes und wenig ergründetes Phänomen. Einerseits faszinierte mich die Symbolkraft der zugemüllten Zimmer, des puren Überflusses, der Unorganisiertheit, die meiner Meinung nach einen Rückschluss auf unsere Wertegesellschaft zogen, andererseits wollte ich die Menschen kennen lernen und zeigen, dass es keine Freaks sondern Menschen wie Du und ich sind, die einfach den Überblick verloren haben, die durch ihre unbändige Sammelleidenschaft alltägliche Aufgaben verdrängen, und natürlich vieles mehr.
Was ich dabei als junger Student nicht abgeschätzt hatte, war, wie schwer es war, nicht nur an die Menschen heranzukommen, sondern vor allem überhaupt vor Ort zu fotografieren. Einen Monat lang besuchte ich wieder und wieder Margot, wir verbrachten Stunden im Gespräch, sprachen über alles, jedes Mal brachte ich meine Kamera mit, aber nie holte ich sie aus der Tasche. Irgendwann rief ich frustriert meine Eltern an, um ihnen mitzuteilen, dass ich nicht in der Lage war, dieses Projekt zu realisieren und mich deshalb wieder von der Diplomprüfung abmelden müsste. Als nächstes ging ich ins Prüfungsamt um heraus zu finden, wieviel Zeit mir für die Abmeldung noch blieb. Ich hatte noch 2 Wochen. Ich zwang mich, es wenigsten ein Mal zu probieren, bevor ich mich abmeldete. Dabei entstand dieses Portrait. Als ich es im Labor entwickelte, erzählte es mir so viel von Margot, was ich nie hätte in Worte fassen können. Es war das erste Portrait eines Menschen, das ich angefertigt habe, das weit mehr als nur die Oberfläche beschreibt. Es gab mir Vertrauen, dass diese Arbeit vielleicht doch ihre Berechtigung hat und nicht nur „das Leiden anderer betrachtet“.

Mit welcher Kamera/Ausstattung/Film fotografierst du am liebsten?

In meinen freien Projekten benutze ich eigentlich immer meine Mamiya RB 67. Ich habe für sie nur ein Objektiv und auch nur ein Rückteil. Spätestens nach dem 10. Bild muss ich eine Pause machen, da ich den Film wechseln muss. Ich liebe die Langsamkeit, die Trägheit, irgendwie sogar, dass ich immer den entscheidenden Moment verpasse oder dann gerade der Film voll ist. Die Kamera hat mir beigebracht, dass ich in gewisser Weise die Geschichten, die ich vor Ort erlebe, auf meine Weise nacherzähle, sie neu schreibe. Die Kamera zwingt mich dazu, mir Zeit zu nehmen. Ich komme mir vor wie ein alter Bauer, der seine Wiese immer noch mit der Sense mäht, weil er dadurch seinem Gras näher ist. Ich liebe die Ungewissheit, ob die Bilder überhaupt etwas geworden sind und das Überraschungsmoment, wenn ich die entwickelten Filme abhole und zum ersten Mal auf dem Leuchttisch anschaue, bevor ich ins Labor gehe.

Gärtners Reise © Sibylle Fendt / OSTKREUZ. Der Film wurde bei der Entwicklung versehentlich beschädigt, was nun fester Bestandteil des Bildes ist.

Aus der Serie “Gärtners Reise” © Sibylle Fendt / OSTKREUZ.
Der Film wurde bei der Entwicklung versehentlich beschädigt, was nun fester Bestandteil des Bildes ist.

Falls es eine alltägliche Routine in deinem Leben gibt, wie sieht diese aus?

6:30 Uhr aufstehen und erst mal eine große Tasse Milchkaffee trinken. Ohne die geht nichts. Danach wird mein großer Sohn aus dem Bett geschmissen und die üblichen Vorbereitungen für die Schule getroffen. Wenn die Kinder aus dem Haus sind, beginnt das Chaos ; )

Welchen Aspekt deines fotografischen Schaffens magst du am liebsten?

Ich liebe es einerseits, wenn ich mich für ein Fotoprojekt entschieden habe und mir die Zeit dafür freigeschaufelt habe, mich – ohne auf die Uhr zu schauen – der Situation hinzugeben. Das sind Momente, in denen ich versuche, nicht mehr in Kategorien wie Effektivität, Sinn und Vernunft zu denken, sondern mich einfach treiben zu lassen. Für mich sind das Zeitlöcher, in denen ich wirklich das mache, was mir am aller meisten Befriedigung verschafft.
Worauf ich mich aber genauso freue, ist die Zeit danach im Labor. Da ich meine freien Projekte immer analog fotografiere, verbringe ich viel Zeit im Labor. Die Laborarbeit macht mir immer noch den selben Spaß, den ich auch mit 16 Jahren im elterlichen Keller hatte, als ich meine ersten eigenen schwarzweiß Bilder vergrößerte.

Holzbachtal © Sibylle Fendt / OSTKREUZ

Aus der Serie “Holzbachtal, nothing, nothing” © Sibylle Fendt / OSTKREUZ

Welches historische Ereignis würdest du gerne fotografien?

Die sogenannte ‚Flüchtlingskrise’ war ein Ereignis, wo mir klar wurde, dass ich als Fotograf irgendwie Stellung dazu nehmen muss. Es ist mir nicht leicht gefallen, bei einem Thema, das fernab von meiner persönlichen Biografie liegt, eine Position zu beziehen. Letztendlich habe ich den deutschen bürokratischen Apparat unter die Lupe genommen, also die Art und Weise, wie wir damit umgehen.

Flüchtlingskrisenland © Sibylle Fendt / OSTKREUZ. Bereitgestellte Betten auf der Freifläche hinter den Hangars auf dem ehemaligen Flughafen Tempelhof, 2016.

Flüchtlingskrisenland © Sibylle Fendt / OSTKREUZ.
Bereitgestellte Betten auf der Freifläche hinter den Hangars auf dem ehemaligen Flughafen Tempelhof, 2016.

Ein Feedback, Kommentar oder Kompliment zu deiner Arbeit, welches du nie vergessen wirst?

Barbara Klemm sagte einmal zu einem 20-minütigen Spontan-Vortrag, den ich vor Studenten über mich und meine Arbeit gehalten hatte, dass in diesen 20 Minuten die Studenten mehr gelernt hätten als in einem kompletten Studium. Das ging runter wie Butter.


PiB: Sibylle, herzlichen Dank für dieses Interview!

Ausstellungstipp: Im Kunstquartier Bethanien in Berlin-Kreuzberg ist nur noch heute (22. Januar 2018) die Gelegenheit, die Gruppenausstellung »HAB KEINE ANGST« zu besuchen. Geöffnet ist bis 20 Uhr, Eintritt frei, schaut vorbei!
Die Ausstellung vereint die Ergebnisse von 11 Seminarteilnehmer_innen der Ostkreuzschule, die unter der Leitung von Sibylle Fendt im Laufe eines Jahres eine fotografische Arbeit angefertigt haben. Mit Arbeiten von Anna Eiling, Solveig Faust, Christian Lima Dehne, James Haliburton, Dirk Heinecke, Natalia Kepesz, Anke Krey, Anastasia Lobanova, Benjamin Markstein, Gregor Nobis, und Fynn Rettberg.

Exhibition recommendation: Today (Jan 22, 2018) is the last chance to visit the group show »HAB KEINE ANGST (Don’t be afraid)« at Kunstquartier Bethanien in Berlin-Kreuzberg! Open until 8 pm, free admission, drop by!
Over the course of a year, and under the guidance of Sibylle Fendt, 11 Ostkreuzschule Seminar participants undertook a photographic journey of discovery. This exhibition brings together the final results. With works by Anna Eiling, Solveig Faust, Christian Lima Dehne, James Haliburton, Dirk Heinecke, Natalia Kepesz, Anke Krey, Anastasia Lobanova, Benjamin Markstein, Gregor Nobis, and Fynn Rettberg.

»HAB KEINE ANGST« Ostkreuzschule für Fotografie / Seminar Sibylle Fendt.  Titelbild © Natalia Kepesz

Ostkreuzschule für Fotografie / Seminar Sibylle Fendt.
Titelbild © Natalia Kepesz

»7 Fragen an…« Heide Springer

PiB Interview »7 questions for… / 7 Fragen an…« HEIDE SPRINGER

Für das #PiBinterview Nº3 hatte PiB das Vergnügen, »7 Fragen an…« Heide Springer, Leiterin der Galerie Springer Berlin (Charlottenburg) zu stellen.

Was macht für Dich ein gutes Bild aus?

Ein gutes Bild, ist für mich eins, das sich mir zwar durch die Augen und mein Verstand erschließt, welches jedoch eine andere Ebene in mir zum Klingen bringt, ähnlich wie bei der Musik. Ich spüre das in meinem Bauch, es ist durch Logik nicht zu erklären.

Wie definierst du Erfolg?

Erfolg ist für mich natürlich auf einer Seite auch ein finanzieller, wenn ich diesen nicht habe, kann ich meine Familie nicht ernähren. Aber darüber würde ich am liebsten nicht nachdenken müssen, sondern mich lieber dem anderen Aspekt des Erfolges widmen. Es sind die immateriellen Werte des Erfolges, die mich interessieren: Gute Gespräche mit Künstlern, Sammlern und Kunstliebhabern, glückliche Besucher in unseren Ausstellungen, interessante Veranstaltungen, Eröffnungen und Konzert in der Galerie. Wenn ich höre, dass unsere Galerie gute und ernsthafte Arbeit leistet, macht mich das froh.

Was schätzt Du am meisten bei Deinen Freunden?

Vertrauen und Ehrlichkeit.

Welcher Ort auf der Welt macht dich glücklich / schenkt Dir Ruhe?

Dieser Ort liegt in Südfrankreich, ein altes Dorf auf einem Hügel, der steil abfällt, mit Blick auf die Küste, hinter mir die Berge. Ich fühle mich an diesem Ort wie in einem Adlerhorst, alle Sorgen und Probleme scheinen sich zu relativieren. Das Licht dort ist unbeschreiblich, zu jeder Jahreszeit und es erfüllt mich mit Glück.

Wenn Du nur einen einzigen Fotoabzug besitzen könntest, welches Bild wäre das?

Saul Leiter, Package, ca. 1960.

Saul Leiter, Package, ca. 1960 © Saul Leiter

Saul Leiter, Package, ca. 1960 © Saul Leiter

Welches historische Ereignis hättest Du gerne fotografiert?

Den Fall der Mauer!

Wenn du in einer anderen Zeit leben könntest, welche wäre das?

Die 1920er Jahre in Paris und Berlin.


PiB: Liebe Heide, herzlichen Dank für das Interview!

Die aktuelle Einzelausstellung in der Galerie Springer Berlin, »Cities, Interiors, Still Lifes« von Evelyn Hofer (zu sehen noch bis 3. Februar 2018), ist auf dem Cover des PiB Guides Nº16 Jan/Feb 2018.
Die Ausstellung wird begleitet von einem Konzert und einer Lesung am Donnerstag, den 25. Januar 2018 um 19 Uhr.

The current solo show »Cities, Interiors, Still Lifes« by Evelyn Hofer at Galerie Springer Berlin (on view until Feb 3, 2018) is featured on the cover of the PiB Guide Nº16 Jan/Feb 2018.
The exhibition is accompanied by a concert and reading (in German) on Thursday, January 25, 2018, 7 pm, please find further details on PiB.

PiB Guide Nº16 Jan/Feb 2018 Booklet, A6 format, 52 pages On the cover: Galerie Springer Berlin | Evelyn Hofer »Cities, Interiors, Still Lifes«

PiB Guide Nº16 Jan/Feb 2018
Booklet, A6 format, 52 pages
On the cover: Galerie Springer Berlin | Evelyn Hofer »Cities, Interiors, Still Lifes«


Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer

Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer


Marianne Moore's Gloves, 1983, Dye Transfer, 42,3 x 33,3 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer

Marianne Moore’s Gloves, 1983, Dye Transfer, 42,3 x 33,3 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer


Queensboro Bridge, New York, 1964, Dye Transfer, 42,5 x 33,6 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer

Queensboro Bridge, New York, 1964, Dye Transfer, 42,5 x 33,6 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer


Coney Island, New York, 1965, Dye Transfer, 33, 9 x 25,8 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer

Coney Island, New York, 1965, Dye Transfer, 33, 9 x 25,8 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer


Die kommende Gruppenausstellung »Raum / Räume II« präsentiert Arbeiten von Anna Lehmann-Brauns, Jens Liebchen, Joel Meyerowitz, Aitor Ortiz und Georges Rousse. Die Vernissage findet am Samstag, den 17. Februar 2018 von 13-18 Uhr statt.

The upcoming group show »Space / Spaces II« presents works by Anna Lehmann-Brauns, Jens Liebchen, Joel Meyerowitz, Aitor Ortiz and Georges Rousse. The opening reception takes place on Saturday, Feb 17, 2018, 1 – 6 pm.

Muros de Luz 001, 2005 © Aitor Ortiz

Muros de Luz 001, 2005 © Aitor Ortiz

Wer über zukünftige Ausstellungen und Veranstaltungen der Galerie Springer Berlin (und weitere Fotografie-Highlights in Berlin) informiert werden will, kann sich gerne für PiBs wöchentlichen E-Newsletter anmelden – oder die zweimonatliche erscheinende Printausgabe – den PiB Guide – abonnieren! : )

The PiB Guide Nº16 | Jan/Feb 2018 © PiB. COVER PHOTO: Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer; Exhibition at Galerie Springer Berlin.

The PiB Guide Nº16 | Jan/Feb 2018 © PiB.
COVER PHOTO: Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer; Exhibition at Galerie Springer Berlin.

»7 Fragen an…« FOTOTREFF Berlin

PiB Interview »7 questions for… / 7 Fragen an…« FOTOTREFF BERLIN

[Read more in English about FOTOTREFF Berlin on PiB]

Seit 2014 gibt es eine Initiative in Berlin, die PiB (auch als Medienpartner) allen Fotografieinteressierten wärmstens ans Herz legen kann: den FOTOTREFF Berlin – eine Plattform für FotografInnen und BildredakteurInnen und alle, die sich für künstlerische und dokumentarische Fotografie interessieren.

Die regelmäßigen Treffen finden im STUDIO JACOB & REISCHEL in Berlin-Kreuzberg statt, und bieten die Möglichkeit, sich am kritischen Diskurs über die Autorenschaft, das Editieren und das Präsentieren von freien fotografischen Projekten zu beteiligen.
Im kuratierten Programm werden renommierte Gäste vorgestellt, und im weiteren Verlauf des Abends sind alle TeilnehmerInnen eingeladen, eigene Arbeiten oder entstehende Projekte mitzubringen und vorzustellen.

FOTOTREFF Berlin ist initiiert von Winifred Chiocchia, Tobias Laukemper und Anna Charlotte Schmid.

Das FOTOTREFF Berlin Team: Winifred Chiocchia, Tobias Laukemper und Anna Charlotte Schmid. Foto © Hahn + Hartung, 2018

Das FOTOTREFF Berlin Team: Winifred Chiocchia, Tobias Laukemper und Anna Charlotte Schmid.
Foto © Hahn + Hartung, 2018


FOTOTREFF #22 findet diesen Samstag statt (20. Januar 2018, 19 Uhr) und stellt die Arbeiten dreier Künstler vor – Beatrice Minda, Norman Behrendt, Anton Roland Laub – die sich mit den Wechselwirkungen zwischen urbanen Strukturen und politischen Systemen befassen.

Postkarte mit Foto von Norman Behrendt zum FOTOTREFF BERLIN #22 am 20. Januar 2018, mit Beatrice Minda, Norman Behrendt, Anton Roland Laub

Postkarte mit Foto von Norman Behrendt zum FOTOTREFF BERLIN #22 am 20. Januar 2018, mit Beatrice Minda, Norman Behrendt, Anton Roland Laub


Dark Whispers © Beatrice Minda

Dark Whispers © Beatrice Minda


Brave New Turkey © Norman Behrendt

Brave New Turkey © Norman Behrendt


Mobile Churches © Anton Roland Laub

Mobile Churches © Anton Roland Laub


Im Folgenden nun PiBs »7 Fragen an…« FOTOTREFF Berlin, die die Initiatoren netterweise abwechselnd beantwortet haben:

Wie/wann kamst du zur Fotografie, und was bedeutet Fotografie für dich?

Anna Charlotte Schmid: Als Kind hatte ich so eine kleine “Knipse”. Das Negativ Format war klein und quadratisch, welches man heute gar nicht mehr kennt. Ich hatte keine Ahnung davon, was ein Negativfilm bedeutet.

Meine erste richtige Kamera bekam ich dann von meinem Vater (der Klassiker!), der Maler ist. Da ich nicht mit einem Pinsel umgehen kann, nahm ich meine Nikon FE2 und fotografierte mein Umfeld. Alles, zu dem ich eine emotionale Bindung aufgebaut hatte. Wollte Momente auf etwas Ewigem festhalten. Heute weiss ich, dass ich mittels dieser Bilder die Möglichkeit gesucht habe, mit meinem abwesenden Vater, der weit weg wohnte, eine Verbindung auf einer bildnerischen Ebene aufzubauen. Ich suchte die Nähe über die Kunst. Das hat mich nicht mehr losgelassen: Durch die Fotografie einem Menschen näher zu kommen, sich auszudrücken und mitzuteilen und: die Fotografie als Ausdrucksmittel zum Austausch mit anderen Menschen zu benutzen. Die Fotografie sehe ich als ein Übermittler meiner Sicht auf die Welt.

Später in meinen Studium bei Peter Bialobrzeski lernte ich viel über das Editieren und die Herangehensweise an Projekte. Er war sehr streng und sehr fokussiert auf die Qualitäten jedes einzelnen Stundenden. Ich verstand mehr und mehr das Fotografieren als ein “Innen nach Außen-Filter”. Ein Moment, der persönlich und intuitiv festgehalten wird, muss durch sorgsame Auswahl den Betrachter verständlich gemacht werden und dennoch Offenheit für Interpretation lassen.

Die Fotografie hat für mich zwei Gesichter: Sie ist das Abbild meiner Wahrnehmung dieser/meiner Welt und das, was der Betrachter in meinen editierten Bilder liest.

Bietet Berlin für dich ein gutes Umfeld, um im künstlerischen Bereich tätig zu sein – und wie schätzt du die zukünftige Entwicklung ein?

Anna Charlotte Schmid: Berlin hat einen großen Pool von wirklich guten Fotografen. Es ist die Vielfältigkeit der künstlerischen Arbeiten, die hier produziert und gezeigt wird. Das Umfeld lebt vom Austausch und der Inspiration durch Möglichkeiten und Unmöglichkeiten, die Berlin zu bieten hat. “Berlin ist arm, aber sexy”. Es ist ein begehrter Ort für Fotografen, die hier unendliche Anregungen finden. Viele Galerien bieten ein umfangreiches Programm von lokalen Fotografen an. Die Stadt ist für mich ein gutes Sprungbrett, um in die künstlerische Welt einzutauchen. Es ist die Frage, was jeder Fotograf daraus macht. Mit der Veranstaltungsreihe FOTOTREFF Berlin ist es mir möglich, mit renommierten Fotografen und Galeristen/Kuratoren in Kontakt zu treten. Dennoch unterscheide ich zwischen meiner eigenen künstlerischen Tätigkeit als Fotografin und der als Teammitglied und Organisatorin für das Fototreff Berlin.

Wie schätze ich die zukünftige Entwicklung ein?
Wenn es in Berlin so weiter geht – dass die Mittel zur Unterstützung von fotografischen Projekten gekürzt werden und die Mieten immer teuerer werden – sehe ich weniger Möglichkeiten für eine finanzielle Freiheit, um dem produktiven Prozess Raum zu geben, den jeder Künstler braucht. Es wird immer Fotografen geben, die hier in Berlin Fuß fassen und die, großartige Ausstellungsmöglichkeiten geboten bekommen oder von hier aus Bücher für den internationalen Markt publizieren und für weltweite Magazine arbeiten können. Irgendwann jedoch ist das künstlerisch-individuelle Berlin ausgeschöpft, dann wird es auch hier für jeden einzelnen Fotografen schwer werden zu überleben. Und so werden einige weiterziehen, in eine noch unentdeckte Welt, um sich vielleicht dort zu verwirklichen.

Ist das Medium Fotobuch wichtig für dich – wenn ja warum, und welche Fotobücher haben dich am meisten geprägt?

Winifred Chiocchia: Für mich sind Fotobücher nicht nur sehr wichtig, sondern sogar unverzichtbar. In einem Zeitalter der sofortigen Befriedigung und unmittelbaren Kommunikation ist ein Fotobuch etwas Besonderes, das eine angemessene Zeit für die Interaktion erfordert.

Wir können uns alleine hinsetzen und beginnen, uns privat mit einem Buch zu beschäftigen, wir können es anfassen, wir können es riechen. Wir können buchstäblich mit der Arbeit leben, die darin gezeigt wird, wir schaffen eine sehr persönliche und intime Beziehung mit dem Buch selbst, mit dem Ergebnis dass wir anschließend einen Dialog mit dem Fotografen eingehen können, der es produziert hat. Ein Fotobuch ist ein einzigartiges Objekt und es ist für immer da, es ist unbestechlich, unveränderlich.

Ein Fotograf, der sich darauf vorbereitet, ein Fotobuch zu produzieren, weiß das gut und deshalb nähert er sich der Umsetzung erst, wenn er sich dafür komplett bereit fühlt. In gewisser Weise ist ein Fotobuch wirklich repräsentativ für einen ganz spezifischen Moment in der Karriere eines Fotografen: Der Moment, in dem er sich bereit fühlt, in einen Prozess der emotionalen – und auch logistischen – Selbstdarstellung einzutreten, der die Zeit überdauern wird.

Wenn ich einige der Fotobücher nennen sollte, die den größten Einfluss auf mich hatten, würde ich sicherlich Sleeping by the Mississippi von Alec Soth erwähnen, ein brillantes Fotobuch mit großformatigen Details über Grenzerlebnisse im Mittleren Westen. Und natürlich würde ich auch The Dream von Fabio Bucciarelli erwähnen. Ein kleines Juwel, das Pinhole-Fotografie mit preisgekrönten fotojournalistischen Aufnahmen vermischt, und dem es gelingt, unsere repetitive Darstellung der Flüchtlingskrise zu durchbrechen, und eine kraftvolle und poetische Geschichte zu erzählen. Weitere Bücher, die ich sehr schätze, sind The Island of the Colorblind von Sanne De Wilde, und I Love You, I’m Leaving von Matt Eich.

Was macht für dich ein “gutes” Bild aus?

Winifred Chiocchia: Ein gutes Foto spricht mich emotional und intellektuell an.
Es hat eine starke Aussage, und diese Botschaft schafft eine intime Beziehung zwischen dem Subjekt, dem Fotografen und dem Betrachter.
Starke, emotionale Fotografien haben die Fähigkeit, Menschen innehalten zu lassen, sie zum Nachdenken zu bringen und zum Handeln zu bewegen.

Wie wird sich die Fotografie in 20 Jahren entwickelt/verändert haben?

Winifred Chiocchia: Wir leben in einer Welt, in der das digitale Bild nahezu unendlich flexibel und in ständiger Entwicklung ist, und in der das Publikum immer mehr fordert, aktiv an der dokumentierten Erfahrung teilzuhaben. Sicherlich werden Video und 3D-Realität ihre Präsenz erweitern, wenn es um Nachrichten oder Dokumentationen geht.

Gleichzeitig glaube ich, dass künstlerische Fotografie und Fotobücher ihren Stellenwert als Kunstobjekte festigen werden, ebenso als Momente friedlicher Stille in einer Welt, die (vielleicht) zu schnell ist.

Abgesehen davon hat die Fotografie seit ihren Anfängen 1839 bis zum heutigen Tage einige unglaubliche Veränderungen erlebt – aber was mehr oder weniger das Gleiche geblieben ist, ist die Tatsache, dass sie die Sicht eines Menschen auf die Welt teilt.

Vor kurzem habe ich einige sehr interessante Artikel über verschiedene Ansätze gelesen, über Fotografie nachzudenken, über die Rolle, die Computervision und künstliche Intelligenz (AI) in der Zukunft spielen werden und wie dies den Status von Bildern verändern wird. Wir haben immer an Fotografie als etwas gedacht, das von Menschen und für Menschen gemacht wird, aber was passiert, wenn Maschinen anfangen zu fotografieren? Der in Berlin lebende Künstler Trevor Paglen untersucht in seiner Arbeit A Study of Invisible Images das Gebiet der “Machine Vision”, um Bilder von Maschinen für andere Maschinen aufzuzeichnen. Paglens Studien zufolge bekommen zeitgenössische Bilder eine zunehmend größere Rolle und werden zu aktiven Teilnehmern der Welt, anstatt nur eine bloße Darstellung davon zu sein. Dies könnte ein sehr interessanter Punkt in der Diskussion über die Zukunft der Fotografie sein.
(Winifred Chiocchia’s answers have been translated from English by PiB; her original answers will be published on PiB’s blog in February 2018)

Was sind deine Lieblingsorte für Fotografie im Berliner Umfeld?

Tobias Laukemper: In Berlin ist die Fotografie vielfältig präsent. Allen voran die großen Institutionen, bspw. das C/O Berlin, die Helmut Newton Stiftung und das Haus am Kleistpark, dann natürlich die vielfältige Galerien- und Projektraumlandschaft. Da finde ich Robert Morat sehr interessant, und die vielen kleineren Galerien wie bspw. Podbielski Contemporary (Anm. von PiB: Beatrice Mindas dortige Einzelausstellung »Dark Whispers« läuft noch bis 20. Januar)f³ – freiraum für fotografie (Anm. von PiB: Am 1. Februar 2018 um 19 Uhr eröffnet bei f³ in Kooperation mit Hatje Cantz die neue Ausstellung »Kriegskinder«, das gleichnamige Buch von Frederike Helwig und Anne Waak ist 2017 bei Hatje Cantz erschienen), pavlov’s dog, die Galerie fuer Moderne Fotografie oder die aff Galerie und die Fotogalerie Friedrichshain.

In den letzten Jahren haben sich auch Orte etabliert, die den Diskurs durch Gespräche fördern – nicht mehr durch die klassische Frontal- oder Unterrichtsperspektive, wie sie Podiumsdiskussionen oder Panelveranstaltungen oft bieten, sondern in intimer, fast heimeliger Athmosphäre, wie beispielsweise unser FOTOTREFF Berlin, Veranstaltungen der Ostkreuzschule für Fotografie, der Sofatalk im  oder Beyond the Ring. (Anm. von PiB: die nächsten beiden Talks in der Beyond the Ring Veranstaltungsreihe finden am 25. Januar 2018 mit Alexander Gehring sowie am 22. Februar 2018 mit Hahn+Hartung statt!)

Durch Buchläden wie 25books, Kehrer, Pro qm oder Motto wird der Diskurs unterstützt, und man kann sich durch diverse Fotobücher, Kunst- und Gesellschafttheorie inspirieren. Nicht vergessen möchte ich auch die Buchmessen wie MissRead oder Friends with Books und spezialisierte Zeitschriftenläden wie Do you read me, die ich sehr gern besuche. So gibt es für viele Positionen und Diskurse auch viele Möglichkeiten der Präsentation.

Gibt es Trends in der zeitgenössischen Fotografie, die dich interessieren?

Tobias Laukemper: Mich interessieren vor allem Serien, in denen die Dokumentations- mit der Autorenfotografie vermischt ist. In diesen Bildern wird eine Geschichte subjektiv erzählt, so wie der Fotograf sie erlebt und bildlich umsetzt. Die Bilder gelten als Argumente oder Handlungsstränge, sie sind teils dokumentarisch, teils abstrakt. Es ist Raum für die eigene Ausführung und Handschrift und doch hat das Ganze eine Art Bodenhaftung und einen Realitätsbezug (bspw. Heinrich Holtgreve, Julia Sellmann, Sarah Straßmann).

Ebenso gefallen mir Bilder, die mit dem Digitalen spielen – damit meine ich nicht die Montage oder Veränderung von Bildern sondern die Inszenierung von Künstlichkeit und Ungewohntem. So wird eine Geschichte erzeugt, die Zwischenwelten stattfindet, die zwischen dem Digitalen und dem Analogen liegen, und so für mich auf unsere Zeit rekurrieren (bspw. Werner Amann, Hahn+Hartung, Roman Schramm).

In zeitgenössischen Arbeiten spielt das Portrait eine große Rolle um eine Geschichte zu erzählen. Die Storyline wird an einen Protagonisten festgemacht, und die Geschichte kann so sehr nahe an der Situation erzählt werden. Es entsteht eine Empathie mit den Akteuren der Geschichte, und Inhalte können so emotional aufgeladen und vermittelt werden (bspw. Maria Sturm, Tobias Zielony, Sonja Hamad, Tobias Kruse).

PiB: Herzlichen Dank an euch drei für dieses spannende Interview!

Abschließend ein paar Impressionen vergangener FOTOTREFF Berlin Meetings:













Wer über zukünftige Veranstaltungen des FOTOTREFF Berlin (und weitere Fotografie-Highlights in Berlin) informiert werden will, kann sich gerne für PiBs wöchentlichen E-Newsletter anmelden – oder die zweimonatliche erscheinende Printausgabe – den PiB Guide – abonnieren! : )

The PiB Guide Nº16 | Jan/Feb 2018 © PiB. COVER PHOTO: Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer; Exhibition at Galerie Springer Berlin.

The PiB Guide Nº16 | Jan/Feb 2018 © PiB.
COVER PHOTO: Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer; Exhibition at Galerie Springer Berlin.

»7 Fragen an…« Kirsten Landwehr

PiB Interview »7 questions for… / 7 Fragen an…« KIRSTEN LANDWEHR

Zum Auftakt in PiBs Interview-Reihe »7 Fragen an…« hatte PiB das Vergnügen, sich mit Kirsten Landwehr zu unterhalten.

Liebe Kirsten, magst du dich kurz vorstellen?

Ich bin Kirsten Landwehr, bin in Rostock geboren und lebe nach Aufenthalten in Hamburg und London seit 2003 mit meinem Mann und unserer Tochter in Berlin. Nach meiner 14 jährigen Tätigkeit als Stylistin habe ich 2008 die Galerie fuer Moderne Fotografie gegründet. Der Schwerpunkt des Galerieprogramms liegt insbesondere auf dem Medium der Fotografie und konzentriert sich dabei sowohl auf die Präsentation internationaler etablierter Künstlerinnen und Künstler als auch auf die Entdeckung junger fotografischer Arbeiten sowie die Fotografen der ehemaligen DDR.


Wie & wann kamst du zur Fotografie, und was bedeutet Fotografie für dich?

Ich bin mit dem weiten Blick auf flaches Land, die Ostsee und dem Sibylle Magazin grossgeworden. Neulich fand meine Tochter Kisten voller von mir gemachter Fotos aus meiner Zeit in London, als ich dort noch als Stylistin gearbeitet habe. Es fühlt sich im Nachhinein so an, als ob alles so sein sollte. Konkret habe ich dann ja erstmal 14 Jahre am Set mit Fotografen gearbeitet, um Werbung, Fashion, Portraits zu fotografieren. Das war eine gute Schule, viel sehen, verstehen, warum dieses Foto eins ist und das andere nur ein Effekt, der nur die ersten 3 min knallt und dann verhallt. Dann wollte ich mehr, habe gemerkt, das Styling nur Mittel zum Zweck war, ein guter aber dennoch irgendwann musste ich weiter. Und ja, ich hatte nachgedacht, selbst Fotografin zu werden, aber irgendwie wollte ich die Szene wechseln, den Point of View und irgendwie das Fotografieren auch als Hobby behalten, ganz unbeschwert. Und das war gut so. Ich bin glücklich mit der Arbeit als Galeristin, es ist auch viel geselliger…. Aber wie gesagt, jetzt nach so langer Zeit habe ich das Gefühl, Fotografie war immer da, ganz intuitiv.

Was macht für dich ein “gutes” Bild aus?

Ehrlich? Ich weiss es nicht, aber ich erkenne es, wenn es vor mir ist. Zum Einen ist es also etwas sehr persönliches. Zum Anderen denke ich, besonders im digitalen Zeitalter, sind wir sehr beeinflussbar, wir „einigen” uns auf Bilder, Bilder, die wir sehr oft sehen, deren Kontext wir spannender finden, als das eigentliche Bild. Man muss schon sehr viel Erfahrung haben, um der Manipulation zu widerstehen.

Gibt es Trends in der zeitgenössischen Fotografie, die dich interessieren?

Junge Fotografen suchen wieder mehr nach der Einzigartigkeit in der Fotografie, oft über technische Details, wie z.B. das Material auf dem sie Printen. Oft bleibt mir das zu technisch, es wird dann fast Grafikdesign, zu viel und dann eben auch zu sehr auf den Effekt aus. Einige jedoch schaffen es durch technische Details Leidenschaft zu materialisieren, irgendetwas unerklärbares, was dich aufwühlt oder auch beruhigt, was dich immer wieder auf dieses Bild schauen lässt.

Welchen Ratschlag würdest du einem Fotografen am Beginn seiner/ihrer Laufbahn geben?

Habe immer eine Kamera bei dir!

Was ist der beste Ratschlag, den du je bekommen hast?

Es gab einige, dieser aber war sozusagen der Startschuss in die Unabhängigkeit. Ich musste im Rahmen meiner Ausbildung ein Assessment Center absolvieren, da wurden wir auf emotionale Kompetenzen getestet. Das war das einzige, was mir an der ganzen elendigen Ausbildung irgendwie Spass gemacht hatte. Mein Supervisor meinte dann aber bei der Auswertung: „Sie waren genial, aber sie langweilen sich doch zu Tode. Ich rate Ihnen, nehmen Sie ihr langen Beine und hauen Sie hier bloss ab, das ist nix für Sie. Laufen Sie endlich mal los“.  Ich meine, der Typ war da, um uns sozusagen zu rekrutieren und dann das. Da steckte soviel drin für mich: Such Dein Glück, sei mutig, sei ehrlich zu dir, spring ins kalte Wasser, mach, trau dich. Ich weiss seinen Namen nicht mehr, aber Danke bis in alle Ewigkeit Herr Unbekannt!

Woran arbeitest du aktuell, und hast du bereits ein zukünftiges Projekt geplant?

Kurzfristig an der neuen Ausstellung von Konrad Hoffmeister, Eröffnung ist am 25.1.2018, kommt alle, haha. Langfristig immer auch an dem grundsätzlichen klassischen Konzept einer Galerie im digitalen Zeitalter. Es gibt immer Zweifel, wie zeitgemäss dieses Konzept noch ist, besonders bei Fotografie.


© bpk / Konrad Hoffmeister

© bpk / Konrad Hoffmeister

© bpk / Konrad Hoffmeister

© bpk / Konrad Hoffmeister

© bpk / Konrad Hoffmeister

© bpk / Konrad Hoffmeister

Was sind deine Lieblingsorte für Fotografie im Berliner Umfeld?

Es gibt so viele gute etablierte aber auch junge Galerien für Fotografie in Berlin, das schätze ich im allgemeinen sehr, also die Arbeit der Kollegen, der Foto Community. Ich möchte jedoch drei Orte und Initiativen hervorheben:

1) AESTHETIK 01, ein ganz toller feiner Projektraum in Moabit. Kristina Nagel, selbst eine sehr interessante Fotokünstlerin betreibt diesen Projektraum und zeigt immer wieder spannende Positionen zur Fotografie, derzeit der junge georgische Fotograf Davit Giorgadze.

2) d’mage Print Ma­nu­fak­tur. My favorite two power women. Ul und Annette leben Fotografie. Sie haben technisches Wissen gepaart mit einem guten Blick, sind gut gelaunt, lieb und visionär im allerbesten Sinne. Für mich derzeit die beste Print Bude Berlins!

3) Last but not least: Ich liebe PiB. Julia du hast soviel getan für die gute Information über besonders auch zeitgenössische Fotografie, dass man dir gar nicht genug danken kann. PiB ist unkompliziert, sieht toll aus und ist hochprofessionell und das muss hier mal gesagt sein.

Courtesy Galerie fuer Moderne Fotografie

Courtesy Galerie fuer Moderne Fotografie

Courtesy Galerie fuer Moderne Fotografie

Courtesy Galerie fuer Moderne Fotografie

Courtesy Galerie fuer Moderne Fotografie

Courtesy Galerie fuer Moderne Fotografie

Courtesy Galerie fuer Moderne Fotografie

Courtesy Galerie fuer Moderne Fotografie

Courtesy Galerie fuer Moderne Fotografie

Courtesy Galerie fuer Moderne Fotografie

Wer über zukünftige Ausstellungen und Veranstaltungen der Galerie fuer Moderne Fotografie (und weitere Fotografie-Highlights in Berlin) informiert werden will, kann sich gerne für PiBs wöchentlichen E-Newsletter anmelden – oder die zweimonatliche erscheinende Printausgabe – den PiB Guide – abonnieren! : )

The PiB Guide Nº16 | Jan/Feb 2018 © PiB. COVER PHOTO: Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer; Exhibition at Galerie Springer Berlin.

The PiB Guide Nº16 | Jan/Feb 2018 © PiB.
COVER PHOTO: Hommage à Zurbarán (Still Life No. 6), New York, 1997, Dye Transfer, 37,2 x 53,5 cm © Evelyn Hofer, Estate Evelyn Hofer; Exhibition at Galerie Springer Berlin.

An introduction to »PiB – Photography in Berlin«

PiB – Photography in Berlin

Hi, nice to meet you! My name is Julia, and i’m excited to be this month’s guest blogger for Hatje Cantz.

To begin with, i’d like to introduce my current project to you, »PiB – Photography in Berlin«, a bilingual (en/de) platform solely dedicated to fine art & documentary photography in Berlin.

With an art scene such versatile and vibrant as in Berlin, i was suprised to find out a couple of years ago that none of the existing art platforms put an emphasis on photography – so i decided to change that. Since its launch in spring 2015, PiB publishes a bi-monthly print guide, the PiB Guide, which presents a selection of photography exhibitions & events you shouldn’t miss in Berlin. Additionally, PiB’s Website and E-Newsletter keep you informed about new highlights on a daily/weekly basis.
Feel free to also follow PiB on Instagram, Facebook and Twitter!

Just in case you were wondering why I don’t give credits to my team, there’s a simple reason: I’m doing everything myself. It’s not easy (at all), and so I’m grateful for all the support you might want to give me… (for example by sharing this platform with your friends, or by ordering an annual subscription of the PiB Guide?) ; )
I’m also open to media partnerships & collaborations, so please don’t hesitate to get in touch if you have something in mind.

The current PiB Guide Nº16 Jan/Feb 2018 comprises 52 pages and is available in many galleries & photography institutions throughout Berlin, as well as by mail order. An annual subscription (or a gift subscription for a friend) with international shipping are also offered on PiB’s website.

Featured on the cover of this issue is Evelyn Hofer‘s solo show »Cities, Interiors, Still Lifes. Photographs 1962 – 1997« at Galerie Springer Berlin (Charlottenburg), on view until February 3, 2018.

PiB Guide Nº16 Jan/Feb 2018 Booklet, A6 format, 52 pages On the cover: Galerie Springer Berlin | Evelyn Hofer »Cities, Interiors, Still Lifes«

PiB Guide Nº16 Jan/Feb 2018
Booklet, A6 format, 52 pages
On the cover: Galerie Springer Berlin | Evelyn Hofer »Cities, Interiors, Still Lifes«

The PiB Guide is deliberately published in a small format – currently as an A6 booklet – so it can function as a pocket guide & always accompany you around the city. It also includes a little map and public transportation details for each venue, so you can easily find your way around (even without a smartphone, imagine!)…

Being invited to contribute to this blog also gave me the impulse to finally launch a series of interviews i’ve had in mind for a while now, which will take a look behind the scenes and introduce protagonists & artists from Berlin’s photography scene on a more personal level.
I’m looking forward to publishing the first feature in the interview series »7 questions for…« shortly here on the Hatje Cantz fotoblog!


Previous PiB Guides:

PiB Guide Nº15 Nov/Dez 2017 Booklet, A6 format, 72 pages On the cover: Galerie Hilaneh von Kories | Sabine Weiss »Un regard personnel«

PiB Guide Nº15 Nov/Dec 2017
Booklet, A6 format, 72 pages
On the cover: Galerie Hilaneh von Kories | Sabine Weiss »Un regard personnel«


PiB Guide Nº14 Sep/Oct 2017 Booklet, A6 format, 64 pages On the cover: aff Galerie | »Labsal und Bürde« (cover image © Fred Hüning)

PiB Guide Nº14 Sep/Oct 2017
Booklet, A6 format, 64 pages
On the cover: aff Galerie | »Labsal und Bürde« (cover image © Fred Hüning)


PiB Guide Nº13  Special Edition June – August 2017 Magazine, A4 format, 56 pages

PiB Guide Nº13
Special Edition June – August 2017
Magazine, A4 format, 56 pages


PiB Guide Nº12 March/Apr 2017 Leporello, A6 format, 12 pages On the cover: Collection Regard | Christian Schulz »Photographs. West-Berlin 1981-1989«

PiB Guide Nº12 March/Apr 2017
Leporello, A6 format, 12 pages
On the cover: Collection Regard | Christian Schulz »Photographs. West-Berlin 1981-1989«


PiB Guide Nº11 Jan/Feb 2017 Leporello, A6 format, 12 pages On the cover: Alfred Ehrhardt Stiftung | Andrej Zdravič »Ocean Cantos«

PiB Guide Nº11 Jan/Feb 2017
Leporello, A6 format, 12 pages
On the cover: Alfred Ehrhardt Stiftung | Andrej Zdravič »Ocean Cantos«


PiB Guide Nº10 Nov/Dec 2016 Leporello, A6 format, 12 pages On the cover: Robert Morat Galerie | Sjoerd Knibbeler »Digging up Clouds«

PiB Guide Nº10 Nov/Dec 2016
Leporello, A6 format, 12 pages
On the cover: Robert Morat Galerie | Sjoerd Knibbeler »Digging up Clouds«


PiB Guide Nº9 Sep/Oct 2016 Leporello, A6 format, 14 pages On the cover: Kehrer Galerie | Daniel Tchetchik »Sunburn«

PiB Guide Nº9 Sep/Oct 2016
Leporello, A6 format, 14 pages
On the cover: Kehrer Galerie | Daniel Tchetchik »Sunburn«


PiB Guide Nº8 July/Aug 2016 Leporello, A6 format, 12 pages On the cover: Kunstquartier Bethanien | »SHIFTING FOCUS« (cover image © Federica Landi)

PiB Guide Nº8 July/Aug 2016
Leporello, A6 format, 12 pages
On the cover: Kunstquartier Bethanien | »SHIFTING FOCUS« (cover image © Federica Landi)


PiB Guide Nº7 May/June 2016 Leporello, A6 format, 12 pages On the cover: exp12 | »Scintillations« – Nadja Bournonville, Alexander Gehring, Sara Wallgren (cover image © Nadja Bournonville)

PiB Guide Nº7 May/June 2016
Leporello, A6 format, 12 pages
On the cover: exp12 | »Scintillations« – Nadja Bournonville, Alexander Gehring, Sara Wallgren (cover image © Nadja Bournonville)


PiB Guide Nº6 March/Apr 2016 Leporello, A6 format, 12 pages On the cover: Berlin Foto Kiez | Michael Ackerman Workshop

PiB Guide Nº6 March/Apr 2016
Leporello, A6 format, 12 pages
On the cover: Berlin Foto Kiez | Michael Ackerman Workshop


PiB Guide Nº5 Jan/Feb 2016 Leporello, A6 format, 10 pages On the cover: FENSTER61 | Diane Vincent – OBEN

PiB Guide Nº5 Jan/Feb 2016
Leporello, A6 format, 10 pages
On the cover: FENSTER61 | Diane Vincent – OBEN


PiB Guide Nº4 Nov/Dec 2015 Leporello, A6 format, 10 pages On the cover: Bildband Berlin | René Groebli – Early Work

PiB Guide Nº4 Nov/Dec 2015
Leporello, A6 format, 10 pages
On the cover: Bildband Berlin | René Groebli – Early Work


PiB Guide Nº3 Sep/Oct 2015 Leporello, A6 format, 8 pages On the cover: FENSTER61 | Holger Biermann »Aus der Kurve«

PiB Guide Nº3 Sep/Oct 2015
Leporello, A6 format, 8 pages
On the cover: FENSTER61 | Holger Biermann »Aus der Kurve«


PiB Guide Nº2 July/Aug 2015 Leporello, A6 format, 8 pages

PiB Guide Nº2 July/Aug 2015
Leporello, A6 format, 8 pages


PiB Guide Nº1 May/June 2015 Leporello, A6 format, 8 pages

PiB Guide Nº1 May/June 2015
Leporello, A6 format, 8 pages

Kuratieren 5: Zanele Muholi, Zeitz MOCAA, Kapstadt

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Weniger ist mehr oder wie man 7 Bilder in einem 50 m2 großen Raum hängt: Mit viel Luft, mit sehr viel Luft. Luft zum Atmen, Luft zum Spüren. Keine Symmetrie nirgends. 2 Bilder beieinander, 2 Bilder auseinander. Lediglich die Bank darf mittig sein und ist damit wie eine Spinne im Netz der Sichtachsen. Und die Wände: dunkel, elegant, satt. Sie korrespondieren mit den dunklen Flächen der Bilder, nur die Augen leuchten heraus, klassische Portraitfotografie, in diesem Fall Selbstbildnisse. Zanele Muholi heißt die Künstlerin, geboren 1972 in Umlazi, Durban, wohnhaft in Johannesburg, Gastprofessorin an der Hochschule für Künste in Bremen. Eine Aktivistin für die Rechte Schwarzer und der LGBTIQ-Fraktion und Gründerin des Forums for Empowerment of Women (FEW). In ihrer Serie „Somnyama Gonyama“ präsentiert sie sich in unterschiedlichen Kostümen, ihr Make-Up ist den Traditionen der Stämme nachempfunden, ein politisches Statement.

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Besucherin der Ausstellung "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Besucherin der Ausstellung “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Sie sagt dazu: „Experimenting with different characters and archetypes, I have portrayed myself in highly stylised fashion using the performative and expressive language of theatre. The black face and its details become the focal point, forcing the viewer to question their desire to gaze at images of my black figure. By exaggerating the darkness of my skin tone, I’m reclaiming my blackness, which I feel is continuously performed by the privileged other.“

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Detail aus der Ausstellung "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama"

Detail aus der Ausstellung “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”

Die Titel der Ausstellung "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Die Titel der Ausstellung “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Ausgestellt ist diese feine Serie im Zeitz MOCAA in Kapstadt, einem neuen Museum, das dieses Jahr eröffnet wurde. Der Fokus liegt auf afrikanischer Kunst, hauptsächlich werden Werke aus der Sammlung des Initiators, Jochen Zeitz, gezeigt. Die Architekten schnitten das Gebäude, ein altes Silo in der Mitte durch. Auch hier also Luft, Luft zum Atmen oben, mit Blick auf den Tafelberg. Und so ist der Raum mit den 7 Bildern eine kleine Schatztruhe innen, die sich in die Weite der Sinne öffnet.

ZEITZ MOCAA, Kapstadt. Foto: Nadine Barth

ZEITZ MOCAA, Kapstadt. Foto: Nadine Barth

Auf dem Dach des ZEITZ MOCAA, Kapstadt. Foto: Nadine Barth

Auf dem Dach des ZEITZ MOCAA, Kapstadt. Foto: Nadine Barth

Die Ausstellung läuft bis zum 25. Juni 2018. zeitzmocaa.museum

Kuratieren 4: Nick Veasey, Fotografiska, Stockholm

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Dunkel war˚s, der Mond schien helle, als ein Auto blitzeschnelle langsam um die Ecke fuhr…

Ein Spiel mit dem Paradoxen. Ein Kinderreim für Erwachsene, die die Ironie solcher Gegensatzpaare verstehen. Was kann gleichzeitig dunkel und hell sein? Was blitzeschnell und langsam? Was ist die Oberfläche der Dinge – was sein Wesen? Dass wir mit moderner Röntgentechnik das glatte Außen entlarven können, ist ein erstaunliches Phänomen. Dass jemand daraus irgendwann Kunst machen würde, naheliegend. Nick Veasey kam allerdings zufällig darauf, weil seine Frau ein Röntgenbild einer Getränkedose für eine Fernsehshow brauchte. Veasey war vom Resultat so begeistert, dass er immer größere und kompliziertere Arrangements versuchte. Am bekanntesten sind seine Autos und Flugzeuge, denen man aufs „Gerippe“ schauen kann.

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Er sagt dazu: “I want my images to make people sit up and take notice. I want to reach out to the viewer. My starting point is that we are all essentially the same from the inside out, which X-ray photography demonstrates. I’m convinced that there is more that unites us than divides us. That’s why every human body in my photographs is represented by the same skeleton, regardless of what attributes I add to the image. My works are metaphors for life in general, to see beyond the obvious. Think of love: how it often begins with a superficial attraction only to move along the challenging and exciting road of learning to know one another and looking beneath the surface. That’s why the same skeleton represents all human bodies in my photographs, regardless of whichever attributes I add to the image. What is concealed under the surface of that which we present? In this way, X-ray photography is very honest. If the quality is poor it is immediately apparent…”

Info-Box über die Arbeit von Nick Veasey, Foto: Nadine Barth

Info-Box über die Arbeit von Nick Veasey, Foto: Nadine Barth

Info-Box über die Arbeit von Nick Veasey, Foto: Nadine Barth

Info-Box über die Arbeit von Nick Veasey, Foto: Nadine Barth

Alle Bilder hängen auf schwarz, sind sorgsam ausgeleuchtet, strahlen einen auf unheimliche Weise an. Der Betrachter ist nicht Voyeur eines fremden Settings, sondern wird gefangen genommen von den heraus „poppenden“ Fotografien. Das Innen hat sich nach außen gestülpt und greift nach den Besuchern des Museums. Es gibt keine Chance zu entkommen, es sei denn, man verlässt die düsteren Räume dieser „Gruft“. Ein spielerisches Gegengewicht bildet lediglich die „florale Ecke“, die auch Bildpositive zulässt und mit ihrer Zartheit den eher todesnahen Röntgenskeletten ein wenig Trost spendet.

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

“It is with great pleasure that we at Fotografiska present this different and in many ways challenging exhibition, which raises important questions about life in general and expands the boundaries of the photographic art form,” sagt Johan Vikner, Exhibition Manager bei Fotografiska.

Fotografiska, Dezember 2017, Foto: Nadine Barth

Fotografiska, Dezember 2017, Foto: Nadine Barth

©Nick Veasey

©Nick Veasey

Die Ausstelliung läuft noch bis zum 18. Februar 2018. fotografiska.eu

Kuratieren 3: Jesus Pastor, Capitis, Berlin

Installationsansicht "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Aufmacherbild der Serie "Amador Rabal"

Installationsansicht “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Aufmacherbild der Serie “Amador Rabal”

Wände sind wie Bücher, die sich uns aufblättern, am Anfang kennen wir die Geschichte noch nicht, Seite um Seite tauchen wir aber tiefer ein in die Charaktere, folgen ihren Gedanken und Abenteuern, am Ende sind sie uns zu vertrauten Freunden geworden, von denen wir uns ungern wieder verabschieden. Es gibt gradlinige Geschichten und verschlungene und manchmal verworrene, es gibt eher schlichte, einfache Erzählungen und es gibt vielleicht auch das lyrisch hingetupfte Gedicht – übersetzt in die Bild-auf-Wand-Sprache wäre das dann nur ein kleines Bild irgendwo als Kontrapunkt zum Rest der Welt. Die meisten Geschichten auf Wänden mit Bildern verlaufen von A nach B, in einer Linie, auf gleicher Höhe. Diese liegt in der Regel bei 1,50 m Bildmitte. Und wenn der Abstand zwischen den Bildern auch noch gleich ist, kann man so einer Installation gut folgen, sie ist meist kraftvoll und klar und beruhigt den Betrachter. Spannend wird es, wenn die Wand groß genug ist, eine „freie Hängung“ zu versuchen, sie bietet viel Raum für Interpretationen, kann Querverbindungen schaffen, die Phantasie entfesseln.

Ausstellungsaufbau "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Ausstellungsaufbau “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Ausstellungsaufbau "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Ausstellungsaufbau “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Ausstellungsaufbau "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Ausstellungsaufbau “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Foto: Nadine Barth


Installationsansicht "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Die Ausstellung, um die es hier geht, hängt in der Berliner Galerie Capitis, einem neuen Ort für Porträtfotografie. Eine der Serien von Jesus Pastor heißt „Amador Rabal“, es geht um einen Totengräber, den der Künstler einige Monate mit der Kamera begleitete. Bei der Arbeit auf dem Friedhof, beim Essen zu Haus, beim Kartenspielen mit Freunden, selbst beim Schlafen schaute er ihm zu. Zwar hätte man einen chronologischen Ablauf, der dem Ablauf eines Tages entspräche, machen können, interessanter ist aber eine eher assoziative Hängung, die Raum zu Atmen lässt. Auch hier gibt es zwar eine Mittellinie auf 1,50 m, die Verteilung der Bilder erfolgte mit zwei unterschiedlichen Abständen zueinander. Die Frage war dann: Wohin sollte das nachdenkliche Porträt, das in gewisser Weise alle anderen Bilder überschaut?

Installationsansicht "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Eröffnung "JESUS PASTOR: Miradas". Foto: Nadine Barth

Eröffnung “JESUS PASTOR: Miradas”. Foto: Nadine Barth

Eröffnung "JESUS PASTOR: Miradas". Foto: Nadine Barth

Eröffnung “JESUS PASTOR: Miradas”. Foto: Nadine Barth

Im unteren Stockwerk finden wir die klassische Installation der Serie von 11 Nonnen, die Jesus Pastor in seiner Heimatstadt Soria in Spanien fotografierte. Durch die Gleichheit in der Bildkomposition war klar, dass die Porträts, übrigens gedruckt als Silbergelatineprints, in einer Reihe hängen sollten. Jede Nonne hat den Blick leicht nach oben gerichtet – angeordnet sind sie also zueinander, so dass in der Mitte eine Art Klimax entsteht und eine imaginäre Linie in den Himmel gehen mag. Und so treten das Unten – die Nonnen, die nach oben schauen – und das Oben – der Totengräber, der herab schaut – miteinander in einen Dialog. Und die Geschichten verschmelzen zu einem Buch.

Installationsansicht "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Foto: Jesus Pastor

Installationsansicht “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Foto: Jesus Pastor

Installationsansicht "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Zu sehen: Porträts der Serie "Inhabited Silence". Foto: Jesus Pastor

Installationsansicht “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Zu sehen: Porträts der Serie “Inhabited Silence”. Foto: Jesus Pastor

Jesus Pastor, aus der Serie "Inhabited Silence", ©Jesus Pastor

Jesus Pastor, aus der Serie “Inhabited Silence”, ©Jesus Pastor

Jesus Pastor am Eröffnungstag seiner Ausstellung bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Jesus Pastor am Eröffnungstag seiner Ausstellung bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Die Ausstellung läuft noch bis zum 13. Januar 2018. capitis-studios.de

Kuratieren 2: Joel Meyerowitz, CO Berlin

Joel Meyerowitz, Presseführung, CO Berlin, 8. Dezember 2017. Foto: Nadine Barth

Joel Meyerowitz, Presseführung, CO Berlin, 8. Dezember 2017. Foto: Nadine Barth

Eingang zur Ausstellung "JOEL MEYEROWITZ: Why Color?"

Eingang zur Ausstellung “JOEL MEYEROWITZ: Why Color?”

Er ist einer der Stars der New Color Photography, dieser Bewegung in den 1970er Jahren, als sich eine junge Generation von Fotografen in Amerika aufmachte, Farbe als künstlerisches Ausdrucksmittel zu benutzen. Bis dato galt nur Schwarz-Weiß als adäquate Wahl für Fotografie, Farbe war für Hobby-Knipser, galt als gewöhnlich und wenig kunstvoll, Walker Evans nannte sie gar „vulgär“. Joel Meyerowitz hatte auch mit Schwarz-Weiß angefangen, bevor er auf Cape Cod die Zeit der „blauen Stunde“ einfangen wollte, und sich dachte, Tradition egal, ich probiere etwas Neues. 1976 war das. Er machte dann Vergleiche, fotografierte mit zwei Kameras, legte die Ergebnisse nebeneinander. Die Farbabzüge gewannen ganz klar.

Joel Meyerowitz, CO Berlin, 8. Dezember 2017. Foto: Nadine Barth

Joel Meyerowitz, CO Berlin, 8. Dezember 2017. Foto: Nadine Barth

Joel Meyerowitz & Felix Hoffmann, Press Conference, CO Berlin, December 8, 2017. Foto: Nadine Barth

Joel Meyerowitz & Felix Hoffmann, Press Conference, CO Berlin, December 8, 2017. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz "Why Color?", CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz “Why Color?”, CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Joel Meyerowitz, New York City, 1976

Joel Meyerowitz, New York City, 1976

Die Idee der Ausstellung mit dem Titel „Why Color?“ setzt genau hier an. Sie stellt die Reihen der Schwarz-Weiß-Abzüge den ersten Versuchen gegenüber, der Farbe zu folgen. Alle Prints, die bei CO Berlin hängen, hat Joel Meyerowitz selbst gemacht. Viele sind über 40 Jahre alt. Und sie zeigen, anders als das, was wir in der heutigen Digitalen Welt gewohnt sind, Unschärfen, Farbstiche, Zwischenräume. Analoge Fotografie eben und analoge Abzüge. Besonders schön: Dye Transfer Prints. Das Verfahren, bei dem mit Gelatine-Druckplatten gearbeitet wird, erzeugt eine hohe Farbsättigung und eine dreidimensionale Anmutung. Nur noch wenige Labore auf der Welt bietet diese Leistung an, in den letzten Jahren wurde Dye Transfer aber wieder vermehrt nachgefragt. Joel Meyerowitz betont, wie wichtig es sei, seine eigenen Abzüge zu machen. Um eine Idee davon zu haben, was man als Künstler ausdrücken möchte.

Installationsansicht Joel Meyerowitz "Why Color?", CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz “Why Color?”, CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz "Why Color?", CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz “Why Color?”, CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz "Why Color?", CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz “Why Color?”, CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Joel Meyerowitz, Sasha, Wellfleet, Massachusetts, 1981

Joel Meyerowitz, Sasha, Wellfleet, Massachusetts, 1981

Der Presse-Tross zieht weiter, dem charismatischen Meister hinterher, fasziniert. Lange Reihen von holzgerahmten Silbergelatine Prints entlang, wir stoppen vor einem Palmenbild, das als Tapete an der Wand klebt, daneben ein kleines mit dem gleichen Motiv. Später frage ich Felix Hoffmann, Kurator der Ausstellung, nach dem Hintergrund dieser Art von Hängung. Er wollte Akzente setzen erklärt er, die Besucher zwischendurch mal aufrütteln, sie eintauchen lassen in die Bilder. Und dann wieder: Schaukästen, die zeigen, wo die Bilder dann „gelandet“ sind: Auf den Titelseiten der Magazine, auf Werbeplakaten für Filme, auf Covern von LPs – etwa dem legendären Album der Pat Metheny Group American Garage von 1979. Die silbernen Trailer glänzen noch heute unter der gleißenden Sonne wie frisch poliert.

Schaukasten der Ausstellung Joel Meyerowitz "Why Color?", CO Berlin

Schaukasten der Ausstellung Joel Meyerowitz “Why Color?”, CO Berlin

Joel Meyerowitz, Florida, 1968

Joel Meyerowitz, Florida, 1968

Die Ausstellung läuft noch bis zum 11. März 2018. co-berlin.org

Kuratieren 1: Ola Kolehmainen, HAM, Helsinki

Installationsansicht OLA KOLEHMAINEN "Sacred Spaces". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht OLA KOLEHMAINEN “Sacred Spaces”. Foto: Nadine Barth

Können Farben musikalisch sein? Die Komposition in Helsinki antwortet mit einem sanftem „Kyllä“ (finnisch für „Ja“). Gestrichen mit den Farben von Farrow & Ball, diesen sündhaft teuren, satt auftragenden, ungemein schönen Tönen – natürlich eco-friendly –, die man gern in Penthäusern zwischen Berlin und New York verwendet, blättert sich hier eine ganze Welt auf, in die man gern eintaucht. Verantwortlich für das Farbkonzept zeichnet das renommierte Architektur-Büro Sauerbruch Hutton, und Louisa Hutton erkärt auch bereitwillig einer fröhlichen Schar von Freunden, Sammlern und Wegbegleitern auf dem Pre-Opening, was es mit den Farben auf sich hat. Jedem Bild, sagt sie, sei ein eigener Raum zugeordnet, ein Farbraum, in dem es atmen könne. Es gäbe Sequenzen verschiedener Bewegungen, Proportionen, Dimensionen. Eine Art Reigen der Bilder.

Installationsansicht OLA KOLEHMAINEN "Sacred Spaces". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht OLA KOLEHMAINEN “Sacred Spaces”. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht OLA KOLEHMAINEN "Sacred Spaces". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht OLA KOLEHMAINEN “Sacred Spaces”. Foto: Nadine Barth

Opening OLA KOLEHMAINEN "Sacred Spaces". Foto: Nadine Barth

Opening OLA KOLEHMAINEN “Sacred Spaces”. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht OLA KOLEHMAINEN "Sacred Spaces". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht OLA KOLEHMAINEN “Sacred Spaces”. Foto: Nadine Barth

Die Serie „Sacred Spaces“ beinhaltet Bilder von Moscheen, Synagogen, Kathedralen und sogar umgewidmeten Räumen. Jedem Motiv wurde in der Ausstellung auch eine eigene Art der Rahmung zugeordnet. Manche Prints sind klassisch mit Holz und Abstandsleiste gerahmt, andere wurden kaschiert und mit einer Arcrylschicht veredelt. Einige bestehen aus mehreren Einzelbildern, ein für Ola typisches Verfahren. Einzelblicke werden zu einem Gesamtblick, der die Komplexität des Ganzen begreifbar macht.

Opening OLA KOLEHMAINEN "Sacred Spaces". Foto: Nadine Barth

Opening OLA KOLEHMAINEN “Sacred Spaces”. Foto: Nadine Barth

Detail of OLA KOLEHMAINEN "San Pietro, 1626 I, 2017"

Detail of OLA KOLEHMAINEN “San Pietro, 1626 I, 2017″

Installationsansicht OLA KOLEHMAINEN "Sacred Spaces". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht OLA KOLEHMAINEN “Sacred Spaces”. Foto: Nadine Barth

Detail of OLA KOLEHMAINEN "Selimiye 1575 III, 2014"

Detail of OLA KOLEHMAINEN “Selimiye 1575 III, 2014″

Die Kuratorin der Ausstellung, Claire Gold, spricht von einem „Gesamtkunstwerk“, das die Ausstellung darstellt. Sie hatte die Aufgabe, alle Beteiligten zu koordinieren, den Bildern Olas ihre zugedachten Räume zu verschaffen, das Licht zu leiten. Sogar ein Sound-Designer war mit an Bord – er komponierte eigenes für die Schau einen sakral-inspirierten Ton-Teppich. Am Eröffnungsabend trägt Claire Gold rot, passend zum Aufmacher-Werk. Am Ende: ein strahlender Künstler, erleuchtet von der Fassade seiner Lieblings-Kathedrale.

Curator CLAIRE GOLD in front of OLA KOLEHMAINEN "Sehzade 1548 VII, 2014"

Curator CLAIRE GOLD in front of OLA KOLEHMAINEN “Sehzade 1548 VII, 2014″

Architect LOUISA HUTTON checking the color design of the show of OLA KOLEHMAINEN, Foto: Nadine Barth

Architect LOUISA HUTTON checking the color design of the show of OLA KOLEHMAINEN, Foto: Nadine Barth

A happy artist on the night of his opening at HAM: OLA KOLEHMAINEN in front of his work "Suleymaniye 1558 XI, 2014", Foto: Nadine Barth

A happy artist on the night of his opening at HAM: OLA KOLEHMAINEN in front of his work “Suleymaniye 1558 XI, 2014″, Foto: Nadine Barth

Die Ausstellung läuft noch bis zum 4. März 2018. https://www.hamhelsinki.fi/de/

Thanks and Goodbye!

This is my last blog entry and I wanted to thank everyone who took the time to read my posts. And of course thanks to Hatje Cantz for reaching out to me and bringing me on board as a guest blogger. I enjoyed blogging here and I hope you enjoyed reading.

If you like what we do with Der Greif check out our limited Collectors Box, containing all issues from #1 to #10. So this is rare opportunity to get all past issues (including the ones that are already sold out) for a very special price, all presented together in a beautifully designed box. Makes a great Christmas present as well :)

And if you want to stay up to date about ongoing and upcoming projects we do with Der Greif, follow us on Facebook, on Instagram or on Twitter.

If you are interested in opportunities for photographers, follow Picter on Facebook, on Instagram or on Twitter.


Impressions from Photo Is:Rael

I was invited to go to Photo Is:Rael in Tel Aviv to be part of their open portfolio review organized by Artlink, but as well to present Der Greif and Picter there. Thanks so much for this, my first time at a photography festival that took place spread over three floors of a high rise building: floor 33-35. And what a view onto the beautiful city of Tel Aviv!

I’m showing a random selection of some of my favorites of the festival, again it’s details, often with reflections and shadows, sorry for that, but see it as a hint to check out some of the artists in case you shouldn’t know them!

Laura Letinsky, Untitled #14, III Form and Void, 2011:


Thibault Brunet, from Territoires Circonscrits / Relief 23, 2017:


Ariel Blitz:


Barak Zemer, Foot:


The Fluid Image

thread count

I’ve been speaking on the changing role of images in my previous blog entries and today I want to deepen this discussion.

It’s no secret that photography and what we perceive as photographic images has undergone some huge changes over the past years. The rise of the World Wide Web, the emergence of digital photography, the constant improvement of mobile cameras, and the tendency to broadcast every instant of our lives on social media – all these factors changed photography.

There is this huge and growing stream of billions of images moving through the web (in 2017, it is expected that a staggering amount of 1,3 TRILLION images are produced throughout the year, a 3.561.643.835.616,44 images per day). Millions of people create their personal identities online and photos are a central part of that. They are not supposed to show reality, they are supposed to create reality. Additionally we see ourselves confronted with more and more computer generated imagery as depicted in movies or computer games. Images are just omnipresent and although we know that they lost their claim to depict reality long ago, I still wonder: can we process that on an emotional level? Not long ago studies showed that Instagram has a negative impact on the mental health of young adults. Social media can “set unrealistic expectations and create feelings of inadequacy and low self-esteem”, their research showed. Images create feelings, they influence the way we evaluate persons and situations, they even decide the outcome of presidential elections. For example, many observers said that an image helped Gerhard Schröder and his party to win the elections in 2002.

Images might guide us on our way to make sense of the world around us, but might also mislead us. I truly believe that we need to develop a new way of “seeing” which is inherently related to being media-theorists of some kind, to being aware of the traces of data we read. We also need to rethink the terminology of “photographic image” or a “photograph”, as more and more of the photographic images we’re looking at on a daily basis aren’t “painted with light” anymore, but created within computing machines. The resulting images are sometimes beautiful, often boring and it becomes more and more hard to distinguish whether they’re staged, the things depicted on the image have actually taken place or whether they’re completely computer-generated. We have come to a place where we need to completely restart our way of reading images, the context they sit in, as well as the intentions these images were created for.

With Der Greif we are creating works dealing with these topics on different levels. Der Greif is basically an art project looking at photographic images from a meta-layer, analysing contemporary image production, distribution and consumption. We de- and recontextualize images. We change the meaning of a photograph by changing the context it appears in.

The following projects are all examples of how we create frameworks for images to circulate within, and how we connect virtual, physical and print spaces that these images are shown in.

In Thread Count, we took the jubilee print-issue #10 of Der Greif as the starting point. A selection of 24 photographers shown in the issue was asked to invite a photographer of their choice to submit a photograph that ‘reacts’ to theirs. This started a chain of invited photographers whose work responded to the previous image shown, and so forth. This chain reaction prompts photographers to interact with one another and for the audience to be able to visualize this dynamic ‘network’ of image threads developing.

For CO-OP during Unseen Amsterdam in September this year, Der Greif brought this thread of images into the physical space, making it fully accessible for the audience to interact with. Visitors were allowed to take their favorite images with them, which created some kind of a “reverse like-effect”, as the most popular images disappeared first. This entire process was monitored on the project website, so images also disappeared online.

(Un)filtered Scenarios was an experiment inquiring the selection process through the dynamics of net-based distribution. Breaking with the idea of single-person authorship, the project used a chain letter email that invited individuals to participate in the selection of images for an online exhibition by choosing one image from an open call. The email was sent to four initial participants, continuing its path as the invitees were asked to forward the email to two further participants once they made their choice.

The chosen images are displayed in an online exhibition. The selection process was anonymized, but participants were asked to fill out a form including standard social categories like gender, age or occupation. They were also asked to leave a personal note on why they chose the image. In an offline exhibition Fotomuseum Winterthur visualized the data and displayed the personal, possibly structural narratives that unfolded around the process of distributed image selection.

In A Process, our first exhibition-project in 2014, over a two-month time frame we transferred our different steps of artistic work—curation, de- and re-contextualization of submitted works —into real space. Using 279 small prints of submitted images as a starting point, we then moved these images from the initial presentation on a wall onto tables, where we started to re-combine them. The tables became the evidence of the finding and re-contextualization process as pictures and texts were set into different combinations.

A Process questions photography in its digital form as distinct medium, its handling with the use of the Internet as well as photography’s haptic stimuli and common perception of authorship. The project uses the World Wide Web’s participatory structure to connect participants, visitors and editors across national boundaries – made possible due to an online transmission of the entire exhibition.

More info on our projects with ‘Der Greif’ can be found here.

What are your thoughts on these topics? Do you agree that we need to develop new approaches to evaluate the images that we see? Or did you make other experiences? I am excited to hear your thoughts and to start a discussion around these topics, if you like.

Impressions from Lishui Photofestival in China

I was invited to Lishui Photofestival in China to give a talk during their symposium, together with fellow speakers Lars Willumeit, Tatyana Franck, Anna Fox and others. But I also got to see some exhibitions. Here are some images (cropped details with shadows and reflections, sorry for that) from the show »ReGeneration3«, curated by Holly Roussell, as well as from »Where Does the Future Get Made?«, curated by Jim Ramer.



Rachel Cox »Shiny Ghost«


Delphine Burtin »Sans condition initiale«


Michael Etzensperger »Nike, from Normalstandpunkt, kein anderer als die direkte Vorderansicht«


Emile Barret »LLIAISONS«


»Where Does the Future Get Made?«

Marco Scozzaro »Digital Deli«


Sarah Palmer »Statement for Waves, Sea Garden and Bending the Bow«


Arash Fewzee »Production Curve«


Stanley Wolukau-Wanambwa


Impressions from Paris Photo

In my last two blog entries, I spoke a lot about my projects and my personal background. Today’s blog entry is going to be more visual. I want to share with you some gems from Paris Photo last week.

Anna Reivilä at Gallery Taik Persons:


Bruno von Roels at Gallery Fifty One:


Peter Puklus at Robert Morat Gallery:



Detail from Noémie Goudal at Galerie Les Filles du Calvaire: 


Rinko Kawauchi at Gallery Christophe Guye:



The Story of der Greif and Picter

My interest for photography manifested when I started to study graphic design and later fine arts. Out of this growing interest, the idea of ‘Der Greif’ was born. Together with Felix von Scheffer – a close friend and photography enthusiast – I founded ‘Der Greif’ in 2008. ‘Der Greif’ is an art project that combines digital and analog content in unique ways and is constantly exploring and pushing the boundaries of publishing in the digital era. The idea was to take images from the screen and put them back onto paper and to experiment with de- and re-contextualization of those images.

At the core of ‘Der Greif’ is a printed magazine with open submission. Today we receive around 10k submissions for each publication. Dealing with this amount of data became highly inefficient for us and so we decided to built our own solution to manage submissions around four years ago. By giving curators, editors and gallerists access to our solution, we found out that our approach could actually solve real problems for both photographers and organizations working with images. This  was then the birth of Picter.com.

Picter connects photographers and organizations in a new way. Organizations can host their call for entries with Picter. They can review work online, evaluate submissions together in a team and track their entries. Photographers upload their projects, choose from a list of open calls and submit their work with a few clicks. There are several problems our approach tackles: so far, photographers have to do the same repetitive tasks of resizing, sending from A to B and so forth  over and over again, which creates an unmanageable and uncontrollable amount of duplicates of the same projects. Organizations on the other hand receive gigabites of these duplicates and have them sitting on their hard drives or FTPs. Both struggle with tasks of managing files.

Our approach with Picter is to bring an end to these highly time-consuming parts of image data logistics. With Picter, images are securely stored and the creator or owner of the files only gives access to them. An organization who was granted access now can easily review, evaluate and sort the entries, remotely, as a team. In case needed, they can request high-res files through Picter. In this process, no duplicate has been created, so for everyone using Picter the currently existing overhead related to working with imagefiles is already way smoother, everyone saves a huge amount of time that is often spent on these repetitive tasks and gains more control about their process. Sounds great, right?

So, right now we’re concentrating on improving submission management with Picter. However, we believe that with our technology we can solve many more problems photographers are currently facing. We are in constant exchange with organizations and photographers who use Picter and currently we are integrating the feedback we gathered throughout the first year since Picter went live. We have ideas about the challenges the industry faces in their daily work life but the only way to confirm these ideas is to talk to people. The next step is to build solutions to overcome those challenges!

Last week, we celebrated our first anniversary with our partners from Aperture Foundation, Triennial of Photography Hamburg, and Paris Photo. Thanks to everyone who came – here’s to many more exciting years to come and to many hours saved that are still spent on inefficient and repetitive tasks!


Nice to meet you!


My name is Simon and I am this month’s guest blogger at Hatje Cantz. Photography is a big part of my life. Thanks to the projects ‘Der Greif’ and Picter.com that I’m involved in, I am constantly in exchange with photographers, artists, galleries, curators, collectors and enthusiasts. I really appreciate that I can work with all these inspiring people and that I get to see so much great art work from photographers all over the planet. On a higher level, I care a lot about the implications photography has on societies; especially since we live in a time, where images are omnipresent, while making sense of these images or their implications becomes more and more difficult.

I guess you could say that the impact of digitalization on photography is a common theme in the past 10 years since I founded ‘Der Greif’. Digitalization affects all aspects of society and culture in one way or another. New questions, challenges, but also a lot of opportunities keep coming up continuously in our days. Regarding photography, these are questions like: How do we create reality with photographic images – or do we even have to? What does the term »reality« mean in times where more and more photographic images are computer-generated? How can we find ways to reasonably evaluate what we see? How can we control the use of images in the age of hypermedia?

I’m convinced that we are in the middle of a big shift that we still have to fully grasp, as we try to understand its implications upon us as individuals and also upon society as a whole. But I am also willing to see digitalization as a process that needs to be formed – and hopefully this formation is taking shape more from within the industry than from outside. With my projects I try to do that on different levels.

For my next blog posts, I plan to talk more about the idea behind the art project ‘Der Greif’ and Picter.com, where I’ll present to you some recent work we did with ‘Der Greif’ and start a general discussion about the role of the image in the age of hypermedia. By the way, this is also the subject of the upcoming Lishui Photography Festival in China and the title of a presentation I’m giving there next week.

I hope I caught your interest and curiosity, and I look forward to returning soon for my next blog post!



i´m a self tought photographer based in hamburg and berlin.i travel a lot and everywhere i go i try to shoot some personal work. some of the work is organized and well prepared ..some is just happening..

this shot i took in cartagena/columbia some time ago



Photobook Workshop in Rangoon / Burma

At the end of August, I was invited to run a photobook making workshop in Rangoon / Burma. It the first photobook workshop that ever took place in Myanmar, in Myanmar Deitta, the country’s first and only institute supporting documentary photography, filmmaking and multimedia production.

My workshops are about the creation of photobooks on the one hand, as well as about rethinking the photographer’s work in the context of a photobook on the other hand. I work closely with the participants in the production and presentation of a book from their own photo projects, focusing on design, editing, sequencing and the importance of materials in the production of photobooks.

Before the workshop, we went to street shops to check the materials available. Before I arrived in Burma, I was told that you don’t find different papers in Rangoon and the printing possibilities are limited, but it turned out that if you know what to look for, you find a wide range of materials. At the end, we managed to print (besides the digital printing) silkscreen and white on black paper. Riso printing is also possible and very cheap, but we didn’t used it because of the nature of the works.

In the first step, the six participants (Sai Htin Linn Htet, Yu Yu Myint Than, Shwe Wutt Hmon, Minzayar Oo, Hkun Lat and Wai Hnin Tun) started to work on their editing and sequencing with printed photos. We try to find out what’s the best for the book, even if it means to “kill” the darlings, to get rid of favorite photos or photos that might be good, but they don’t fit to the story.




After the layout and the printing: late night making of the books – cutting, glueing, sewing. On the last day, we left the place at around 2.30 am.

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The dummies. We make dummies to see what works and what doesn’t, find other solutions, see if the editing, sequencing, size, etc. works or what can be changed – just for getting an idea what the project is about, and have something to show. We did the dummies from scratch in four days, the final book would need more time for finalizing the layout, working on the final cover, looking for the right materials and printing places.


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Note from Calin Kruse: In August and September, I had the honour to work in Malaysia and Burma with young photographers from South-East Asia. dienacht Publishing published the book “we will have been young”, showcasing twelve young photographers from eight South-East Asian countries, which developed a body of work related to “Youth” over the past eleven months under the supervision of the tutors Jörg Brüggemann and Tobias Kruse from the Ostkreuz Agency, and with the support of the Goethe Institut in Kuala Lumpur. In Burma, I curated a photobook exhibition and run a photobook workshop. In my posts over the next few weeks, I would like to feature a few portfolios from South-East Asian photographers and show an inside view of my work there.


Yu Yu Myint Than: Memory Lane

“I wanna go back home” are the words I frequently hear from San Kay Khine whenever I visited her in the hospital. San Kay Khine is a 17-year-old girl who spent 5 years as a tortured captive at a famous tailor shop in Yangon and was rescued after the publication of a report by an investigative journalist.

Though Kay Khine managed to escape, she suffered from broken bones in all the fingers from her both hands. Her arm was severely twisted and she initially could only stand for not
more than 15 minutes. Kay Khine has undergone several surgeries at the hospital for months and
now under the guardianship of Ministry of Social Welfares. She still  cannot be back home before her case is finished.

She always had a mature and calm disposition. I visited her home village Baw Lone Kwin without her to meet her parents. I had never been there before, but as soon as I got there, I felt familiar with the village. The rain trees and bamboo trees, the cows, the smell of soil after rain and the cool breeze passing from the paddy fields made me feel welcomed instantly. I felt like I could hear the giggles of San Kay Khine in her younger days playing with her friends; and imagined the ghost stories they shared at night with her friends. I felt like Baw Lone Kwin was my own homecoming. That unexplainable feeling of nostalgia is strange but beautiful. I breathed in the memories of her childhood in that village.




















“Memory Lane” is a beautiful gift for both of us, San Kay Khine and I joined to recreate her memories and visited her home village through her nostalgia.


Note from Calin Kruse: In August and September, I had the honour to work in Malaysia and Burma with young photographers from South-East Asia. dienacht Publishing published the book “we will have been young”, showcasing twelve young photographers from eight South-East Asian countries, which developed a body of work related to “Youth” over the past eleven months under the supervision of the tutors Jörg Brüggemann and Tobias Kruse from the Ostkreuz Agency, and with the support of the Goethe Institut in Kuala Lumpur. In Burma, I curated a photobook exhibition and run a photobook workshop. In my posts over the next few weeks, I would like to feature a few portfolios from South-East Asian photographers and show an inside view of my work there.Merken

Photobook Exhibition “Raving Madness / Coming home”

For the 2017 edition of the Obscura Festival of Photography in Penang / Malaysia, I was invited to curate a photobook exhibition, which travelled subsequently to Burma.

The selection of 20 titles was based on a personal perception of last year’s mood on different levels – political, social, emotional – and the reaction corresponding to this perception. This is my curatorial text:

“While our own state of mind is a vibrating string of uniform motion, the political, social, economical and personal changes seem to pass us with lightning speed, going above and through us like an uncontrollable steamroller. The fast and surprising flashing of conflicts make the space around and between us become an unstable place: On the one side, never knowing what will happen next and being prepared for the worst, and on the other side – being forged by the emotions and learning to be guided by basic trust. With these two elements in a state of calm and chaos, there seems to be only one exit: raving madness, or coming home.”



The impressions are from the exhibion in Rangoon, the first photobook exhibition that ever took place in Burma – in Myanmar Deitta, the country’s first and only institute supporting documentary photography, filmmaking and multimedia production.








Photographers and book titles featured in the show
Alexa Vachon, What we do in the light
Andreas Frei, Hab Acht
Anna Block, Water Break Rocks
Anna-Stina Treumund, Lilli, Reed, Frieda, Sabine, Eha, Malle, Alfred, Rein and Mari
Christoph Bangert, War Porn
Çağdaş Erdogan, Control
Emilie Hallard, L.
Goran Bertok, Requiem
Janine Bächle, months together — months apart
Pieter Wisse, I Believe in 88
Ruth Erdt, The Gang
Mathieu Asselin, Monsanto – A Photographic Investigation
Laetitia Donval, Nerves
Laura Hospes, UCP
Olaf Unverzart, Leichtes Gepäck
Miquel Llonch, In the fields of gold
Miron Zownir, The Valley of the Shadow
Richard Robert, Noir Interiors
Shilo Group, Euromaidan
Simone Hoang, Ký úc / Memento

Note from Calin Kruse: In August and September, I had the honour to work in Malaysia and Burma with young photographers from South-East Asia. dienacht Publishing published the book “we will have been young”, showcasing twelve young photographers from eight South-East Asian countries, which developed a body of work related to “Youth” over the past eleven months under the supervision of the tutors Jörg Brüggemann and Tobias Kruse from the Ostkreuz Agency, and with the support of the Goethe Institut in Kuala Lumpur. In Burma, I curated a photobook exhibition and run a photobook workshop. In my posts over the next few weeks, I would like to feature a few portfolios from South-East Asian photographers and show an inside view of my work there.

“we will have been young”

we will have been young” showcases twelve young photographers from eight South-East Asian countries, which developed series related to “Youth” over the past eleven months. The photographers have been mentored by Tobias Kruse​ and Jörg Brüggemann​ from the Ostkreuz Agency, and published by dienacht Publishing with the support of the Goethe Institut in Malaysia.


“In summer of 2016, we met with twelve young photographers from eight South-East Asian countries for a workshop in Penang, Malaysia. Over the course of five days we reviewed and discussed various images. Criticism was voiced and embraced. After this intense time in Malaysia everyone worked on their own project and continued to communicate with us and each other: Ideas and images were reviewed repeatedly, across different time zones and cultural boundaries. Equally important is that a group evolved out of the participating individuals that persists beyond the initial contact. The series of images have a common topic – ‘Youth’. Originating from this notion, each of the workshop participants’ task was to generate an idea, formulate it and eventually realise it. Sometimes this included failing and starting over.

Through his stark aesthetic, Alvin Lau shows us love in times of Tinder and we ask ourselves whether love has indeed become easier.



Easy is the love between young homosexuals in Singapore, against all odds and beautifully depicted in the images of Lee Chang Ming.




Likewise, Amrita Chandradas conveys the circumstances of life in Singapore with powerful portraits of a strong woman with a rare illness.



Asrul Dwi deals with the stigmatisation of mentally ill youth in Indonesia and portrays them with a gentle touch.





Dennese Victoria experiments with the realm of possibility and observes what unfolds – her construction of an ideal family turns into a touching intimate play.



In a small village in the Malaysian jungle Elliott Koon documents the journey of young Orang Asli who are growing up in a world caught between tradition and the modern age.




The modern era in Vietnam appears slightly lost in reverie in the images by Linh Pham of people celebrating in Hanoi, relating to excessive isolation and the search for reorientation.




Muhammad Fadli captures the eccentricities of modified scooters – extravagant constructions, nailed and welded – in his portraits of Indonesians with their prized possessions.




In Phnom Penh, Cambodia there is a house that once symbolized the rise of a new society – The White Building. Kanel Khiev shows us the inhabitants of this house before it is demolished to make way for future development.



The story of the house that Geric Cruz embarks on is of a private nature. His memories of his own past are revived by a chance encounter with a young boy in his grandmother’s house in the Philippines where he spent most of his childhood.




The time of adolescence in Thailand displays an invariable, almost military uniformity – clothing and hairstyle are orchestrated for all adolescents, leaving no room for individuality. Watsamon Tri-yasakda portrays transgender teenagers in their uniforms, with imagery that enlightens the issue and allows us to smile over the impositions of the present-day.



With her poetic images, Yu Yu Myint Than introduces us to the dreams of a young woman in Myanmar who was severely abused and longs to return to her home village.




Youth is a universal subject; photography is a universal language. No matter how different photographers’ approaches and works, their images are intelligible to all. Every viewer is or will have been young eventually and everyone likes to look at what might be the future one day. Images rendering this visible, remain forever present.”
– Jörg Brüggemann and Tobias Kruse

The works have been showcased at the Obscura Festival of Photography in Malaysia, and will travel in South-East Asia and to Germany.

You can take a look and get the book here: www.dienacht-magazine.com/publishing. Less than 100 copies are available.


Note from Calin Kruse: In August and September, I had the honour to work in Malaysia and Burma with young photographers from South-East Asia. dienacht Publishing published the book “we will have been young”, showcasing twelve young photographers from eight South-East Asian countries, which developed a body of work related to “Youth” over the past eleven months under the supervision of the tutors Jörg Brüggemann and Tobias Kruse from the Ostkreuz Agency, and with the support of the Goethe Institut in Kuala Lumpur. In Burma, I curated a photobook exhibition and run a photobook workshop. In my posts over the next few weeks, I would like to feature a few portfolios from South-East Asian photographers and show an inside view of my work there.

Muhammad Fadli: Rebel Riders

Since its inception in Florence in 1946, for most people Vespa is nothing sort of extraordinary. But for some, Vespa is an impeccable way of life.

In many cities in Indonesia, a unique form of Vespa community thrives: Extreme Vespa. Like emerging from Mad Max movies, the riders—mostly are youngsters in their early twenties—wander around the country riding scooters which often looked too weird not only for outsiders, but also for people within the greater Indonesian Vespa scenes. Some scooters have more than twenty tires attached to them. Some are adorned with bu alo skeleton, electrical pole, bamboos, fake gattling gun, or anything the riders could scrape along the road. Some of the riders even go further by rebuilding their Vespa out of a tree, or turn it into a DIY four-wheeler. For them, creativity has no limit and the original Vespa is merely just a starting point.

Rebel Riders

Rebel Riders

Rebel Riders

Rebel Riders

Rebel Riders

Rebel Riders

Rebel Riders

Rebel Riders

Rebel Riders

Rebel Riders

Rebel Riders

Rebel Riders

Metalheads, punks, and Rastafarians are among the die-hard fans of this customized scooters. In con- trast to the idea these scooterist are escaping from life’s harsh reality, they simply love living on the road and navigate a vast country on the saddle. And it seems they can’t get enough of it. This on-going series captures an insight into the community.


Muhammad Fadli is a Sumatran-born Indonesian photographer based in Jakarta, Indonesia.

Note from Calin Kruse: In August and September, I had the honour to work in Malaysia and Burma with young photographers from South-East Asia. dienacht Publishing published the book “we will have been young”, showcasing twelve young photographers from eight South-East Asian countries, which developed a body of work related to “Youth” over the past eleven months under the supervision of the tutors Jörg Brüggemann and Tobias Kruse from the Ostkreuz Agency, and with the support of the Goethe Institut in Kuala Lumpur. In Burma, I curated a photobook exhibition and run a photobook workshop. In my posts over the next few weeks, I would like to feature a few portfolios from South-East Asian photographers and show an inside view of my work there.

Brooklyn Times

Empty Garden (Ode to Ansel Adams), 1984, Bushwick, Brooklyn

I lived in Brooklyn for almost three years. I paid $1100 a month to live with two others in an area not far from the Brooklyn museum. I paid half for my own apartment in Berlin. It’s through this economic lens that I and many I know experience Brooklyn; holding on to a cheap apartment before the landlord decides to sell, dealing with bedbugs (twice), holes in the wall that took months to fix while tripling in size, and rats showing up to roam freely in the kitchen. Sometimes I had to wonder why I was shelling out my high rent acquiring significant student loan debt. One month before I left our kitchen sink almost exploded when mud and dirt flew out of it onto the ceiling. I looked to the blog Brokelyn for advice – a ‘post-crash survival guide devoted to living the best possible life in Brooklyn regardless of one’s means.’

But whatever I did to survive in Brooklyn I knew it was nothing compared to the bombed out recession 70s I learned about at NYU graduate school. I read that in one year – 1980 – New York City had almost 2,000 murders. So who were the artists specific to Brooklyn chronicling this time period? Who not only survived but thrived, capturing images of children playing among the debris of 1980s Bushwick as well as a more buoyant 1960s Williamsburg.

Brooklyn Photographs at BRIC near downtown Brooklyn opens September 7 featuring eleven photographers who capture the varied Brooklyn neighborhoods in a ‘rapidly gentrifying post-industrial landscape’. Change is the operative word prominent in descriptions of an exhibition thorough in its visual examination of the borough’s significant cultural history, diversity and camaraderie in adversity and celebration. Jump Rope (Vanessa's Family) “Gentrification makes neighborhoods unaffordable, and undermines many of their unique qualities” states the photographer Meryl Meisler who visually explores Bushwick in the troubled 80s. “Once a photograph is taken, the vision captures a bygone moment. The pace of change in Brooklyn is rapid.” One of her photo books contrasts scenes of Bushwick, Brooklyn with imagery from the partying nights (and early mornings!) of club Studio 54 in Manhattan – a true Tale of Two Cities. Next to Disco Era Bushwick Meryl also has a photo book juxtaposing her wacky family life in Long Island with Manhattan nightlife and Fire Island parties - Purgatory & Paradise: SASSY ’70s Suburbia & The City. Meryl told me: “Among the photographers in the exhibit and gallery talk are Larry Racioppo and George Malave. Larry, George and I met in recent years because of a common thread that connects and obsesses us – we were all C.E.T.A.photographers in the late ‘70s. [Note: Through an overseeing Foundation the Comprehensive Employment Training Act actually employed New York artists, the largest federal arts employment program since the WPA - the Works Progress Administration of 1933. The program was defunded in 1980.] This is the first time Larry, George and I are in an exhibit together, and it will be important for us to talk about C.E.T.A.’s impact on our life’s work.” Family Picnic, September 1982, Bushwick, Brooklyn Brooklyn – with all its complexity and current economic tensions appears to be very well captured in this thorough and timely exhibition. The photos preserve its turbulent history with humour, insight and delicate humanity. When I was living there I remember navigating the large borough by bike. Cruising past what seemed endless constructions of new tall residential ‘communities’ sprouting among beautiful brownstones – I wondered about its future. Will these photos make a difference? In her recent iN-Public interview Meryl eloquently states: ‘Photography is another expression of spirituality, living with purpose, questioning and seeking appreciative wonder.’ Meisler_1983_01_Man_Fixing Truck_Carrying Car Parts_1500 1983_10_24_self_bday_mirror_wood.1500



“I deal with many different disciplines including photography, design and painting. What is important to me are the relevant themes, the topics and content, which are above the discipline. I want to show, discuss and work with material that has a social impact, significant to society and even obvious within our human nature.”

Berlin based designer and architect Yasmine Benhadj-Djilali grew up in Algiers and Cologne. She studied architecture at the RWTH Aachen and taught at the Technische Universität Darmstadt where she focused on cities in transition with an emphasis on violent upheaval in the Arabic world. She is the founder of architecture & design studio YBDD in Berlin and in addition curates the Benhadj & Djilali gallery connected to her studio.

I met Yasmine when I saw her exhibit of Alfred Steffen’s stunning Prince photos, together with his ‘Comfort Zone’ series – photos taken from the unisex restrooms of the legendary long running Cookies club of Berlin. I showed her the late Chicago photographer Michael Abramson’s photos of mid-70s South Side Chicago blues/jazz/funk nightclubs which immediately fascinated her.

“The photos touched me deeply. . their clear illumination of this refuge, an escape we all know, that stands apart from our everyday lives – this parallel temporary nighttime universe of potential serenity and enjoyment. I’m fascinated by the effects of music and alcohol standing for a vision or hope of a better life. The so called ‘good life’ – this combination of illusion and fantasy – its unique fashion and atmosphere. Different from the ‘Cookies’ photos – this is a completely underground scene – there are very few white individuals. It’s an entirely black domain, totally relaxed, almost private and exclusive.”

A lot has been written about how Michael Abramson, a young white student at the time, was able to infiltrate this scene – made to feel welcome so much that he photographed there for almost three years after initial hesitation. He became a fixture at a series of clubs, a character whom Blues legend Lonnie Brooks called the ‘picture man’.

Next to his ballroom and strip club work of the same time period it is the South Side photos which have become Abramson’s most celebrated work – featured in two significant publications. As reported by the LA Times upon his untimely death in 2011, Abramson felt that as a traveled photographer he had been to ‘every part of the planet’ but had never felt so ‘far away as I was when I was on the South Side of Chicago. Not because it was exotic, in the misused sense of that word, but because it was so exhilarating.’

A selection of Abramson’s Chicago South Side photos are currently at the Frankfurt Foto Forum as part of the exhibition Rock.Funk.Punk. and will be opening at Benhadj-Djilali in November.


Men with Cameras

“The acclaimed photographer Michael Abramson, who passed away from kidney cancer in 2011 left me his estate. He was my longtime romantic partner but I knew little about the art world in general or photography in particular. Only that I had loved Michael and I treasured what he left, which included hundreds of vintage prints. One day as I was packing up Michael’s belongings I came across an archival box full of negative film strips simply labeled “1979.”

Holding up the first strip to the light, I realized this was Michael’s notorious never before seen work from a so-called gentleman’s club that used to exist on Chicago’s north side. Like many strip clubs of its era, the theater hosted monthly events called Camera Night during which, for an extra fee, amateur photographers were invited to arrive before the regular show began to take as many candid shots of the strippers as they liked. Like the other men present, Michael initially went to take photos of the strippers, but as he surveyed the larger scene, it occurred to him to turn his camera on the other photographers – the sea of men continually clicking their shutters.

Michael’s striking and often beautiful photographs of this complex social scene may at first glance generate discomfort, or even be dismissed as disturbing and ugly. While the images are not nearly as graphic as say those of Robert Mapplethorpe – which portrayed men on men – these photographs of men looking at women can make a feminist like myself cringe. Even now nearly 40 year after these photographs were taken, they retain the power to further the conversation of what it means for women to engage in sex work ─ and more critically perhaps, what it says about the men who would want to watch, engage in, and photograph them.”

This is part of the story shared to me by Michael Abramson’s surviving partner, Dr. Midge Wilson, who currently serves as the Director of the Abramson Arts Foundation.

When I shared her story and the images with a London professor friend of mine he wondered what had happened to all the pictures that the men had taken. I wondered too- did they develop them secretly? hiding them from girlfriends or wives? Others viewing the images pointed out to me the cost of purchasing porn in this pre-internet time. These gentlemen were creating their own personal porn supply!

Multiple stories can be unpacked about these wild sometimes humorous and over the top pictures – coming out soon in book form. Some call the scene truly sordid, but I wonder who is really holding the power in this gendered scenario. Within my gaze of the work I appreciate the wide smiles, the showbiz pizazz of the women, the relaxed atmosphere. A sign of the 70s – or men and women sharing an erotic experience? It looks like some are having fun. . Or for the women is it just put-on? A performance? And the men . . fun? bored? exploitive?


What do you see? 

Feeling Blue

AccraBlueThreeNew York photographer Accra Shepp recently wrapped up his conversation series at the International Center for Photography, titled Radical Conversation: Making America Great. The conversation series – lasting four weeks – was a series of interviews with art activist Dread Scott, Beat generation poet Hettie Jones, visual journalist Brian Palmer and American National Public Radio reporter Arun Venugopal. About the series Accra told me: “In the work of resistance the size of the gesture is not so important as the sincerity and content of the act. For example, when beat poet Hettie Jones published the seminal poetry journal Yugen- its distribution was very small, but over time it became an important voice in American poetry introducing radical poets like Allen Ginsberg and Amir Baraka whose work resonates with us today.”

Catching up with him in his studio in Queens I asked him what he’s up to now:

“I’ve started work on a series of cyanotypes. It’s a 19th century process that creates an image in tones of blue.”

Why is this colour meaningful to you?

“I’ve been feeling the need to do this work for over a year and am still exploring it. People who have responded to the images have talked about how the colour blue evokes our current collective political mood. [Note: For Americans blue is the colour of depression and sadness while for Germans to be blue means to be drunk.] Printing these images in tones of blue (as cyanotypes) they come alive in a way they have not previously – as traditional black and white photographs. It’s like this is the color that they ‘need’ to be. When I’m further along in the series I will know why. The first images came out of a residency I did at a castle in Italy in 1997. The photos were from that castle and a nearby farmhouse. The cyanotype, a very early photo process from the 1840s, links us to our past. In this political moment, which is so uncertain, it provides a kind of anchor. Like Janus, the Roman god of thresholds, looking forward and backward at the same time.”



Accra’s statements reminded me of a blog I had stumbled onto recently by an upstate New York watercolour artist – Kateri Ewing called Thinking About Blue. She states ”As a watercolourist I now see everything in terms of not only shape, but colour, and no colour is as elusive or as important to me as the colour blue.” Ewing describes the complexity of blue – its appearance in art in the Middle Ages- its multiple palettes and symbolism in both the English and German language. A friend of mine had a dance company in Chicago called Cerulean [considered a deep sky blue]. For Accra, blue is a bridge to memory. For me, in these tumultuous American times gazing at these fresh delicately papered photos I feel a sense of new peace.


This Ain’t Art School: Wie Instagram und Fotografie zusammenkommen

Ist Instagram wirklich so langweilig? Posten alle nur Selfies und Essen? This Ain’t Art School zeigt einen Weg aus der Krise. 

Als ich mit einem Stipendium für meine Doktorarbeit für ein Jahr nach Paris ziehen konnte, nahm ich mir vor, die Stadt kennenzulernen. So richtig. Woody Allen hatte sich mit seiner romantischen Liebeskomödie „Midnight in Paris“ gerade in die Goldenen Zwanziger zu den großen Künstlern und Legenden der französischen Hauptstadt zurückgeträumt – seine Bilder von Straßen und Plätzen, von der Nacht und den Lichtern flimmerten vor meinem inneren Auge, während ich meine Koffer packte. Also kaufte ich mir eine Kamera, damit ich beim Flanieren genauer hinsehe und meinen Freunden und der Familie zu Hause zeigen kann, wie es ist, dieses Paris, dieser Sehnsuchtsort. Die teure Kamera kam in diesem Jahr nicht zum Einsatz. Ich hatte sie fast nie dabei. Dafür aber mein Smartphone und die App Instagram, mit der ich damals wie so viele andere meine Fotos einfach nur bearbeitete. Über jedes Bild legte ich einen Retro-Filter, um der Vergangenheit so nah sein zu können wie Woody Allens Gil, der dafür nur nachts in eine Limousine steigen musste. Da ich weit weg von zu Hause war und alles interessanter zu sein schien als der deutsche Dichter, mit dem ich mich für meine Doktorarbeit befassen wollte, blieb mir viel Zeit, mich mit meinem Smartphone, der Bildbearbeitung und dem – wie ich bald merkte – sozialen Fotonetzwerk Instagram zu befassen.

Paris sagt: "Love Me". Das Foto habe ich Jahre später gemacht, als ich längst wieder in einer deutschen Großstadt wohnte und Retro-Filter schon out waren auf Instagram.

Paris sagt: “Love Me”. Das Foto habe ich Jahre später gemacht, als ich längst wieder in einer deutschen Großstadt wohnte und Retro-Filter schon out waren auf Instagram.

Heute, fast sechs Jahre später, sind 300 Millionen Menschen täglich auf Instagram aktiv, 95 Millionen Fotos und Videos werden geteilt und 4.2 Milliarden Likes vergeben. Nie war es einfacher, mit Bildern zu kommunizieren und sie zu konsumieren. Nie konnte man sich schneller als Fotograf oder Künstler ohne an den Hütern des Tempels der Kunst vorbei zu müssen einen Namen machen oder sich zumindest so nennen und sich sicher sein, dass schon irgendwer zur Kenntnis nehmen wird, was man ist. Ein Fotograf zum Beispiel, schließlich steht es so im Profil auf Instagram geschrieben und die Facebook-Fanpage sagt auch nichts anderes. Und die Follower, die täglich zustimmend nickend, während sie zwei Mal mit dem Daumen auf das Display des Smartphones tippen, ein Like mehr, ein „WOW“ mehr, das auch immer noch schnell in das Kommentarfeld gehämmert werden muss. Das ist die Bestätigung, man kann es, das mit der Fotografie. 100 Likes lügen nicht. Während auf dem Kunstmarkt der Preis eines Kunstwerks vermeintlich Auskunft gibt über dessen Qualität, sind es in den sozialen Medien die Followerzahlen oder auch die Likes und die Kommentare, die ein Foto sammelt.

Dino Kuznik / @dinokuznik, Arizona Pastels, 2016. Bei This Ain't Art School zeigen wir unter dem Hashtag #taastakeover Arbeiten ausgewählter Fotografen und führen mit ihnen kleine Interviews, die wir auf Instagram teilen.

Dino Kuznik / @dinokuznik, Arizona Pastels, 2016. Bei This Ain’t Art School zeigen wir unter dem Hashtag #taastakeover Arbeiten ausgewählter Fotografen und führen mit ihnen kleine Interviews, die wir auf Instagram teilen.

Bis vor etwas über einem Jahr gab es auf Instagram noch die Liste der vorgeschlagenen Nutzer. Wer Instagram in irgendeiner positiven Form aufgefallen war, wurde ein paar Wochen lang auf die Suggested User List gesetzt. Meist waren das zwei Wochen, in dieser Zeit wurden zwischen ca. 15.000 und 150.000 Followern gesammelt. Und da schon bald klar war, dass Geld verdienen kann, wer viele Follower hat, oder man sich zumindest instafamous fühlen kann, arbeiteten viele Nutzer darauf hin, auf diese Liste zu kommen. Sie gingen zu InstaMeets, organisierten selbst solche Treffen, wünschten ihren Followern täglich einen schönen Guten Morgen und ein erholsames Wochenende und posteten Fotos, die zur Lifestyle-Oase Instagram passten und zu einem warmen Werbeumfeld beitrugen.

(Für Zeit Online habe ich kürzlich aufgeschrieben, wie sich mit Instagram Geld verdienen lässt und warum das nicht unbedingt so cool ist, wie es klingen mag.)

Ich fand das ziemlich langweilig, denn obwohl das Medium auf Instagram Fotografie ist, ging es nicht darum. Alle machten sehr ähnliche Fotos, fotografierten symmetrisch U-Bahnstationen, kitschige Sonnenuntergänge und Wendeltreppen, weil Kevin Systrom, einer der Gründer von Instagram sagte, das Hashtag #theworldneedsmorespiralstaircases möge er besonders gern.

Als ich dann in Berlin beim ersten großen internationalen InstaMeet war und es nur um Likes und Followerzahlen ging, kam ich nach der Lektüre eines Interviews im System Magazin auf die Idee, etwas zum Thema Fotografie zu machen. Juergen Teller sprach mit Hans Ulrich Obrist über seine Tätigkeit als Professor an der Akademie in Nürnberg und erzählte, welche Aufgaben er seinen Studenten gibt. Amazing, dachte ich, das machen wir auf Instagram. Eine Freundin und ich posteten also, wer mitmachen wolle, melde sich bitte per Privatnachricht, wir geben die Aufgaben raus, Fotos bitte unter dem Hashtag #juergentellerassignment teilen. Offenbar fanden Instagram noch ein paar mehr Leute langweilig.

Maria Moldes oder Martin Parr? Maria Moldes aus Spanien, auf Instagram: @mariamoldes. Sie möchte sich nicht über die Menschen lustig machen, ganz im Gegenteil, am Strand kann jeder so sein, wie er mag, das Gefühl sollen ihre Fotos vermitteln.

Maria Moldes oder Martin Parr? Maria Moldes aus Spanien, auf Instagram: @mariamoldes. Sie möchte sich nicht über die Menschen lustig machen, ganz im Gegenteil, am Strand kann jeder so sein, wie er mag, das Gefühl sollen ihre Fotos vermitteln.

Jedenfalls meldeten sich in wenigen Stunden über 50 Leute – also legten wir einen Account an und teilten die Aufgaben öffentlich. Innerhalb von knapp vier Wochen kamen über 2.000 Fotos von Teilnehmern aus der ganzen Welt zusammen, Kunstmagazine wie Monopol und art berichteten, ich gab im Radio Interviews, jetzt.de schrieb über die große Kunstklasse auf Instagram und Modeblogs wie Dandy Diary berichteten. Da alle Spaß hatten und wir auch, ging es unter dem Namen This Ain’t Art School. Seit drei Jahren gibt es jeden Monat eine neue Aufgabe, meist schauen wir uns das Werk eines Fotografen an und überlegen, was auf Instagram funktionieren könnte. Museen denken ja sehr oft, ach, cool, machen wir mal irgendwas auf Instagram, was irgendwie total super sein könnte. Meist finden das dann aber nur die Museen selbst total super. Sehr oft ist das auch sehr schade. Ein Beispiel: Aktuell hat das Kölner Museum Ludwig dazu aufgerufen, unter dem Hashtag #kunstausdemleben Fotos vom Tisch nach dem Essen zu teilen. Passt nicht so ganz zum sozialen Fotonetzwerk Instagram und dem, was die Nutzer auf ihren durchkuratierten Accounts sonst so aus ihrem Alltag zeigen. Die Autorin und Journalistin Kathrin Wessling hat sich auch vor ein paar Wochen etwas überlegt, das gegen den Perfektionismus, die Selbstdarstellungssucht und die viel zu aufgeräumte Instagram-Welt helfen könnte. Ihr Projekt und Hashtag heißen: #abouttherealstruggle, sie teilt Bilder (jeder kann mitmachen) aus dem Leben, für die sich vorher nicht drei Stunden geschminkt wurde oder die Wohnung neu dekoriert oder umgeräumt werden musste.

Das Problem außerdem vieler Museen: Sie haben sich keine Community aufgebaut, die sie ansprechen könnten. Museen begreifen Instagram noch immer halbherzig als Verlängerung der Website oder lassen Praktikanten herumspielen, denn die wollen ja auch beschäftigt werden. Dass mit einem Instagram-Account schon mal so viele Leute erreicht werden, wie mit einer Anzeige in einem Magazin, geschenkt, ist doch nur Social Media.

Museen übersehen auch oft, dass es auf Instagram tatsächlich um Fotografie geht bzw. dass sich das sehr viele Nutzer wünschen. Sie stellen lieber eine Selfie-Station ins Foyer ihres Museums, die Besucher werden schon Spaß damit haben und die Selfies auf Instagram teilen. Das Kölnische Stadtmuseum hat gerade solch eine Selfie-Station aufgebaut, die Besucher dürfen Selfies mit Konrad Adenauer machen und unter dem Hashtag #adenauer2017 teilen.

(Für Monopol habe ich 2016 einen Text mit dem Titel „Keine Selfie-Stationen mehr!” geschrieben.)

Selfie game strong bei Künstler Andy Kassier / Andy Kassier. Er spielt auf Instagram mit männlichen Rollenklischees und gibt den erfolgreichen Geschäftsmann. "Success is just a smile away", sagt Andy Kassier.

Selfie game strong bei Künstler Andy Kassier / Andy Kassier. Er spielt auf Instagram mit männlichen Rollenklischees und gibt den erfolgreichen Geschäftsmann. “Success is just a smile away”, sagt Andy Kassier.

Bei This Ain’t Art School also tummeln sich Instagram-Nutzer aus der ganzen Welt, die sich eh schon mit Fotografie befassen oder ein bisschen mehr über Fotografie wissen wollen. Gerade ging es in Zusammenarbeit mit der Berlinischen Galerie und den Fotografen Tobias Zielony und Heidi Specker als Juroren um das Thema Reisefotografie (#farawayassignment), der Fotograf Stephen Shore hat sich auch schon eine Aufgabe für uns überlegt, als seine Ausstellung bei C/O Berlin zu sehen war und im September haben wir Alec Soth zu Gast, wenn „Gathered Leaves“ im Haus der Photographie der Deichtorhallen Hamburg zu sehen sein wird. Er denkt sich gerade eine Aufgabe aus, die ab Anfang September unter dem Hashtag #alecsothassignment erledigt werden kann.

Hier entlang geht es zu This Ain’t Art School.

7 großartige (Foto)Magazine

Einmal die Woche gehe ich Bücher und Magazine anschauen und kaufen. Mein Freund mag es mehr, wenn ich mir alles nur ansehe und dann wieder zurücklege. Das Bücherregal in unserer Wohnung ist längst übervoll und die Stapel auf dem Boden sind schon so hoch, dass sie irgendwann umfallen. Das wird dann aussehen, als hätte jemand mit Büchern Domino gespielt. Und trotzdem gehen wir jeden Samstag zusammen – sofern wir beide am Wochenende zu Hause in Hamburg sind – in die Schanze, um eine Runde durch die Buchhandlung Cohen + Dobernigg zu drehen.

Ich glaube, Cohen + Dobernigg ist die am besten sortierte Buchhandlung in Hamburg, jedenfalls finde ich dort meist eine Neuerscheinung, von der ich nichts wusste. Oder Titel, die andere gar nicht erst in ihr Sortiment aufnehmen würden. In der Buchhandlung im Haus der Photographie informiere ich mich über Fotobücher, sehr oft im Gespräch mit den Mitarbeitern, und bei Gudberg Nerger in der Neustadt gibt es alle Indie Magazine, nach denen ich suche. Ziemlich gut ist, dass man bei Gudberg Nerger einfach sagen kann, hey, was gibt es denn Neues oder besonders Tolles und dann geht man nach zwei Stunden und einer guten Unterhaltung über Fotografie und Magazine mit einem Stapel Heften unter dem Arm oder mit einer Flasche Bier in der Hand nach Hause.

Unregelmäßig meldet sich mein guter Bekannter Tho, auf Instagram als @lastguest_hh bekannt, bei mir und schickt mir Links zu Magazinen, die mich interessieren könnten. Tho bestückt in Hamburg ausgewählte Kaffeeläden mit Indie Magazinen, bei den Public Coffee Roasters in der Neustadt verkauft er sie unter dem Namen Coffee Table Mags – und natürlich im Internet.

Was ich in den letzten Monaten so gekauft habe und empfehlen kann:theonesweloveDer Titel The Ones We Love klingt unfassbar kitschig, aber das macht nichts. Das hier ist die dritte Ausgabe aus dem Sommer 2016. Die Studio Managerin von Alec Soth, Carrie Elizabeth Thompson, sollte mit ihm über sein Projekt Niagara sprechen, das machte sie etwas nervös, weil sie ihn schon so oft Fragen dazu hat beantworten hören. Was sollte sie ihn jetzt noch Neues fragen? Also unterhielt sie sich mit ihm über das Thema Liebe. Ihre erste Frage: “How do you define love?” Er antwortet: “(…) I guess love has to do with the feeling of an external being not being truly separate. You feel like another person is part of you the way your toes are a part of you. But surely there are many different kinds of love. My hands feel like a bigger part of myself than my toes and so on.”

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On top zum Thema Propaganda (Robert Rauschenberg, Christopher Anderson und mehr) dieser Ausgabe kommt Thomas Mailaender und Self Portrait.

The Printed Dog hatte mich sofort als Leser, weil beispielsweise Ryan McGinley seinen Hund Dick fotografiert hat und Juergen Teller Straßenhunde (beides Ausgabe 1). Das Titelbild dieser Ausgabe stammt von Terry Richardson.

Ein bisschen traurig bin ich ja, dass Teenie Magazine Mitte der 90er nicht aussahen wie Sofa von Ricarda Messner und Caia Hagel. Das Thema der zweiten Ausgabe: Cyberlove. Nicht nur für Teenager, natürlich.

Das ist das Jubiläumsheft von Der Greif. Wem Instagram zu durcheinander und unübersichtlich ist, weil mal zu viel und mal zu wenig kuratiert, wird mit dieser, der zehnten Ausgabe sehr glücklich.

Dieses Mal habe ich mir das System Magazin wegen des Beilegers gekauft. Juergen Teller sollte eigentlich Rihanna fotografieren, die musste sehr kurzfristig absagen, deshalb gibt es jetzt also von ihm Waiting vor Rihanna. Juergen Teller, wie er über eine Hanfplantage hüpft usw. usf.

The Travel Almanac lese ich gern wegen der Interviews. Und wenn es eine Titelgeschichte über Taryn Simon gibt, lese ich erst recht.

Vielleicht sollte ich noch kurz etwas zu den Fotos in diesem Beitrag sagen. Es ist schon eine Weile her, dass ich auf Instagram solch ein Foto von mir teilte – Kaffee in der Hand, Magazin auf dem Tisch, Strickjacke an. Meine Follower fanden die Strickjacke ziemlich gut, deshalb ziehe ich sie jetzt immer an, wenn ich ein Foto von einem Magazin teilen möchte. Meine Follower freut das. Kaffee trinke ich eigentlich gar nicht, Cola oder Kakao machen sich aber nicht so gut auf Instagram. Alles recht bescheuert, ich weiß. Wenn Sie mir jetzt trotzdem auf Instagram folgen möchten, bitte hier entlang.

Selfies und Verehrung auf Instagram. Chris Dranges “Relics”

“Instagram ist mittlerweile ein Sujet wie Landschaft”, sagt der Künstler Chris Drange. Richard Prince hat sich als bekannter Künstler die Fotos Unbekannter angeeignet, Chris Drange als beinahe Unbekannter hat jetzt die Selfies bekannter weilblicher Stars refotografiert und unter dem Titel “Relics” veröffentlicht. 

Die erste Band, für die ich mich interessierte, waren in den 90ern New Kids on the Block. Ich weiß gar nicht mehr, wie ich auf die Band kam, ich weiß nur noch, dass in meinem Kinderzimmer Poster von New Kids on the Block hingen. Später waren es Poster der australischen Band Silverchair, im Zimmer nebenan bei meiner Schwester hing die Kelly Family, unser damals bester Freund, der Nachbarsjunge mochte die Prinzen. Wenn wir uns über unsere Lieblingsbands informieren wollten, mussten wir zum Zeitschriftenladen laufen und in der Bravo blättern. Über Silverchair wurde nicht sehr viel geschrieben in der deutschen Presse. Immer wieder erzählten sie, wie sie auf den Namen gekommen sind und wie sie mit 14 bei einem Musikwettbewerb gewonnen haben und dann plötzlich mit der Single „Tomorrow“ auf Platz 1 der Charts landeten.

Als sich Sänger Daniel Johns nach acht Jahren Beziehung und vier Jahren Ehe von Natalie Imbruglia scheiden ließ, fand sich darüber so gut wie nichts in den Medien, denn beide sprachen einfach nicht mit den Medien über ihre Trennung. Heute ist Daniel Johns auf Instagram, seine jeweils aktuelle Freundin postet Fotos aus seinem Haus und wie sie gemeinsam im Bett liegen, er selbst auch – und wenn es dann zur Trennung kommt, streitet sich die Schwester der aktuellen Freundin mit der Ex-Freundin auf Instagram. Er liebt mich mehr. Nein meine Schwester. So eine tiefe Beziehung wie wir werden die beiden nie haben. Usf. Die Medien freuen sich, die Fans auch. Kommen kritische Kommentare von den Fans (trink weniger Alkohol, mach mehr Musik, geh zurück zu Natalie Imbruglia), löscht und blockt Daniel Johns. Ich würde gern ein Buch darüber lesen, wie sich die Fankultur durch soziale Medien verändert hat.

Derweil ist ein kleines Büchlein von einem Künstler erschienen, kaum größer als ein Smartphone, das zeigt, wie Verehrung in Zeiten von Instagram aussehen kann. Der Titel: „Relics“, also die Reliquie. Chris Drange hat sich die Spitze von Instagram fast ein Jahr lang angeschaut, um herauszufinden, was typisch ist. An der Spitze sind übrigens fast nur Frauen. Darunter Selena Gomez mit 123 Millionen Followern, Kim Kardashian mit 101 Million Followern, Ariana Grande mit 110 Millionen Followern, Kylie Jenner mit 95.8 Millionen Followern, Kendall Jenner mit 82.2 Millionen Followern und Miley Cyrus mit „nur“ 69.5 Millionen Followern.

Was er gefunden hat, sind Selfies auf der einen Seite und auf der anderen Seite Kommentare von weiblichen Fans, die sein wollen wie ihr Star: so hübsch, so reich, so erfolgreich. Sie posten auch Selfies, ganz ähnlich wie ihr Idol. Im Buch hat Drange das Selfie des Stars dem Profilbild des Followers gegenübergestellt und darunter den Kommentar geschrieben. In der Ausstellung hängen jetzt gerahmt die refotografierten Selfies der weiblichen Influencerinnen, wie Drange die berühmten Frauen in seinem Vorwort nennt. Dort steht über den Titel:

„Dabei verweist der Titel auf zwei Phänomene: Erstens auf eine neue Form der Verehrung, in der Selfies zu digitalen Objekten der Anbetung und Smartphones zu ‚Schein-Devices‘ werden. Und zweitens auf ein Frauenbild – im Spannungsfeld zwischen antiquierter Männervorstellung und moderner weiblicher Selbstbestimmung.“

Auf die Frage, ob die Fotos tatsächlich für den Blick der Männer gemacht sind, antwortet er mit einer Beobachtung. Ein Jahr lang habe er intensiv die Kommentare zu den Selfies gelesen. „Die Männer wollen die Frau haben, die Mädchen wollen sein wie sie“, sagt er. In der Ausstellung habe er jetzt bewusst die Kommentare weggelassen, damit der Betrachter seinen Kommentar selbst schreiben kann.

Wer mehr über den weiblichen Blick in der Fotografie in Zeiten von Social Media lesen möchte, dem empfehle ich das Buch „Girl on Girl. Art and Photography in the Age of the Female Gaze“ von Charlotte Jansen, „Pics or It Didn’t Happen“ von Molly Soda und Arvida Byström und die aktuelle Ausgabe von European Photography.

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Chris Drange zeigt „Relics“ im Rahmen der Absolventenausstellung an der Hochschule für bildende Künste Hamburg von 14. bis 16. Juli 2017, 14.00 bis 20.00 Uhr in Raum 253. Das Buch „Relics“ ist bei Hatje Cantz erschienen.

20 artsy Instagram-Accounts

Hatje Cantz fragte mich, ob ich im Juli Gastblogger sein möchte, ich könne auch schreiben, worüber ich wolle. Das ist schön, dachte ich. Endlich ein Anlass, meine zwanzig Lieblingshunde auf Instagram zu listen. Dann dachte ich, das könnte vielleicht nur mir Freude bereiten, lieber lassen. So ein Gastblogger wird im Zweifel vielleicht schnell wieder abgesetzt, man weiß es ja vorher immer nicht. Deshalb also bin ich meinen Kopf und meine Instagram-Abonnements durchgegangen und liste 20 Accounts, die ich aus den verschiedensten Gründen ziemlich gut finde. Vielleicht haben auch Sie in Zukunft ein wenig Freude daran. Das wiederum würde mich freuen ­– Ihnen eine Freude bereitet zu haben.

Fangen wir an. (Wenn Sie einem Account folgen wollen, klicken Sie auf den Namen, darunter ist der jeweilige Account verlinkt oder öffnen Sie die App Instagram und tippen Sie in das Suchfeld @ und dann beispielsweise littlebrownmushroom).

Alec Soth, @littlebrownmushroom

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Man könnte Alec Soth auf Instagram aus vielen Gründen folgen: Weil er Magnum-Fotograf ist und das per se gut ist. Weil er die besten Nicht-Selfies macht – er nennt sie Unselfies. Weil er regelmäßig schöne Gedichte teilt. Und weil er verdammt lustig ist. Ich folge ihm wegen seines Hundes Misha. Er hat sogar ein eigenes Hashtag: #lbmisha.

Andy Kassier, @andykassier

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Andy Kassier als die männliche Version von Amalia Ulman einzuführen, das wäre etwas unfair. Denn Andy Kassiert performt schon ein paar Jahre länger in den Sozialen Medien. Andy Kassier ist superreich. Er sieht blendend aus. Er ist gut gekleidet, seine Frisur sitzt, ohne sein Lächeln geht er nicht aus dem Haus. Andy Kassier hat, was es braucht, um die Kunst des guten und erfolgreichen Lebens in den Sozialen Medien zu inszenieren. „Nichts gehört mir, aber alles könnte mir gehören“, sagt er. Was möglich ist, ohne Geld in die Hand zu nehmen, das möchte Andy Kassier zeigen. Und natürlich möchte er Klischees auseinandernehmen, indem er sie auf die Spitze treibt.

art et cinema, @art_et_cinema
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Haben Sie den Film „Catch Me If You Can“ mit Leonardo Di Caprio gesehen? Der Scheckfälscher und Hochstapler Frank Abagnale ist permanent auf der Flucht vor dem FBI-Ermittler Hanratty. Benjamin und Frédéric von art et cinema sind auch permanent auf der Flucht – wer, warum und wie lange noch, man weiß es nicht. Was ich weiß: Ihre Instagram-Serie „Catch Me If You Can“ ist großartig und die Flucht soll noch sehr lange erfolgreich sein, bitte.

Daniel Arnold, @arnold_daniel

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Der New Yorker Straßenfotograf Daniel Arnold ging vor ein paar Jahren durch die internationalen Medien, weil er zu seinem 34. Geburtstag Fotos via Instagram verkaufte. Der Grund: Er war pleite. Für $ 150 den Print. „I swear I will never sell anything this cheap again“, schrieb er damals. Wenige Stunden später war er $ 15.000 reicher. Daniel Arnold ist einer der besten Straßenfotografen auf Instagram, mittlerweile fotografiert er regelmäßig unter anderem für die New York Times und Vogue. Verdammt harte und gute Arbeit zahlt sich eben doch irgendwann aus. Mit seiner Contax und einem iPhone rennt er jeden Tag den ganzen Tag durch die Straßen von New York, er isst nicht, er macht keine Pausen, nur wenn er einen Film unterwegs verloren hat, dann rennt er zurück. Und vielleicht wird er irgendwann nicht mehr als Instagram-Fotograf, sondern als Fotograf eingeführt.

(Wenn Sie sehen möchten, wie er arbeitet, kann ich Ihnen diesen Film empfehlen.)

Ich kenne übrigens auch Instagram-Accounts, die nicht mit dem Buchstaben A beginnen.

Stephen Shore, @stephen.shore

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Stephen Shore halt.

Tag Christof, @americaisdead

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Wenn Sie Stephen Shore auf Instagram doof finden, weil er so gern den Boden oder den Garten seiner Frau fotografiert, folgen Sie einfach Tag Christof. Bei ihm sieht es aus, wie Stephen Shores Instagram in den 70ern ausgesehen hätte.

Jochen Overbeck, @ofeneck

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Der Journalist Jochen Overbeck mag für Nicht-Instagrammer eine etwas seltsame Leidenschaft haben. Er radelt stundenlang manchmal sogar tagelang kilometerweit durch Berlin, um eine schicke alte Karre vor einer im besten Fall noch schickeren Fassade zu finden. Und das alles für ein heißes #asundaycarpic. Er hat aber auch eine Leidenschaft für die Architektur der Moderne und für gutes Design.

Tekla Evelina Severin, @teklan

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Noch mehr Design. Noch mehr Architektur. Maximal bunt. Die Schwedin Tekla Evelina Severin ist Innenarchitektin, lebt in Stockholm und sie findet Farben, egal, wo sie gerade ist.

Ronja von Rönne, @sudelheft

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Falls Sie jetzt mit den Augen rollen, überspringen Sie diese Empfehlung. Falls Ihre Augen jetzt leicht glänzen und Sie nicht wussten, dass Ronja von Rönne eine erfolgreiche Frau auf Instagram ist, folgen Sie ihr ruhig. Selfies sind okay, zumindest von Ronja von Rönne und das fast nur wegen der komischen Bildunterschriften.

Wolfgang Tillmans, @wolfgang_tillmans

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Ja, Wolfgang Tillmans ist auch da. Und er ist auch auf Instagram, wie Wolfgang Tillmans eben so ist: politisch aktiv, an Kunst interessiert. Und manchmal postet er auch betrunken Fotos auf Instagram. Vermutlich wie wir alle.

Für das Monopol Magazin habe ich kürzlich mit Wolfgang Tillmans über “Handygeknipse” gesprochen und über sein Instagram geschrieben.

Teju Cole, @_tejucole

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Teju Cole ist der Fotografiekritiker des New York Times Magazine, für das er die Kolumne „On Photography“ schreibt, er ist außerdem Schriftsteller und Fotograf. Gerade ist sein erstes Fotobuch unter dem Titel „Blind Spot“ erschienen. Teju Cole hat die Geschichte der Fotografie eingeatmet und atmet sie in seinem Fotobuch wieder aus. Seine Einflüsse sind Stephen Shore, Joachim Brohm, Guido Guidi und Luigi Ghirri, und so sehen auch seine Fotos aus. Auf Reisen fotografiert er die blinden Flecken der Touristen, man könnte sein Projekt als intellektuelle Vermessung der Welt beschreiben. Instagram ist sein Notizbuch, sein visuelles Tagebuch. Dort arbeitet er gerade nach „Blind Spot“ an seiner neuen Serie. „Black Paper“ handelt davon, was man alles sieht, wenn man in die Dunkelheit starrt.


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Da Sie das Fotoblog von Hatje Cantz lesen, nehme ich an, dass Sie sich für Bücher interessieren. Philipp, seinen Nachnamen kenne ich nicht, der steht nicht in seinem Instagram Profil, ist Architektur Nerd, das steht dort, und er sammelt Bücher. Er zeigt regelmäßig Bücher aus seiner Sammlung und schreibt ausführlich darüber. Ganz klare Folgeempfehlung.


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Ich fahre kein Auto. Vielleicht schaue ich mir auch deshalb gern die geilen Tiefgarageneinfahrten auf Instagram an. Sie bekommen zu sehen, was der Account verspricht: geile Tiefgarageneinfahrten eben.

Heidi Specker, @heidispecker

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Sympathisch ist ein seltsames Wort. Man benutzt es nicht so gern, weil es irgendwie klingt wie nett. Und nett, das sagt man nicht über eine andere Person, außer man findet die Person ziemlich doof, langweilig, jedenfalls nicht weiter erwähnenswert. Die Fotografin Heidi Specker ist aber genau das auf Instagram: wahnsinnig sympathisch. Ihr letztes Instagram-Posting zeigt sie, wie sie sich eine Schweinchennase vor’s Gesicht hält.

Stephen Erfurt, @stephanerfurt

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„Fotograf und Director @coberlin Foundation“, steht in der Profilbeschreibung. Stephan Erfurt hat sich vorgenommen, jeden Tag ein Foto auf Instagram zu posten und das macht er auch. Die Übergänge zwischen privat und beruflich sind bei ihm fließend, die Beschreibung wahnsinnig sympathisch würde auch auf ihn zutreffen. Und er hat einen Hund, Baal heißt er, und Baal hat viele Hunde-Freunde. Es gibt also jede Menge Dog Content.
Falls Sie jetzt noch wissen wollen, von welchen Fotografen, die ich dank Instagram kenne, ich mir ein Fotobuch wünschen und kaufen würde, bitte weiterlesen. Das Beste kommt bekanntlich zum Schluss.

Hayley Eichenbaum, @inter_disciplinary

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Hayley Eichenbaum ist ein Viralhit unter den Fotografen auf Instagram. Es gibt vermutlich kein Online Magazin oder Blog, das ihre Bilder noch nicht gezeigt hat. Hayley spricht ganz offen über ihre Angststörung und wie ihr die Fotografie dabei geholfen hat, damit besser leben zu können. Sie fährt mit ihrem Auto und der Kamera im Gepäck die Route 66 entlang und macht dabei Fotos, so surreal, bunt und aufgeräumt, als wären es Standbilder aus einem Hollywood-Film, den es leider nicht gibt.

Kelsey McClellan, @kelseyemc

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Kelsey McClellan könnte der nächste Instagram-Viralhit werden. Schöner kann man Essen und Kleidung nicht kombinieren und fotografieren. Für das Styling ist Michelle Maguire zuständig, @pandahandler auf Instagram.

Pierco Percoco, @melted_butterr

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#foodporn im wahrsten Sinne des Wortes. So schmutzig wie Porn eben sein kann. Großartig.

Stefan Tschirner, @mr_sunset
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Der Berliner Stefan Tschirner ist Goldschmied, durch Instagram ist er zur Fotografie gekommen. Seine Fotos sind untypisch für Instagram. Man muss sich Zeit nehmen und genau hinsehen, um die Geschichten lesen zu können, die sie erzählen.

Und zum Schluss darf ein Dogs only Account doch nicht fehlen.
Steve, @wolfgang2242
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Der vermutlich schönste und manchmal auch traurigste Hundeaccount auf Instagram. „Life with Senior Dog Rescues, Bikini the pig, Stuart the rabbit, and etc.“, steht in der Profilbeschreibung. Dieses etc. sind Hunde, die zu alt, zu krank oder zu häßlich für eine Adoption sind. In diesem amerikanischen Haushalt finden sie ihre letzte Heimat und leben mit einem Huhn, einem Schwein und Hasen in einem Haus. Manchmal sterben die altersschwachen oder kranken Vierbeiner. Vor wenigen Tagen ist die blinde Phyllis (oben rechts im Bild) gestorben.

on the female gaze and the self portrait

For my last post of the series (sadly), I have to include Cindy Sherman. Her work clearly needs no introduction, only reflection.

Untitled Film Still #53 1980, reprinted 1998 by Cindy Sherman born 1954


Until next time!


on the female gaze and spatial awareness

Moroccan-born photographer Lalla Essaydi’s carefully staged images of Arab women have caught the attention of curators and collectors around the world. Her subjects are often covered with henna art and traditionally calligraphy, two artistic practices often left to men. Covered in inscriptions and dressed to match the background, Essaydi’s women appear empowered, placed front and center, with bold stares and powerful stances, despite the fact they, quite literally, blend into the background.




On the female gaze as activism






South African photographer and LGBT activist Zanele Muholi’s photographs speak for themselves. A self-proclaimed visual activist, the image she creates put her cause front and center for all to see. Her portraits of South Africa’s lesbian community document the beauty – and the struggles – of a community too often pushed to the side. Muholi’s subjects are delicate and strong all at the same time. Many of her photographs were stolen when her Cape Town apartment was robbed in 2012 – I think that gives you an idea of how controversial her work is to some. Despite the setback, she continues to document the faces and stories of an underrepresented community.





On the female gaze and complex characters

Norwegian photographer Tonje Bøe Birkeland photographs female fictional characters traveling in remote natural landscapes. Her photographs can feel like stills from a film we haven’t seen yet; a young woman looks into a pair of binoculars, another stands in front of a makeshift tent, another walks through snowy mountains. Birkeland’s protagonists feel distant yet recognizable, their stories only partially told through photos, pieces of text, and objects. The line between truth and fiction becomes blurred, and we begin to fill in the gaps with our own imaginations.

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On the Female Gaze and Surrealism

Another female photographer whose caught my eye is Izumi Miyazaki, a young Japanese woman whose self-portraits recall midcentury surrealism. She attempts to channel the unconscious through highly staged images that feel cute, gory, and poetic at the same time. The contrast between her wild id and her highly controlled style makes her work especially compelling. Here are a few of her most thought-provoking photographs:

Izumi Miyazaki: Consciousness

Izumi Miyazaki: Consciousness

Izumi Miyazaki: Measure

Izumi Miyazaki: Measure

Izumi Miyazaki: Fish

Izumi Miyazaki: Fish

Izumi Miyazaki.

Izumi Miyazaki.




On the Female Gaze

A few months ago, I came across a new mens fashion magazine entitled  Boys by Girls at my favorite Berlin book and magazine shop. A young man, whose face and boyish stare looked vaguely familiar (upon googling, I learned he was Thomas Brodie-Sangster), somehow struck me as being both masculine and feminine at the same time.

The publication’s title, a clear effort to turn the tables on traditional gender roles by putting a woman behind the camera and a man in front of it, resonated with me. Like many art writers – and artists, for that matter – I’ve been thinking a great deal about the politics of gender representation in contemporary photography. To see a publication like this one fly off the shelves felt like validation for my own ideas, criticisms, and questions about how gender norms often dictate image making. I’d like to dedicate my month-long editorship of the Fotoblog to photographers who have informed my own thinking about how photography can help reframe conversations around gender. 

I’d like to start of by introducing the work of Maisie Collins, a young photographer whose depictions of female sexuality I can’t seem to look away from:


Grass, Peonie, Bum. 2015.


Sticky Lips (from S.E.X.), 2015.


Die schönsten Fotos vom Instawalk | pt. 2

Gemeinsam mit Hatje Cantz hat Kwerfeldein die schönsten Fotos unseres Instawalks ausgelobt. Um der Vielfalt der Bilder gerecht zu werden, haben wir sie in zwei Kategorien gesplittet. Nach unseren schönsten fünf Fotos in der Kategorie #moskauberlin folgt hier sind unsere Top Five zum Thema #streetphotography:

From Berlin to Moscow by @corneliaw

From Berlin to Moscow by @corneliaw

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Die schönsten Fotos vom Instawalk | pt. 1

Gemeinsam mit Hatje Cantz hat Kwerfeldein die schönsten Fotos unseres Instawalks ausgelobt. Um der Vielfalt der Bilder gerecht zu werden, haben wir sie in zwei Kategorien gesplittet. Hier sind unsere Top Five in der Kategorie #moskauberlin:

Ernst Thälmann by @gert_pauly

Ernst Thälmann by @gert_pauly

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Instagram hat nichts mit Fotografie zu tun?


Mein erstes Mal fand an einem Donnerstag in Berlin statt, letzte Woche. Mein erster Instawalk. Eine neue und bereichernde Erfahrung im Zusammenhang mit dem Umgang mit Bildern und den neuen Medien. Wobei neuwohl in diesem Sinne nur für mich zählt, da Instagram für viele ja bereits altbekannt ist und seit der Veröffentlichung 2010 eifrig genutzt wird. Nur ich hinke zeitlich ein wenig hinterher. Unterwegs waren wir mit 16 Instagrammern, die sich selbst gar nicht unbedingt als Fotografen bezeichnen. Begriffe wie mobile photographer oder Content Creator fielen eher, einige betiteln ihren Stream mit offenen Begriffszusammenhängen, wie zum Beispiel „visual Berlin“ oder ähnlichen Ausdrücken.

Zurückgeblieben sind mir von diesem Walk einige Bilder, Erinnerungen und auch eine Menge neuer, offener Fragen und Erkenntnisse zu Instagram. Um meiner Verwirrung Ausdruck zu verleihen und vielleicht auch, um meine eigene Perspektive und Feldforschung auf einen/diesen Instawalk von euch Leser*innen wieder demontiert zu wissen, schreibe ich hier nun meine Sichtweise auf das Event und meine Eindrücke zum „Instawalk“ auf.

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Gedanken zu einem Fotospaziergang – oder zu Neudeutsch, zum (Insta-)Walk

Gehetztes Durch-die-Straßen-Rennen, den Blick stur geradeaus gerichtet, zielstrebig von A nach B gelangen – so sieht es meist aus, wenn man im Trubel der Stadt einen Moment lang inne hält und sich umschaut. Lauter Menschen, die wie vom Wind nach vorn geneigt dahineilen, mit Blick auf das Smartphone, am Telefonieren, immer unter Strom. Vieles entgeht einem in diesem Tempo. Und selbst jene, die lange an einem Ort sitzen, schauen selten mal nach oben, an den Fassaden empor oder auf die ganz kleinen Details in der nahen Umgebung: Pflanzen, die zwischen Gehsteigfugen herauswachsen, Wandfresken, die an unmöglich hohen Stellen an Gebäuden aufgebracht wurden ― von trompetenden Engeln oder harfespielenden Jünglingen. Graffiti, die das Stadtbild prägen und kalligrafische, abstrakte oder farbenfrohe Qualitäten haben können. Menschen, die auf ihren Balkonen ganze Universen errichtet haben, Schaufensterdekorationen, die einen mit ihren zusammengewürfelten Inhalten zum Schmunzeln bringen, architektonische Besonderheiten oder skurrile Details, die bei genauerer Betrachtung viel über die Zeit ihrer jeweiligen Entstehung preisgeben. Zusammengebastelte Provisorien, die Fahrräder sein sollten, Urban Gardening im Stadtgebiet, kleine versteckte Streetart-Überraschungen, wundersam geformte Fenstersimse, typografische Auffälligkeiten und absurde Sprüche… – die Liste ließe sich ewig fortführen.

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Das Auge zweifelt: Die Haut der Toten oder “Paisajes” der mexikanischen Fotografin Andrea Tejeda Korkowski

„When most I wink, then do mine eyes best see,
For all the day they view things unrespected;
But when I sleep, in dreams they look on thee,
And darkly bright, are bright in dark directed.”

“Am schärfsten sieht mein Blick, schließt Wimpernsaum –
was er am Tag nur sieht, entfällt dem Sinn;
Doch dann im Schlaf seh ich Dich ganz im Traum,
Blicks Dunkelhell sieht hell aufs Dunkel hin.”

Skin after II_600

Das Auge zweifelt. Sinne geraten ins Wanken. Was wie selbstverständlich, direkt, ohne Umschweife ausgebreitet liegt, will sorgfältig durchwandert, erspürt, will gefunden und bestaunt werden: Warmes Grau bespielt gefurchte Flächen, dessen Säume unscharf ins weiche Dunkel dringen. Tiefschattige Täler, kreidige Grate. Fissuren durchzogen von feinstem Liniengeäst. Darin ein Nebeneinander, ein Kreuzen und Queren von noch feineren Linien. Auratische Präsenz gehüllt in schweigendes Erwarten. Das Auge zweifelt.

“Then thou, whose shadow shadows doth make bright,
How could thy shadow’s form form happy show
To the clear day with thy much clearer light,
When to unseeing eyes thy shade shines so!”

“Denn du, der Schatten schattet zur Gestalt,
Wie formtest schattend Anblick überfroh
Erst hellerm Tag mit größrer Lichtgewalt,
Da schon Dein Schatten blindem Aug scheint so!”

Die Sinne zaudern. Wo beginnen? Welche Richtung nehmen?
Wieder und wieder umhüllen Unschärfen die Gewissheit des Geschauten. Wattig und weich vernebeln sie den Geist. Jedoch – mit sanfter Bestimmtheit lenken sie den Blick hinein in sich mit Klarheit offenbarende Räume. Verlässt uns die Furcht, so spüren wir den Sog. Unser Sehen gleitet wie auf Adlerschwingen jetzt und nah wie fern sind wir. Es gilt, eine Landschaft zu begreifen, die einem inneren Wesen entsteigt. Gespeist aus unbekannten Lebensquellen, genährt und gewachsen an der Zeit. Was sich in großer Ruhe bewegt entfaltet, verhüllt und gibt preis. Das Auge schaut.


“How would, I say, mine eyes be blessed made
By looking at thee in the living day,
When in dead night thy fair imperfect shade
Through heavy sleep on sightless eyes doth stay!”

“Wie geht mir, sag ich, erst mein Auge ganz
Beseligt auf, wenns Dich im Leben sieht,
Da toter Nacht Dein Schattenwiderglanz
vors blinde Aug so tritt durchs schwere Lid!”

Macht sich Gewissheit breit? Erkenntnis? Schauen wir in das Antlitz dessen, das bleibt, wenn alles vergeht? Es ist die Lebensspur, die jeder zeichnet. Der Hauch des Atems, der uns treibt. Der Puls der Liebe, der in uns wallt. Ist es Wahrheit, die wir dann schauen? Bewegte Stille im lauten Schweigen? Das sanfte Schlagen einer Schwinge, die uns verstehend streift. Wir sehen Sinnlichkeit, die sich beharrend uns verheißt. Alles geboren aus der unergründlichen Tiefe des Himmels und der maßlosen Weite der Zeit. Glänzende Herrlichkeit Arkadiens geronnen und sorgsam bewahrt in jeder Zelle unseres Seins. Umschlossen und geborgen im Geäst des Lebens, Traumgespinsten gleich.


“All days are nights to see till I see thee,
And nights bright days when dreams do show thee me.”

“Bis ich Dich seh, sind Tage Nächte schier,
Und Nacht wird taghell: scheinst im Traum du mir.”

Das Auge weiß. Legen wir die Masken nieder. Unverhüllter Blick.
Im faltigen Dunkel versprechend das Leben ruft. In hoffender Erwartung es sich dorthin ergießt. Heben wir es auf unsere Schwingen, damit der Schatten weicht.

Andrea Tejeda Korkowski wurde 1983 in Mexiko City geboren. Andrea absolvierte ein Studium im Bereich Kommunikation und Medien an der Universität Iberoamericana, das sie durch zahlreiche nationale und internationale Workshops ergänzte. Seither arbeitete sie als Fotografin und Foto-Editorin für verschiedene Magazine in Mexiko, sowie als Koordinatorin von Foto-Workshops für Menschen mit eingeschränktem Sehvermögen. Ihr fotografisches Werk umkreist die Beziehung zwischen Körper, Vergänglichkeit und die Wechselfälle des Alltäglichen. Ihre Arbeiten wurden von Verlagen wie CONACULTA, Karnac Books und Paradiso editores und in zahlreichen Magazinen wie Tierra Adentro, Letras Libres, Vice, Travel+Leisure publiziert. Sie nahm an Ausstellungen in Mexiko, Chile und Spanien teil, sowie auf den Kunstmessen Zona MACO photo 2015 and FILSA 2016. Zur Zeit studiert sie in einem Master Programm Visuelle Kommunikation. Weitere Informationen & Bilder finden sich auf ihrer Website.

Alle Deutschen & Englischen Zitate aus dem Sonett Nr. 43, von William Shakespeare, Die Sonette, Englisch & Deutsch, Übersetzt von Wolfgang Kaußen, insel taschenbuch 2228, Erste Auflage 1998, Insel Verlag.

gute aussichten deluxe – new german photography beyond the Düsseldorf School ab 27. April 2017 im Museo de la Cancilleria in Mexico City

Die Ikone des digitalen Bilder-Alltags: Das Kuss-Selfie als fortwährender Daseins-Beweis, ein “Scatter Face” aus der Serie “Expanded Pictures” von Sarah Strassmann

Zugegeben: Wir haben uns viel vorgenommen. Wo geht es hin mit der jungen Fotografie? Welchen Tendenzen, Ideen und Vorbildern spüren die jungen Fotografen nach, welche Arbeitsweisen verfolgen sie im volldigitalen, komplett mobilen Zeitalter?

Die Ausstellung gute aussichten deluxe – junge deutsche Fotografie nach der Düsseldorfer Schule wagt sich an eine Bestandsaufnahme: 22 neue Positionen der gute aussichten Preisträger/innen der Jahre 2004-2015 werden ab Donnerstag, 27. April 2017 im Museo de la Cancilleria in Mexico City (Av. República de El Salvador 47, Centro Histórico, Centro, 06000 Ciudad de México) erstmals der Öffentlichkeit präsentiert.

Darf’s ein bisschen mehr sein? In diesem Fall wären das dann +20% Magenta und +10% Yellow. Katrin Kamrau macht in ihrer Arbeit „SPEKTRUM*objekt18(portrait)“ die Farbtönung von Fotografien optisch sicht- und köperlich spürbar

Die Ausstellung gute aussichten deluxe – junge deutsche Fotografie nach der Düsseldorfer Schule // new german photography beyond the Düsseldorf School spiegelt den Fortbestand und Wandel des Mediums Fotografie in all seinen Facetten und bietet einen einzigartigen Überblick über eine Generation von jungen Fotografen, die das Primat der Düsseldorfer Schule hinter sich gelassen hat und sich visuell klar in der Gegenwart verortet. So hat sich die zeitgenössische Fotografie vom reinen Abbild längst verabschiedet. Die durch die Düsseldorfer Schule postulierte Objektivität des Bildes ist – trotz oder gerade wegen der anhaltenden Bilderflut auf allen medialen Kanälen – dahin.

“Hunt & paste” könnten wir die gnadenlose Überführung und beispiellose Verfremdung visueller Marker, Logos, Ikonen und Zeichen in neue Bildkompositionen auch nennen, die Marian Luft in seiner Arbeit “Prosumer Affairs” betreibt

Gesucht und untersucht wird von den jungen Talenten, welche Rolle die Fotografie im medialen Kanon der Bilder spielt und welche neuen Ausdrucks- und Erscheinungsformen man ihr entlocken kann. Ausgehend von den Rändern der etablierten Fotografie erweitert sich so das zeitgenössische Bild in aktuelle mediale Ausdrucksformen. Die jungen Lichtbildner nutzen dafür alle Mittel der digitalen und analogen Bilderzeugung und -umsetzung, bedienen sich unterschiedlicher medialer Strategien ebenso selbstverständlich, wie sie mit Bewegtbildern, Sound und der Malerei hantieren oder sich mit ihren Werken installativ in den Raum bewegen.

Stilles Leben oder Stillleben? In “Some Flowers” überführt Felix Dobbert das Genre des Stilllebens ganz in das hier und jetzt – geradezu schmerzhafte Ästhetik mit modernen Artefakten im unbenennbaren Raum

Der Themenreigen der teilnehmenden jungen Talente umgreift zudem die Auseinandersetzung mit Architektur, Erinnerung und Erinnerungskonstruktion, klassische Sujets wie Portraits oder Stillleben, untersucht die visuellen Inszenierungstechniken rechter Parteien in Europa oder definiert die klassische Reportage-Fotografie neu. Dabei setzen die Fotografen in einer Zeit, die allgegenwärtig von Fake-News betwittert wird, immer wieder konzentrierte Akzente mit Bildern von überraschender Schlichtheit, Poesie und elementarer Lebensverbundenheit.

Die Einladungskarte zur Ausstellung mit einem Motiv aus Georg Brückmanns Serie “Kundmanngasse 19″, die die Philosophie des Denkers Ludwig Wittgenstein in irritierend architektonische Bilder übersetzt

gute aussichten deluxe mit ausgezeichneten Werken der Preisträger: Nadja Bournonville, Georg Brückmann, Claudia Christoffel, Monika Czosnowska, Felix Dobbert, Sonja Kälberer, Katrin Kamrau, Kolja Linowitzki, Tamara Lorenz, Marian Luft, Sara-Lena Maierhofer, Thomas Neumann, Nicolai Rapp, Jewgeni Roppel, Rebecca Sampson, Helena Schätzle, Luise Schröder, Sarah Straßmann, Stephan Tillmans, Markus Uhr, Anna Simone Wallinger und Christina Werner von 27. April 2017 bis 16. Juni 2017 im Museo de la Cancilleria in Mexico City. Die Einladungskarte zur Eröffnung & Ausstellung als PDF.

Wenn das, was in Worten fast nicht beschreibar ist, “Sodade”, in Bildern erzählt werden muss, war Anna Simone Wallinger bestimmt vor Ort

gute aussichten deluxe ist ein gemeinsames Projekt der gute aussichten gGmbH, des Goethe-Instituts Mexico, Mexico City, des Museums des Mexikanischen Aussenminsteriums, dem Museo de la Cancilleria, Mexico City, dem Haus der Photographie, Deichtorhallen Hamburg, dem Museum für Fotografie, SMB, Berlin und der Landesvertretung des Bundeslandes Rheinland-Pfalz in Berlin. Weitere Informationen.

“Ein verwirrendes Potenzial” von Julia Steinigeweg bei gute aussichten – new german photography 2016/2017, bis 1. Mai 2017 in den Deichtorhallen Hamburg, ab 27. April 2017 auf Zypern & ab 18. Mai 2017 in Koblenz


Bis Montag, 1. Mai 2017 ist die Ausstellung gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photographie 2016/2017 in den Deichtorhallen, Haus der Photographie Hamburg zu sehen. Bereits am Donnerstag, 27. April 2017 eröffnet die Ausstellung gute aussichten 2016/2017 in Nicosia, auf der Mittelmeer Insel Zypern ihre Pforten und ab 18. Mai 2017 ist gute aussichten 2016/2017 im Landemuseum Koblenz zu Gast.

Unter der Headline: “Diese Leute sind einsam, doch nicht verrückt” schrieb die Hannoversche Allgemeine Zeitung am 10. März 2017: “Steinigewegs Fotoserie denunziert diese Fetischliebhaber nicht, doch einige Bilder lassen keinen Zweifel daran, dass die Menschen weit mehr als tote Materie in ihren Puppen sehen – sie schmiegen sich an die Ersatzpartner. „Diese Leute sind sicherlich einsam“, sagt die Fotografin, „doch nicht verrückt. Wie Kinder üben sie den menschlichen Umgang an den Puppen. Abgründe des Alltags waren schon immer bevorzugte Motive für Fotoreportagen, doch Julia Steinigeweg bedient nicht den Voyeurismus, sie legt vielmehr eine ästhetische Auseinandersetzung mit ihren Motiven vor.” Die ganze Geschichte steht hier.

In loser Folge stellen wir hier die Arbeiten der sieben jungen Talente, die bei gute aussichten 2016/2017 dabei sind, vor und präsentieren, nach den Preisträgern Miia Autio und Chris Becher, Carmen Catuti, Andreas Hopfgarten, Holger Jenss und Quoc-Van Ninh heute die Fotografin Julia Steinigeweg und ihre Arbeit Ein verwirrendes Potenzial, die in Deutschland entstanden ist.


Puppen haben eine lange Tradition – im Kinderzimmer wie in der Kunst. Im Kinderzimmer wird spielerisch das Leben an ihnen geübt. In der Kunst dienen sie als Modell, als Artefakt oder Objekt, als Projektionsfläche oder als lebensechte Skulptur. Julia Steinigeweg untersucht ein Phänomen, das irgendwo dazwischen angesiedelt ist: Lebensgemeinschaften mit Puppen – als Partner- oder Kindersatz, möchte man instinktiv hinzufügen und bezweifelt sogleich, ob dies so stimmt. Viele Gründe können Menschen dazu bewegen, ihr Leben mit einem lebensechten, aber nicht lebendigen Gegenüber zu verbringen. Die Rollen zwischen Mensch und Puppe jedenfalls sind klar verteilt. Einerseits. Anderseits stellt sich die Frage, in welche Art der Beziehung ein erwachsener Mensch zu einem leblosen Objekt treten kann und will. Und wie reagieren wir auf ein solches Phänomen? Kinder jedenfalls lieben und hassen ihre Puppen, behandeln sie wie ihresgleichen und benehmen sich ihnen gegenüber manchmal auch sehr schlecht. Also durchaus: “Ein verwirrendes Potenzial”.


Julia Steinigeweg während der Vorstellung ihres “verwirrenden Potenzials” in den Deichtorhallen, Haus der Photographie Hamburg im März 2017, hat an der Hochschule Hochschule für Angewandte Wissenschaften, Hamburg bei Professor Vincent Kohlbecher studiert und dort 2015 mit ihrer Arbeit “Ein verwirrendes Potenzial” ihren Abschluss gemacht. Weitere Bilder der Serie finden Sie hier.


gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photography 2016/2017 wird von dem gleichnamigen Katalog (D/E) begleitet, der auf 224 Seiten und im handlichen Readerformat alle sieben Preisträger und ihre Arbeiten ausführlich in Wort und Bild vorstellt. Ausführliche Informationen zum Buch mit einer Leseprobe im freundlichen PDF-Format.

“Tenebrae” von Quoc-Van Ninh bei gute aussichten – new german photography 2016/2017, bis 1. Mai 2017 in den Deichtorhallen Hamburg & ab 27. April 2017 auf Zypern


Bis Montag, 1. Mai 2017 ist die Ausstellung gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photographie 2016/2017 in den Deichtorhallen, Haus der Photographie Hamburg zu sehen. Bereits am Donnerstag, 27. April 2017 eröffnet die Ausstellung gute aussichten 2016/2017 in Nicosia, auf der Mittelmeer Insel Zypern ihre Pforten. Unter der Headline: “Glaube, Liebe, Herkunft” schrieb DIE ZEIT am 9. März 2017: “Verunsicherung und die Suche nach Identität prägen die Werke der Absolventen deutscher Fotoakademien. Unter den Preisträgern des Nachwuchspreises “Gute Aussichten” ist etwa Quoc-Van Ninh, der in Deutschland aufgewachsen ist, aber in Vietnam – der Heimat seines Vaters – “in die dunkle Welt seines gefühlten Andersseins” eintauchen will.” Die ganze Geschichte steht hier.

In loser Folge stellen wir hier die Arbeiten der sieben jungen Talente, die bei gute aussichten 2016/2017 dabei sind, vor und präsentieren, nach den Preisträgern Miia Autio und Chris Becher, Carmen Catuti, Andreas Hopfgarten und Holger Jenss heute den Fotografen Quoc-Van Ninh und seine Arbeit Tenebrae, die in Vietnam entstanden ist.


Was aktuell moralisch wie politisch für gehörigen Sprengstoff sorgt und zwischen den verschiedenen Fronten zu einem Granulat aus bizarren An- und Aussprüchen zer-mahlen wird, betrachtet Quoc-Van Ninh in “Tenebrae” trotz seiner inneren Zerrissenheit mit einer gewissen Gelassenheit. Er hat die gratwandlerische Aufgabe, sich zwischen drei verschiedenen Kulturkreisen zu bewegen: Sein Vater ist Vietnamese, seine Mutter aus China und er in Deutschland geboren und aufgewachsen. Es begleite ihn stets ein Gefühl der Fremde, sagt er, und ich möchte ihm zurufen: „Mich auch!“, bin ich mir doch gar nicht so sicher, ob ich stets auf jene Kultur referieren möchte, die qua Geburt und Familienhintergrund nur deutsch ist. Quoc-Van Ninh ist gerade ob dieses Hin-und-her-Geworfenseins ein gelungenes Beispiel dafür, dass Integration immer dann gelingt, wenn nicht verlangt wird, alle „fremden“ kulturellen Wurzeln zu kappen. Die subjektive Verortung ist bisweilen unbestreitbar schwer, aber sie ist integrativer Bestandteil jeder Sozialisation. Es ist gut, Quoc-Van Ninh in die dunkle Welt seines gefühlten Andersseins zu folgen, erzählt sie uns doch in jedem Fall auch etwas über uns selbst.


Quoc-Van Ninh (mitte), der hier während des Aufbaus der Ausstellung vom Kurator Ingo Taubhorn (rechts) vermessen wird, hat an der Hochschule für Künste Bremen bei Professor Peter Bialobrzeski studiert und dort 2016 mit seiner Arbeit “Tenebrae” seinen Abschluss gemacht. Weitere Bilder der Serie finden Sie hier.

gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photography 2016/2017 wird von dem gleichnamigen Katalog (D/E) begleitet, der auf 224 Seiten und im handlichen Readerformat alle sieben Preisträger und ihre Arbeiten ausführlich in Wort und Bild vorstellt. Ausführliche Informationen zum Buch mit einer Leseprobe im freundlichen PDF-Format.


Wer hält hier wohl wem die Stange? Die sieben gute aussichten 2016/2017 Preisträger/innen im NRW-Forum Düsseldorf im November 2016. Ihre Arbeiten werden in der Ausstellung gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photography 2016/2017 nach Hamburg dann vom 18. Mai 2017 bis zum 3. September 2017 im Landesmuseum Koblenz, Festung Ehrenbreitstein, zu Gast sein.

“Last Chance Junction” von Holger Jenss bei gute aussichten – new german photography 2016/2017, bis 1. Mai 2017 in den Deichtorhallen Hamburg & ab 27. April 2017 auf Zypern


Bis Montag, 1. Mai 2017 ist die Ausstellung gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photographie 2016/2017 in den Deichtorhallen, Haus der Photographie Hamburg zu sehen. Bereits am 27. April 2017 eröffnet die Ausstellung gute aussichten 2016/2017 in Nicosia, auf der Mittelmeer Insel Zypern ihre Pforten. Andrea Späth schrieb dazu in der Zeitschrift PHOTOGRAPHIE (Nr. 04/2017) unter der Headline “Blick in die Zukunft”: “Eine besondere Schau bietet das Haus der Photographie der Deichtorhallen Hamburg bis zum 1. Mai: Der fotografische Nachwuchs zeigt, was er kann. Es sollen die besten Jungfotografen dieses Landes sein. Und jeder ist eingeladen, die Talente kennenzulernen. Was umtreibt die Jugend? Was sind ihre Zielsetzungen? Ist sie für die Zukunft gerüstet, um die kulturellen und sozialen Errungenschaften einer Leistungsgesellschaft zu erhalten? – Es ist das Privileg der älteren Generation einen kritischen Blick auf die Nachkommenschaft zu werfen. Und was wir dieser Tage im Haus der Photographie der Deichtorhallen in Hamburg zu sehen bekommen, lässt tief blicken … auf ein erfreuliches Potential. Die ganze Geschichte steht hier.

In loser Folge stellen wir hier die Arbeiten der sieben jungen Talente, die bei gute aussichten 2016/2017 dabei sind, vor und präsentieren, nach den Preisträgern Miia Autio und Chris Becher, Carmen Catuti und Andreas Hopfgarten heute den Fotografen Holger Jenss und seine Arbeit Last Chance Junction, die in Ghana entstanden ist und sowohl aus einem äusserst empfehlenswerten, humorvollen Video und Fotografien besteht.


Ein weißer Europäer fährt nach Afrika – das erweckt in uns Bilder von Forschern und Eroberern, von „Wilden“, denen Kolonialisten Kultur brachten, von Versklavung, Hunger und Krieg, von Dr. Grzimek, Safari und postkolonialer Afrikaromantik. Nichts von alledem hat Holger Jenss aus Ghana mitgebracht, und doch steckt all das in “Last Chance Junction”. „Critical Whiteness“ ist eines der Stichwörter, dem Jenss auf die Spur kommen wollte. Er war in Ghana die Minderheit. Der Weiße, der mit einem Blick nach Afrika kommt, in den unausweichlich all jene Bilder eines Kontinents geflossen sind, der seit der Antike von fremden Mächten heimgesucht wird. So setzt sich Jenss in (selbst)ironischer Weise mit diesen Sedimenten unseres kollektiven (Bild-)Gedächtnisses auseinander und nimmt dabei nicht nur seine eigene kulturelle Aneignung, sondern auch die kuriose Verinnerlichung der weißen Kultur seitens der Afrikaner aufs Korn.

Ein Fotograf und Filmemacher mit schauspielerischen Talenten: Holger Jenss – hier ehrerbietig vor Motiven aus Carmen Catutis Arbeit “Marmarilo” kniend, im März 2017 im Haus der Photographie, Deichtorhallen – hat an der Kunsthochschule Kassel bei den Professoren Bernhard Prinz und Jan Peters studiert und dort 2016 mit seinem Werk “Last Chance Junction” seinen Abschluss gemacht. Weitere Bilder seiner Serie finden Sie hier.

gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photography 2016/2017 wird von dem gleichnamigen Katalog (D/E) begleitet, der auf 224 Seiten und im handlichen Readerformat alle sieben Preisträger und ihre Arbeiten ausführlich in Wort und Bild vorstellt. Ausführliche Informationen zum Buch mit einer Leseprobe im freundlichen PDF-Format.

“Die Weltesche Yggdrasil …” von Andreas Hopfgarten bei gute aussichten – new german photography 2016/2017, bis 1. Mai 2017 in den Deichtorhallen Hamburg


Bis Montag, 1. Mai 2017 ist die Ausstellung gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photographie 2016/2017 in den Deichtorhallen, Haus der Photographie Hamburg zu sehen. Katja Engler schrieb dazu im Hamburger Abendblatt am 10. März 2017: “Das Beste, was Deutschlands meist noch unbekannte Absolventen im Bereich Fotografie zu bieten haben, ist jetzt bis zum 1. Mai im Haus der Photographie zu sehen, … Die Höhepunkte: Herausragend sind die Arbeiten der beiden Hamburger Absolventen Julia Steinigeweg und Andreas Hopfgarten.” Die ganze Geschichte steht hier.

In loser Folge stellen wir hier die Arbeiten der sieben jungen Talente, die bei gute aussichten 2016/2017 dabei sind, vor und präsentieren, nach den Preisträgern Miia Autio und Chris Becher und Carmen Catuti heute den Fotografen Andreas Hopfgarten und seine umfangreiche Serie Die Weltesche Yggdrasil oder die Suche nach einer verlorenen Erinnerung, die hauptsächlich in Hamburg und Umgebung entstanden ist.


Aus Briefen, Dokumenten, Erzählungen, Fotos und anderen Fundstücken konstruierte Andreas Hopfgarten‚ “die verlorene Erinnerung” seiner Familie aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs und unmittelbar danach. Ein hybrides Puzzle mit vielen Leerstellen, das er, einem Archäologen gleich, Stück für Stück ausgräbt, zusammensetzt und mit eigenen Bildern und Objekten füllt. Hopfgartens Vorgehensweise kann als exemplarisch gelten, speist sich unsere Erinnerung doch aus einer Vielzahl von Bruch- und Versatzstücken gelebten Lebens. Sich erinnern ist nie ein faktischer Akt, sondern ein Hineintauchen in die Sedimente unserer Seele. Dorthin, wo wir Angst, Freude, Glück, Liebe, Schmerz und Verlust vergraben, alles Erlebte speichern wie in einer Blackbox. Ein Geruch, ein Klang, ein Bild vermögen diese Box zu öffnen und uns zu vergegenwärtigen, dass Erinnerungen tief verwurzelt sind in unserem Sein ­– wie die “Weltesche Yggdrasil”, der Weltenbaum, der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft umgreift.


Andreas Hopfgarten (links) – hier bei der Präsentation seiner Arbeit “Die Weltesche Yggdrasil oder die Suche nach einer verlorenen Erinnerung” im Haus der Photographie, Deichtorhallen, im März 2017, zusammen mit dem Kurator des Hauses Ingo Taubhorn (rechts) und der Gründerin von gute aussichte, Josefine Raab (mitte) – hat an der Hochschule für Angewandte Wissenschaften, Hamburg bei den Professorinnen Gesa Lange und Linn Schröder studiert und dort 2016 mit der “Weltesche Yggdrasil” seinen Abschluss gemacht. Weitere Bilder der umfangreichen Serie finden Sie hier.

gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photography 2016/2017 wird von dem gleichnamigen Katalog (D/E) begleitet, der auf 224 Seiten und im handlichen Readerformat alle sieben Preisträger und ihre Arbeiten ausführlich in Wort und Bild vorstellt. Ausführliche Informationen zum Buch mit einer Leseprobe im freundlichen PDF-Format.

“Marmarilo” von Carmen Catuti bei gute aussichten – new german photography 2016/2017, bis 1. Mai 2017 in den Deichtorhallen Hamburg


Bis Montag, 1. Mai 2017 ist die Ausstellung gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photographie 2016/2017 in den Deichtorhallen, Haus der Photographie Hamburg zu sehen. Jana Werner schrieb dazu in der WELT vom 10. März 2017: “Das Haus der Photographie zeigt abermals prämierte Nachwuchsstars. Die Schau ist eine bildgewaltige Annäherung an das Eigene, das Fremde, das Tabuisierte.” Die ganze Geschichte steht hier.
In loser Folge stellen wir hier die Arbeiten der sieben jungen Talente, die bei gute aussichten 2016/2017 dabei sind, vor und präsentieren, nach den Preisträgern Miia Autio und Chris Becher heute die Fotografin Carmen Catuti und ihre Serie Marmarilo, die in Georgien entstanden ist.


Marmor, Gold, Samt und Seide sind Materialien, die in sakralen Kontexten zur Inszenierung von Heiligkeit und Spiritualität dienen. Ihre Kostbarkeit illustriert göttliche Allmacht und Präsenz. Hinzu gesellt sich ein Kanon von Formen, Gesten und Haltungen, der sich im Lauf der Jahrhunderte in der christlichen Bildpraxis etabliert hat. Auf dieses Dreigespann aus Material, Geste und Form referiert “Marmarilo” (georgisch für Marmor). Gegliedert in zwölf Werkgruppen, befragt, zitiert und interpretiert Carmen Catuti die Zeichensprache religiöser Repräsentanz. So schimmert das Blau als Verweis auf das Göttliche im Bildnis einer jungen Frau, in einem Faltenwurf, im Abdruck einer Ikone oder als Dekor für liturgische Artefakte. Gegenspieler ist das Rot, in der Bibel die Farbe für Sünde und Sühne, verknüpft mit Strafe, Krieg und Tod. Im Rot schließt sich der Kreis, ganz im bildhaften Sinne des Wortes – als Metapher und als Versprechen des Ewigen.


Carmen Catuti (rechts) – hier bei der Präsentation ihrer Serie “Marmarilo” im Haus der Photographie, Deichtorhallen, im März 2017, zusammen mit dem Kurator des Hauses Ingo Taubhorn (mitte) und der Gründerin von gute aussichte, Josefine Raab (links) – hat an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig bei Professorin Tina Bara und Anna Voswinckel studiert und dort 2016 mit “Marmarilo” ihren Abschluss gemacht. Alle Bilder der Serie finden Sie hier.

gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photography 2016/2017 wird von dem gleichnamigen Katalog (D/E) begleitet, der auf 224 Seiten und im handlichen Readerformat alle sieben Preisträger und ihre Arbeiten ausführlich in Wort und Bild vorstellt. Ausführliche Informationen zum Buch.

Die “Boys” von Chris Becher bei gute aussichten – new german photography 2016/2017, bis 1. Mai 2017 in den Deichtorhallen Hamburg


Bis Montag, 1. Mai 2017 ist die Ausstellung gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photographie 2016/2017 in den Deichtorhallen, Haus der Photographie Hamburg zu sehen. Auch wenn die Hamburger Morgenpost aus gute aussichten 2016/2017 inzwischen die “Neue Deutsche Foto-Welle” (13.03.2017) gemacht hat, sollten wir die Ernsthaftigkeit, mit der sich die jungen Fotgraf/inn/en ihren Aufgaben gewidmet haben, nicht unterschätzen. Sieben Preisträger kürte die Jury, zu der u.a. die renommierte Fotografin Herlinde Koelbl, der Art Director Mario Lombardo, der Kurator des Hauses der Photographie Ingo Taubhorn, die Bildchefin des Magazins NEON, Amélie Schneider, die Kunstwissenschaftlerin und -journalistin Wibke von Bonin und die Gründerin von gute aussichten, Josefine Raab gehörten.

In loser Folge stellen wir hier die Arbeiten der sieben jungen Talente, die bei gute aussichten 2016/2017 dabei sind, vor und präsentieren, nach Miia Autio, heute den Fotografen Chris Becher und seine Serie Boys, die in Köln und Umgebung entstanden ist.


Um vorgefertigte Bilder und klischeebehaftete Meinungen geht es in “Boys” von Chris Becher. Dieses Sujet ist ein besonderes Minenfeld, denn Menschen, die professionell ihren Körper anbieten, umgibt in der Vorstellung der „Normalbürger“ ein schmuddeliges, zwiespältiges Image. Es ist schnell die Rede von einem halbseidenen Milieu mit zwielichtigen Protagonisten. Dabei handelt es sich um ein Gewerbe, das so alt sein dürfte wie die Welt. Je nach kulturhistorischem, politischem oder religiösem Kontext schwankt die öffentliche Meinung zwischen Akzeptanz, Ablehnung, Kriminalisierung oder Verfolgung. All dieses hat Chris Becher mit seiner fotografischen Feldstudie elegant umschifft.
Indem er uns männliche Sexarbeiter auf gleicher Augenhöhe in sachlichen Schwarz-Weiß-Aufnahmen zeigt, lenkt er unseren Blick auf die Menschen, die im Fokus seiner Untersuchung stehen. Und indem er jegliche Bewertung bewusst vermeidet, öffnet er auch unseren Blick für eine wertfreie Betrachtung.


Chris Becher, hier bei der Präsentation seiner Arbeit in den Deichtorhallen, Haus der Photographie Hamburg, wo er über die Gleichwertigkeit seiner Bild- und Texttafeln spricht, hat an der Kunsthochschule für Medien in Köln bei Professorin Beate Gütschow studiert und dort 2016 mit “Boys” seinen Abschluss gemacht. Alle Bilder der Serie finden Sie hier.

Die Ausstellung wird begleitet von dem Begegnungs- & Kommunikations-Forum für junge Fotografen, der gute aussichten_plattform8: WHERE?!, die vom 23.-26. März 2017 in den Deichtorhallen stattfindet und von über 50 hochkarätigen Fotografie-Experten, -Lieberhabern & -Profis bestritten wird. Das Programm & mehr Infos.

gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photography 2016/2017 bis 1. Mai 2017 in den Deichtorhallen, Haus der Photographie Hamburg


Donnerstag, 9. März 2017, 20 Uhr, Hamburg: Josefine Raab, die Erfinderin & Gründerin von gute aussichten, laut dem Magazin DER SPIEGEL “Deutschlands renommiertester Wettbewerb für junge Fotografie” (22.01.2009), eröffnet im Haus der Photographie, Deichtorhallen Hamburg die Ausstellung gute aussichten – junge deutsche fotografie // new german photography 2016/2017 und führt vor den zahlreichen Vernissagegästen in die ausgezeichneten Arbeiten der sieben Preisträger/innen ein.

Die Auseinandersetzung mit dem Eigenen, dem Fremden und dem Fremden als Teil von sich selbst scheint das unabgesprochene, übergeordnete Thema von gute aussichten 2016/2017 zu sein. Die Ausstellung des wichtigsten deutschen Nachwuchspreises für Absolventen von Fotografiestudiengängen präsentiert alle Arbeiten der sieben Preisträger. Es werden über 280 Motive, sechs Videos, drei Publikationen, zwei Diaprojektionen, ein Buch und erstmals 78 laubgesägte Holzbäume, ein Duschvorhang und ein Baum aus Papier und Tusche als Objekt gezeigt.

In loser Folge stellen wir hier die Arbeiten der sieben jungen Talente, die bei gute aussichten 2016/2017 dabei sind, vor und beginnen heute mit der Fotografin Miia Autio und ihrer Serie Variation of White, die in Tansania entstanden ist.


Dunkelhäutige Frauen und Männer in bunter Kleidung bevölkern die Porträts von Miia Autio und verorten diese Menschen in unserem westlichen Blick nahezu instinktiv in Afrika. Irritation erregt jedoch sofort ein roter Punkt an der immer gleichen Stelle. Auch die röntgenartige Optik, die sich in „unser“ Bild drängt, signalisiert, dass unser Eindruck und der wahre Bildgegenstand vielleicht nicht übereinstimmen. Denn nicht das Positiv, sondern das Negativ wurde für den Abzug verwendet. Und dieses sorgt dafür, dass wir schwarze Menschen sehen, die in Wirklichkeit weiß sind. Ein genetischer Defekt hat aus ihnen Albinos gemacht, was in Tansania mit dem Glauben an magische Kräfte verknüpft ist und die Betroffenen zu Außenseitern der Gesellschaft stempelt. So behandelt “Variation of White” in erster Linie das sub­jektive Sehen und das Entstehen von Bildern in unserem Kopf, das nach vergleichbaren Mustern abläuft wie die Bildung von Vorurteilen.


Die Finnin Miia Autio, hier bei der Präsentation ihrer Arbeit in den Deichtorhallen, hat an der Fachhochschule Bielefeld bei den Professorinnen Katharina Bosse und Dr. Anna Zika studiert und dort 2016 mit “Variation of White” ihren Abschluss gemacht. Alle Bilder der Serie finden Sie hier.

Die Ausstellung wird begleitet von dem Begegnungs- & Kommunikations-Forum für junge Fotografen, der gute aussichten_plattform8: WHERE?!, die vom 23.-26. März 2017 in den Deichtorhallen stattfindet und von über 50 hochkarätigen Fotografie-Experten, -Lieberhabern & -Profis bestritten wird. Das Programm & mehr Infos.

Dead flowers on expired film.

As my month as guest blogger comes to an end I leave you with one last image. The best one yet out of one and a half packs of old film.


The flowers I salvaged from the bins at the flower market are expired as is my film. Thank you for looking.

Kind regards, Jason

follow my continuing adventures with expired film on instagram @mcgladejason

The death of film and the re-birth of ideas.



My box of Polaroid 559 is in bad shape. Much worse than the Fuji pack.

It pulls me towards the conclusion that film really is dead. Which saddens me.

But in death there is beauty and Death is not the opposite of Life, but the counterpart to Birth.

New ideas are born every second.

should I release the shutter?



As it’s my last week as guest blogger I will let you into my head. Here is a digital picture of my analogue set-up.

I have another precious box of Polaroid. It expired in 1993. Faded box but inside packaging in great condition.



I spent the afternoon working my gear into position. I unpacked the film and loaded it up. I checked the set again and was about to start on the light when hailstones started drumming on the roof and black clouds rolled over London and changed my picture. I have to wait now till the morning when I will make the exposure. Should I? Will it even work? Is it the death of film?




I finished my pack of fuji. The last image needed two sheets of film. I photographed my rotting compost heap. There is a malevolent beauty in it. The musty hues and dank colours suit my mood and are perfect for my last sheet of fuji. I now have a box of polaroid 559 to work with- expired 1992. Today I saw a De Vere 504 enlarger online for a very reasonable price. Is it worth the investment in time and money? Who cares if I shoot on 5×4 film and print the negative myself? The only digital intervention would be if I chose to show it online. Otherwise I could hang it on a wall and it would be a true original: Conceived, executed and presented by me.

Does anybody care? I do.
Maybe that is the point. Is this the inherent strength in the image? Because I care so much.

Process.Craft. Authenticity. These are buzzwords in our hipster culture. A backstory . Something to touch and feel. Keep it real. who gives a damn?
kind regards

Polaroid 4.



The more observant amongst you will notice I have switched film. I am now the proud owner of a very old box of Polaroid 559 that I bought from eBay. The death of film is imminent and the digital world hurtles towards us like a steam train. I can only hasten its demise by shooting on film.

Click the image and take a closer look

Kind regards




Be my valentinePolaroid 5×4 on visiting cards and family prints.

My Polaroid adventure continues. I wish you all a day full of love with family or friends or perhaps old expired film.

Kind regards





POLAROID 1: Instant Fox.

5x4 Instant film


To quickly re-cap:I found a pack of discontinued and very rare Polaroid film in an old camera case. I was kindly asked to do this blog and so I am using the opportunity to explore re- occurring themes that come up in my work.One such theme is Process. Not only photographic – that is to say, working in the darkroom or even on the computer but the actual process of making an image. How do we arrive at an image?How was it formulated?What does it mean?
Above you can see todays photograph. I hope you like it! I certainly do. I enjoy looking at it. Although this morning when I awoke I did not think to myself that I would photograph a fox on my 5×4. And yet there he is sitting calmly amongst flowers. The pastel hues in the Polaroid are pleasing. The ’tilt-shift’ effect is subtle yet helps focus the eye towards the fox. The composition is intriguing and the lighting serves to gently confuse the brain so that you have to work a little to understand the image.

Now let me tell you about my day. I woke very early in order to get to to the flower wholesalers where I rummaged around the bins looking for dead or dying flowers. I think Polaroid images of dead flowers are a great metaphor for this notion of the death of film. So my plan today was to shoot dead flowers as my second blog entry and first Polaroid ( remember I only have 8 shots).

I was to talk about the supposed death of analogue photography to accompany the picture.
But my flowers are not dead enough! They are squashed and bashed but still vibrant. I need to wait. So I set about hanging the flowers upside down in order to hasten their death. My little studio smells wonderful and a visitor today commented on how lovely the flowers looked, arranged in such a way.

So now we see how process is starting to play out.!

A set of circumstances starting with an idea to photograph something completely different has led me to create the image you see above. The nature of my practice ( working with an analogue large format camera) serves to channel my energy towards this direction. I have one shot. Everything must be right and I have to be decisive.

Between one notion and another idea, magic can happen.

And that is how I ended up with my “instant fox”.

Warm regards and until next time

Is film DEAD and does it matter anyway?

By Jason McGlade In an old camera case i found a full pack of fuji fp-100c45 for my 5×4 camera. This film is a now discontinued instant sheet film compatible with large format cameras. Along with Polaroid 55 type (which gave you an accompanying black and white negative ) this is one of many films that is no longer available or sometimes available on eBay. I recently saw an expired pack of fpc40 for €300.5x4one 

I still shoot film for reasons that i will explain later although back in the nineties when digital photography was still in its infancy film was by far superior and so most pros shot with film. We used Polaroid before shooting film to get exposure, lighting and even composition right- it was a great way of working. Polaroid was readily available and affordable and if you had a good client you could add boxes of instant film to your budget sheet. In this way I stockpiled lots of film and over the years have created many projects exclusively in polaroid.




Now my stockpile has gone and so I was very excited to discover this one box.

Now the big question is what to do with it? I have 8 sheets. I used two sheets for testing- film seems perfect – the touch, feel and smell brought memories flooding back!
Over the next month I will (not allowing for any mistakes) shoot 8 images. I will also try to get a handle on this big topic that interests me so much and that is PROCESS. …..Working with a large format camera and film involves a process that is both meticulous and very technical. It slows the process of image making down and helps to focus my mind. Some photographers would argue that this process actually limits us as image makers.
My starting point is a lucky find. I hope to arrive at a point where I have some beautiful images and feel comfortable and justified in my practice.

I hope you can join me and help me to understand some of these questions.
follow me on instagram @mcgladejason



Max Ernst Stockburger „アメリカ“ (Amerika)

Aus: Max Ernst Stockburger „アメリカ“ (Amerika), 2016.

„The very definition of the real becomes: that of which it is possible to give an equivalent reproduction. The real is not only what can be reproduced, but that which is always already reproduced. The hyper real.“      Jean Baudrillard


Max Ernst Stockburger „アメリカ“ (Amerika), 2016.

Max Ernst Stockburger „アメリカ“ (Amerika), 2016.

Max Ernst Stockburgers „アメリカ“ (Amerika) ist eine von zehn Arbeiten, die die Absolvent*innen des aktuellen Abschlussjahrgangs des Studiengangs ‚Fotojournalismus und Dokumentarfotografie‘ der Hochschule Hannover in der vergangenen Woche als ihre Bachelorprojekte präsentiert haben. (http://www.fotostudenten.de/bachelorausstellung-in-der-gaf-hannover/)

Mit Motorroller, Zelt und Großformatkamera war Max Ernst Stockburger in Japan unterwegs, er legte mehr als 35.000 Kilometer zurück und durchquerte dabei 46 der 47 Präfekturen. Motorroller und Zelt waren für ihn nicht nur Mittel zum Zweck, sondern essentieller Bestandteil seiner Arbeit. Sie machten es nicht nur möglich, bis in die entlegensten Ecken Japans vorzudringen, sondern auch intensiv in den Austausch mit der lokalen Bevölkerung zu treten.

Max Ernst Stockburger „アメリカ“ (Amerika), 2016.

Max Ernst Stockburger „アメリカ“ (Amerika), 2016.

Zu Beginn seiner Reise war Max Ernst Stockburger überrascht, dass in Japan, einer seiner Erwartung nach dem Westen völlig fremden Kultur, die visuelle Hegemonie der USA in Form von Mode, Architektur und Lifestyle omnipräsent zu sein schien. Je mehr sich das scheinbar ‚Amerikanische‘ in seine Bilder von Japan einschrieb, umso mehr wich seine Dokumentation Japans der Simulation Amerikas und wurde zum Prinzip. Die Mattscheibe seiner Großformatkamera war nicht mehr Fenster zur Welt, sondern Projektionsfläche derselben. „アメリカ“ (Amerika) zeigt, wie die Wirklichkeit zum Bild und das Bild zur Wirklichkeit wird, denn die fotografierten Gegenstände und Szenerien sind nicht mehr länger allein als das Resultat des medialen Einflusses des Mythos ‚Amerika‘ zu lesen, sondern werden selbst Teil dieses Mythos.

Max Ernst Stockburger „アメリカ“ (Amerika), 2016.

Max Ernst Stockburger „アメリカ“ (Amerika), 2016.

Weitere Bilder und Projekte unter: www.mxrnst.com


Die Rahmung des Rahmens – Von Brechts ‚Kriegsfibel’ zu Adam Broomberg & Oliver Chanarin: ‘War Primer 2′

Oliver Chanarin & Adam Broomberg: War Primer 2, 2011.
Aus: Adam Broomberg & Oliver Chanarin ‘War Primer 2′ 2011.



In meinem ersten Beitrag habe ich über die Figur des Rahmens geschrieben. Mit der Funktion des Rahmens lässt sich aus meiner Sicht hervorragend der komplette Prozess der Bildpolitiken beschreiben, in die Fotografien eingebunden sind. Wenn die Fotografie die Ereignisse nicht nur abbildet und vermittelt, sondern sie im Bild überhaupt erst herstellt, bleibt zu fragen, ob es eine Möglichkeit gibt, die strukturierende Funktion des Rahmens, die sich meistens unsichtbar zu machen sucht, in irgendeiner Form zu durchbrechen. Inwiefern kann also eine Bedeutungsverschiebung im Sinne eines Sichtbarmachens des Rahmens bzw. einer Rahmung des Rahmens erreicht werden?

Gerade künstlerische Arbeiten suchen oftmals über medienreflexive Verfahren, die eine kritische Prüfung der Beschränkung, die über die Deutung der Wirklichkeit verhängt wurde, einzuleiten. Sie arbeiten am Rahmen selbst und damit an einer Verschiebung der Grenze zwischen Eingegrenztem und Ausgegrenztem, Sichtbarem und Unsichtbarem.

Ein frühes Beispiel hierfür ist für mich Berthold Brechts ‚Kriegsfibel’. Die erste Fassung der ‚Kriegsfibel’ stellte Brecht 1944-45 noch im Exil fertig, veröffentlicht wurde sie aber erst 1955 im Eulenspiegel-Verlag, herausgegeben von Ruth Berlau. Mit dem Ziel, sein an der Dramatik geschultes Konzept der ‚Verfremdung’ zu übertragen, nutzte Brecht für die ‚Kriegsfibel’ das Verfahren der Montage. Im Oktober 1940 begann er, vorrangig aus der aktuellen Tagespresse ausgeschnittene Bilder mit vierzeiligen Gedichten zu kombinieren. Mit dem Verfahren des Ausschneidens, De- und Neumontierens suchte Brecht sein Material zu ‚exponieren’ und dabei die Versteh- und Lesbarkeit der einzelnen Elemente zu verschieben. Ähnlich wie in seiner Theorie zum epischen Theater strebte Brecht mit den so entstehenden Bild-Text-Montagen einen Effekt der Verfremdung an. Sieht man sich Brechts Tafeln der ‚Kriegsfibel’ intensiver an, wird deutlich wie er über seine Technik, die heterogenen Bild- und Textmaterialien miteinander zu kombinieren und zu konfrontieren, Ergänzungen, Widersprüche, Gegensätze und Kommentare herstellt und dabei Bedeutung eher evoziert als festschreibt.

Mehr als 50 Jahre nach Brechts Erstveröffentlichung der ‚Kriegsfibel’ greifen Adam Broomberg und Oliver Chanarin Brechts Arbeit auf, um das Verfahren der Montage über die Neukontextualisierung von Fotografien an Brechts Buch fortzusetzen und das Spiel mit der Bedeutung weiterzutreiben. Für ihr Projekt ‚War Primer 2‘ erstanden sie 100 Original-Exemplare von Brechts Ausgabe der ‚Kriegsfibel’ (englisch ‚War Primer‘), um diese ihrem eigenen künstlerischen Verfahren zu unterwerfen. Dafür konfrontieren sie Brechts Bild-Text-Kombinationen zum zweiten Weltkrieg mit Bildern der aktuellen Kriegs- und Krisenberichterstattung.

aus: Oliver Chanarin & Adam Broomberg: War Primer 2, 2011.

Aus:  ’Adam Broomberg & Oliver Chanarin ‘War Primer 2′, 2011.























An diesem Beispiel kann man sehen, wie in Brechts ‚Kriegsfibel’ über einen sehr engen Bildausschnitt ein weiblicher Körper erkennbar wird, dessen Hände mit einer schwarzen Substanz beschmutzt sind. Der Textkontext (Brechts vierzeiliges Gedicht) verweist auf die im zweiten Weltkrieg versenkten Schiffe vor der spanischen Küste. Broomberg & Chanarin konfrontieren nun in ihrer Intervention Brechts Bild-Text-Kombination mit einem Foto, das über einen ähnlich begrenzten Bildausschnitt, die Bedeutungsfelder ‚weiblicher Körper’, ‚schwarz’ und ‚im Meer gefunden’ interpretiert, indem sie auf Brechts Tafel eine am 3. August 2006 aufgenommene Fotografie von Arturo Rodriguez montieren, die eine sonnenbadende Touristin am Strand von Tejita Beach auf Teneriffa zeigt, die einem von 46 an eben diesem Strand gelandeten Flüchtlingen zu Hilfe eilt. Der historische Bezug wird so um eine aktuelle Deutungsdimension erweitert.

Aus: Oliver Chanarin & Adam Broomberg 'War Primer 2', 2011.

Aus: Adam Broomberg & Oliver Chanarin ‘War Primer 2′, 2011.















Broomberg & Chanarins künstlerisches Verfahren der De- und Neukontextualisierung ist eine grandiose Arbeit an den Konstruktionsbedingungen medialer Bilder, die die diskursive Rahmung derselben zum Thema macht und so die bedeutungskonstituierende Funktion des Rahmens zu verschieben sucht.

Das komplette Buch ‚War Primer 2’ findet sich als Download unter: http://mappeditions.com/publications/war-primer-2

Weitere Informationen unter: http://www.broombergchanarin.com/war-primer-2/

Hannes Jung ‘How is life?‘

Mücken in der Luft an einem See in der Nähe von Kupiskis. Vilma, die an diesem See wohnt, verlor ihren Mann vor fünf Jahren durch Suizid.

Mücken in der Luft an einem See in der Nähe von Kupiskis. Vilma, die an diesem See wohnt, verlor ihren Mann vor fünf Jahren durch Suizid. Aus Hannes Jung ‚How is life?‘, 2016.

Edita mit ihrem Mann Darius. Editas Vater hat im Januar 2016 Selbstmord begangen. Litauen, Kaunas, 21. Mai 2016. (c) Hannes Jung

Edita mit ihrem Mann Darius. Editas Vater hat im Januar 2016 Selbstmord begangen. Litauen, Kaunas, 21. Mai 2016. (c) Hannes Jung


Seit 2001 findet an der Hochschule Hannover die Fotografie-Ausbildung mit einem deutschlandweit einmaligen Schwerpunkt im Bereich des Fotojournalismus und der Dokumentarfotografie statt. Ziel der Ausbildung war von Beginn an die Entwicklung fotografischer Persönlichkeiten, die es verstehen, Themen und Inhalte in ihren individuellen Bildsprachen zu visualisieren.

Angesichts aktueller Phänomene wie der Fotografie als Massengut und -kommunikationsform, der Visualisierung von Daten, die hergebrachte Vorstellungen der Spezifik des fotografischen Mediums auf die Probe stellen und der Tatsache, dass wir uns mehr und mehr mit einer medialisiert vermittelten Welt konfrontiert sehen, durchläuft das Medium massive Veränderungsprozesse, die seine Instabilität vorantreiben. Die Frage ist heute weniger: Was ist Fotografie? Als: Was wird Fotografie? – sozial, kulturell, politisch. Das hat vielerlei Auswirkungen auf die Gebrauchsweisen und Kontexte, in denen Fotografie auftritt. Und das muss auch Auswirkungen auf die Ausbildung haben. Für uns geht es daher in der Lehre mehr und mehr um das Reflektieren der Möglichkeiten einer zeitgenössischen erzählerischen Fotografie und einer zukünftigen Praxis in diesem Feld.

Ein gutes Beispiel für eine aktuelle Position, die die Grenzen der dokumentarischen Fotografie auslotet, ist für mich die Arbeit von Hannes Jung, der 2016 bei uns im Studiengang seinen Abschluss gemacht hat. In ‚How is life?‘ beschäftigt sich Hannes Jung mit Litauen, einem Land, das die höchste Suizidrate Europas und eine der höchsten der Welt hat. Proportional mehr als dreimal so viele Menschen wie in Deutschland bringen sich jährlich um, im ländlichen Raum steigt die Rate bis um das neunfache. Betroffen sind vor allem Männer zwischen 40 und 50 Jahren. Seit dem 2. Weltkrieg und mit Beginn der sowjetischen Besatzung ist die Suizidrate unter Männern in Litauen bis um das 10fache gestiegen. Experten sprechen von einem kollektiven Trauma und Identitätsverlust. Dies ist die Ausgangssituation für Hannes Jungs fotografische Arbeit, die keine soziologische Analyse über Suizide in Litauen sein kann und will. Mit dem Medium der Fotografie, das von der Sichtbarkeit lebt, nähert er sich einem Thema, dessen entscheidende Aspekte und Hintergründe einer unmittelbaren Sichtbarkeit verborgen bleiben. Dokumentarische und konzeptionelle Strategien verbindend, interessiert sich Hannes Jung für das Spannungsfeld zwischen dem, was sichtbar ist, und dem, was vorstellbar wird, und lotet in seinen Bild-Text-Kombinationen die Möglichkeiten und Grenzen des Abbildbaren aus.

„Vielleicht kann der Wind nicht fotografiert werden. Aber vielleicht seine Wirkung, wie er das Meer und die Bäume bewegt und verändert.“, wie Hannes Jung selber sagt.

Litauen, Kupiškis, 9. Mai 2016. (c) Hannes Jung

Porträt von Donata mit ihrem Hund Mikutis im Bett. Litauen, Kupiškis 30. Januar , 9. Mai 2016. (c) Hannes Jung

Ein Brunnen im Garten von D*. D*'s Mann versuchte sich in diesem Brunnen umzubringen. Litauen, Katiliškiai, 20. Mai 2016. (c) Hannes Jung

Ein Brunnen im Garten von D*. D*’s Mann versuchte sich in diesem Brunnen umzubringen. Litauen, Katiliškiai, 20. Mai 2016. (c) Hannes Jung

Porträt von Teresa tanzend in ihrer Küche. Teresas Mann brachte sich vor 19 Jahren um. Litauen, Varėna, 21. Februar, 14.Mai 2016. (c) Hannes Jung

Porträt von Teresa tanzend in ihrer Küche. Teresas Mann brachte sich vor 19 Jahren um. Litauen, Varėna, 21. Februar, 14. Mai 2016. (c) Hannes Jung

Weitere Informationen und Bilder unter: www.hannesjung.com

Faktisch – postfaktisch?

Martin Schoberer: Words Once Written, 2011
Martin Schoberer: Words Once Written, 2011.

Weniger die Schrift- als die Fotografieunkundigen werden die Analphabeten der Zukunft sein, wussten schon László Moholy-Nagy und Walter Benjamin in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts.


Kürzlich wurde das Adjektiv ‚postfaktisch’ von der Gesellschaft für deutsche Sprache (GfdS) als das Wort des Jahres 2016 gewählt. Dabei sind die Vorstellungen, die sich mit dem Begriff verknüpfen, keinesfalls so neu, wie es seine aktuelle Konjunktur glauben macht. Zum anderen gibt das Kunstwort durchaus Anlass für eine kritische Lektüre, denn der Begriff impliziert ein Davor, das sich aus meiner Sicht nicht im Sinne eines Dualismus als ‚faktisch‘ begreifen lässt.

Beim Wort ‚postfaktisch‘ impliziert die Vorsilbe in Anlehnung an Begriffe wie ‚Postmoderne‘ und ‚Poststrukturalismus‘, dass sich unsere Medienverhalten dahingehend verändert habe, dass ein vorher auf Fakten rekurrierendes Denken und Handeln nun abgelöst würde von einer Rezeption, die eher Gefühlen, Spekulationen, Lügen und Propaganda zu glauben scheine. Nun ist unser Umgang mit Medien ganz sicher zentralen Veränderungsprozessen unterworfen und gerade das Medium der Fotografie, um das es mir im Folgenden gehen soll, erfährt gegenwärtig eine massive Transformation, die unsere Vorstellungen von Repräsentation, Dokumentation und fotografischer Zeugenschaft radikal in Frage stellt. Dennoch halte ich die im Begriff formulierte Implikation, es habe vor der ‚postfaktischen‘ Berichterstattung eine gegeben, die vor allem Fakten vermittelt habe, für problematisch. Denn gerade für Fotografien, die in der für die journalistische Berichterstattung charakteristischen Kombination von Bild und Text eine zentrale Rolle spielen, sollte die Idee einer Faktizität und Zeugenschaft ungeachtet des Vermittlungspotenzials, das Fotografien ohne Frage haben, schon immer Ausgangspunkt einer kritischen Betrachtung sein.

Fotografische Repräsentationen fungierten noch nie als neutrale objektive Abbilder einer wie auch immer beschaffenen Wirklichkeit, sie waren schon immer mehr als reine Zeugen einer Wirklichkeit, mehr als Fakten. Fotografien sind ebenso wie Bewegtbilder und Texte unausweichlich eingebunden in Funktionsweisen von Macht.

Ein Bild, das im vergangenen Jahr zu einem zentralen Ereignis der Medienberichterstattung wurde, ist das Bild des Jungen Omran aus dem August 2016. An seiner Rezeptionsgeschichte lässt sich sehr gut, das enge Verwobensein von Bildern in Prozesse von Politik, Macht und Ethik nachvollziehen.

In den ersten beiden Tagen der intensiven Rezeption des Bildes war nicht wirklich viel über die Quelle bekannt. Trotzdem müssten wir uns fragen: Was zeigt dieses Bild? Was zeigt es nicht? Und was steckt hinter diesem Bild? Ist die Quelle überhaupt vertrauenswürdig? Aus Syrien gibt es für westliche Medien fast nur Informationen aus zweiter Hand, da westliche Journalisten so gut wie keinen Zugang zum Gebiet haben. Das Bild des kleinen Omran wurde über das oppositionelle Aleppo Mediacenter verbreitet. Das ist ein Zusammenschluss von Aktivisten, die seit 2011 Nachrichten aus den von den Rebellen gehaltenen Vierteln liefern, die aber in der Regel vor allem die Menschenrechtsverbrechen der gegnerischen Parteien in den Fokus stellen. Dass man nicht über die Verbrechen der eigenen Lager berichtet, gehört zu den ungeschriebenen Gesetzen eines solchen Krieges. Einen Tag nach der weltweiten Rezeption des Fotos, gab es eine neue Welle der Aufmerksamkeit, die dieses Mal dem Fotografen des Bildes, Mahmoud Raslan, galt. Blogger hatten nach der Veröffentlichungswelle auf Raslans Facebook-Seite hingewiesen, auf der er sich mit zwei Kämpfern der Zenki-Miliz zeigt, die bei der Enthauptung eines Zwölfjährigen mitgewirkt haben sollen, den sie selbst beschuldigten ein Kindersoldat des Machthabers Assad gewesen zu sein. Die Tatsache, dass das Foto von Omran in Russland kaum Verbreitung fand, ist ein weiteres Indiz, dass die Veröffentlichung solcher Bilder immer mehr ist als der Beweis für ein Unrecht. Sie ist Teil eines Kriegs, der sich auf die Gesetze der Repräsentation ausdehnt und sich dieser als Mittel bedient. Hierbei wird die Steuerung des Sichtbaren mit der Absicht der Regulierung von Inhalten durch die Kontrolle der Perspektive, aus der die Kriegshandlungen und ihre Folgen gesehen werden können, ergänzt. Darstellungen in den Medien sind über jede Zeugenschaft hinaus eine Spielart politischen Handelns. Es besteht dabei mittlerweile kaum eine Möglichkeit, die Fakten und die materielle Realität des Krieges von den Repräsentationsregimes zu trennen.

Sicher haben sich das Tempo und die globale Reichweite, mit denen solche Bilder eine massive und zeitlich nahezu unmittelbare Aufmerksamkeit erfahren, verändert, dennoch sind die kritischen Fragen, die man an das Bild des Jungen Omran richten sollte, die gleichen, die man an Bilder schon immer richten musste.

„You don’t take a photograph, you make it.“ Dieser häufig zitierte Satz von Ansel Adams macht deutlich, dass jedes Bild Ergebnis eines Konstruktionsprozesses ist und nicht der unmittelbare, authentische Abdruck einer Wirklichkeit, die sich 1:1 im Bild wieder finden ließe. Jede Fotografie nimmt eine Rahmung vor. Fotografien ‚rahmen‘ erst einmal rein formal, indem sie einen Ausschnitt festlegen und durch Mittel wie Kamerawinkel, Fokus, Blende, Belichtung etc. gestalterisch wirksam werden. Doch der Rahmen fungiert nicht nur als formale Begrenzung des Bildes, er fasst das Gesehene ein, überträgt und determiniert es und strukturiert letztlich den kompletten Prozess der Bildpolitiken, in die Fotografien involviert sind. Das ‚Wie‘ der Fotografie bestimmt daher nicht allein die Bildgestaltung, sondern auch die Gestaltung unserer Wahrnehmung und unseres Denkens. Fotografien bilden Ereignisse nicht nur ab und suchen über diese zu berichten, sondern sie werden im Bild überhaupt erst hergestellt und mit Bedeutung angereichert.

Die Figur des Rahmens macht deutlich, dass sich Bilder nicht verstehen lassen, indem man sich in der Analyse alleine auf das im Rahmen Dargestellte bezieht. Bedeutung im Feld der Repräsentation konstituiert sich über das im Rahmen Sichtbare hinaus. Genauso wie sich jedes Bild im Kontext bereits existierender Bilder und Ikonografien bewegt und auf diese explizit oder implizit rekurriert, ist die Rezeptionsgeschichte von Bildern Teil ihres Bedeutungsumfeldes. Der Rahmen grenzt ein und schließt aus. Aber auch das, was außerhalb des Rahmens bleibt, innerhalb dessen Repräsentation sichtbar wird, ist Teil des Bedeutungsfeldes. Dabei bildet das, was der Rahmen ausgrenzt, den nicht thematisierten Hintergrund des Dargestellten, gehört aber zu dessen nicht sichtbarer Organisationsstruktur. Das heißt auch, das Unsichtbare ist immer Teil des Feldes der Repräsentation, aber die Ausgrenzungsmechanismen vollziehen sich in der Regel, ohne sichtbare Spuren zu hinterlassen. Daher sehen sich die Betrachtenden mit einer vermeintlich unmittelbaren Abbildung der Realität im fotografischen Bild konfrontiert. Der gerade im Fotojournalismus vorherrschende Glaube an das fotografische Wirklichkeitsversprechen gründet sich auf diese Unsichtbarkeit des Rahmens. Doch innerhalb und außerhalb des Rahmens sind soziale und politische Normen wirksam, die das Feld der Repräsentation strukturieren. Noch die scheinbar transparentesten dokumentarischen Bilder entlarven sich als gerahmt, und zwar gerahmt zu einem bestimmten Zweck, und sie transportieren und erfüllen diesen Zweck durch ihren Rahmen.

Dies war schon immer so – mit ‚faktischen‘ oder ‚postfaktischen‘ Zeiten hat das wenig zu tun und das kritische Lesen von Bildern war schon immer unerlässlich. So hat es Walter Benjamin bereits 1931 lange vor der sogenannten ‚Bilderflut‘ in seiner Lesart von Moholy-Nagy konstatiert, als er propagierte, dass der Fotografieunkundige der Analphabet der Zukunft sein werde.

Nicht erst, aber angesichts der aktuellen Bild- und Medienkultur braucht es allemal einen anspruchsvollen, reflektierten Umgang mit Fotografie. Wir benötigen ‚alphabetisierte‘, kritische Rezipienten und wir benötigen ‚Metafotografen‘, die die Milliarden an Bildern, die zur Verfügung stehen, zu reflektieren wissen, um ihnen ihre eigenen entgegensetzen zu können. ‚Metafotografen‘, die verstehen, dass jedes Bild Ergebnis eines komplexen Zusammenspiels nicht nur fotografischer und ikonografischer Gegebenheiten ist, sondern auch politischer und medialer Zusammenhänge. Denn Bilder wirken unmittelbar, aber sie verstehen sich nie von selbst.


Zum Begriff der ‚Metafotografie‘ vgl. auch Fred Ritchin: Bending the Frame. Photojournalism, Documentary, and the Citizen, 2013.
Zur Figur des Rahmens ist lesenswert Judith Butler: Frames of War. When Is Life Grievable?, 2009.

Eleanor Macnair / Photographs Rendered in Play-Doh

Tiina Itkonen copy

Image: Tiina Itkonen ‘House’ rendered in Play-Doh and photographed by Eleanor Macnair


Happy New Year to Hatje Cantz Fotoblog readers.  It’s been a pleasure sharing some inspiring photography with you this month.

Wishing you a festive year end with the most recent photograph by Eleanor Macnair: modelled on Tiina Itkonen’s photograph ‘House’.


Eleanor Macnair is an artist living and working in London. For further viewing:

Eleanor Macnair’s website , Eleanor Macnair on instagram 

Photographs Rendered in Play-Doh, by Eleanor Macnair, was published by MacDonaldStrand / Photomonitor (2014)

Joséphine Michel / Mercures


Image: from the series Mercures © Joséphine Michel

Year end is almost here, and it’s time for a brisk walk in the park.  The wind plays with leaves and hats, ruffling the surface of a small lake in smooth ripples, interrupted by ducks and geese.  I am reminded of an image from Joséphine Michel’s recent photographic series, Mercures, and asked her a couple of questions as to the origins of this image:


CM: Here we are immersed in the visual but also limited sensual landscape of an online blog, and I’m thinking of this image of yours which speaks to the experience of seeing, but also of taking in other frequencies and trying to make sense of their patterns. Could you tell me what interested you in making this image?

JM: Although the photograph may appear premeditated, it was discovered through an improvised process, in which I tend to embrace all visual accidents, during a walk across Regent’s Park in London in September 2015. This was in the very early days of a photographic ensemble now titled Mercures, which revolves around the multiple modes of our relationship with birds.

At the time, this on-going project was anything but conceptualized, thought through. Still I had interiorized, in an engrammatic way, what has been at the core of my experiments and research for years, the photographic’s relationship to the sonic. The project arose on a summer dawn the month before as I noticed the gulf between the generic, coarse mental image I had of birds and the splendid subtlety of a seabird song, which I was not then able to identify.

This photograph reveals a visual echo in which an actual acoustic experience eventuates at its core. Whilst editing, I suddenly remembered the visual patterns of Cymatics, where the incidences of sound on water initiated by Hans Jenny created a renewed visualisation of the acoustic experience. Here, the bird’s movements create a plethora of sonic matters materialized by the multiple aquatic patterns, from micro-sounds to larger noises. This image crystallises several recurring obsessions: the textural encounter of the visible and the acoustic realms, the coexistence of multiple states of matter (here, solidity, and liquidity) and the encounter of inertia and liveliness.

Although the bird occupies only a proportionately small area of the image, it is the vector of the photograph. It sizes it between the orthodox and the chaotic characters of grids and their reflections. Its vibrations animate the field and graphically undermine its own enclosure. This fugal trajectory stimulates thoughts about the boundaries we constantly try to impose to these frontier-less creatures.

CM: Where is this enquiry taking you, and what are you looking for in the images you are making, to add to this series?

JM: The project is gradually coming into focus. It gravitates around an exploration of the impact on birds of their habitats, which may be artificial, degraded or reduced by humankind, and the explicit tension and interplay this generates between bird and photographer.

If each new photograph should be able to take the project along an unforeseen path, I feel that the photographic experience intensifies when I record the ire of gazes, the pressure of gestures, the oddities of details.

In Mercures, birds are mostly represented without their surroundings, and there is not any clear sign of deforestation or agricultural clearance to be found. However, habitats affect and sometimes contaminate the images as hors-champs, generating undertones and shadows in these encounters with birds.

I am also interested in digital noise, by the manner in which digital code and compression, on one side, and the fineness of detail of the subject on the other, generate unpredictable textures, which defy a definitive reading of the photographs. In most of the images, a tension imposes itself between the photographic form, its implications of stasis and fixity, and the bird as a process, durational.


For further reading:

Joséphine Michel is a French Photographer, who has recently collaborated with the Finnish electroacoustic composer Mika Vainio to produce the book and audio CD, Halfway to White. An essay about this project, written by Justin Coombes, was published on Photomonitor in 2015.



Katie Barlow

Looking Back at the Sea © Katie Barlow 2016

Looking Back at the Sea © Katie Barlow 2016

As these festive days at the end of December make one reflect on the most important things in life, in this column I’m sharing some images that made an indelible impression on me during the past year. At present the refugee crisis and the visual communication thereof continues to draw my attention, especially as the resolution of this crisis is not yet in sight.

This year, I had the privilege to be on the jury to select photographs for the Taylor Wessing Photographic Portrait Prize (currently exhibiting at London’s National Portrait Gallery until 26 February 2016) where 57 images were selected for exhibition from more than 4,300 photographs submitted.  In this exhibition two works by Katie Barlow made an enormous impact on all of the judges, in her sensitive portrayal of child refugees – something which we only had confirmed in the actual exhibition, when we were able to read the caption accompanying the images (uniquely, the Taylor Wessing Prize judges are shown physical photographs without any caption, text or author’s name, and judge these by image alone).  These two photographs told a story that needed no words to communicate it, yet I wanted to know more.  At a recent meeting with Katie, I had the pleasure to learn more about these images; below I am sharing her story with you.


Katia beach, Lesvos, Jan 2016

I travelled to Lesvos at the beginning of this year to bear witness to and document the refugee crisis. Unable fully to comprehend the scale of the crisis through the TV screen, I felt the need to go myself. The image of Aylan Kurdi had evoked upset and anger in me, as it had for millions. It had also been broadcast to the world on a day that I had been swimming in the English Channel, with a GoPro on my head, filming a woman doing the cross-channel swim. She was swimming to raise awareness of infertility, a story personal to her and which forms part of a documentary I am making about not being able to have children.

had spent most of the summer training in Dover to be her support swimmer, looking over to Calais as news of the mass influx of refugees in the Jungle camp emerged. Most were hoping to make it across to England in the back of trucks, but some had tried to swim, and drowned.  I started to question the validity of my professional and personal focus, unsure that my feelings about my own situation were justified in comparison to the global loss of life. It was jarring to have been immersed in the water, filming a “rites of passage” film about loss and longing for a child, in the channel that so many refugees were desperately trying to cross, risking their lives to do so.

A few hours after I had filmed Jessica’s elation as she reached the shore of Calais – a kind of rebirth and a new lease of life beyond childlessness – our screens were flooded with images of a dead child, washed up on a beach in Turkey after a failed attempt to cross the sea in a search for sanctuary.  My response was to change focus and go to Calais, delivering aid, and then on to Lesvos where many of the boats from Turkey arrive. I knew I was strong enough to be helpful as a water rescuer if need be, and I was asked to take photos for the Refugee Council. I spent two weeks at Katia beach, helping with and documenting the arrival of thousands of refugees as their boats drifted to the Greek shore. Many photographers were waiting at the shoreline trying to capture the essence of what we were witnessing: a mass migration of historical proportions. Finding it hard to film and photograph people in distress and feeling the need to help the refugees off the boats and to change sodden clothes instead of document, I found myself waiting until people were safe and dry before taking portraits.

 Away from the chaos of the beach, I became drawn to the UN transfer buses that were waiting to take the refugees to the registration camps. Although uncertain of what the immediate future held, their first perilous journey over the sea had been successfully accomplished and the UN bus became a temporary place a sanctuary, where families and individuals could get warm, shelter from the rain and freak snow storms. As the refugees took to their seats, some would look out of their windows, back at the ocean that had brought them to this point. Others would slump exhausted, others huddled in the warmth, some smiled with relief.

From where I was standing, each bus window served as a frame and presented a portrait.  There was a calm, although it was harrowing. Away from the chaos of the beach, people were still and reflective.

Two of the portraits taken at Katia Beach are currently being exhibited in the National Portrait Gallery as part of the Taylor Wessing Photographic Portrait Prize exhibition. I would like to think that they are helping to keep the issue in the public eye. But to give practical assistance to the thousands of refugees in desperate need this winter please donate generously to: http://www.helprefugees.org.uk

- Katie Barlow

Pink Bobble Hat © Katie Barlow 2016

Pink Bobble Hat © Katie Barlow 2016


Katie Barlow is an award winning film maker and documentary photographer whose most recent projects took her to Calais, Dunkirk and Lesvos refugee camps.

For further viewing:  Katie Barlow’s website  , Taylor Wessing Photographic Portrait Prize


Clarisse d’Arcimoles / Forgotten Tale


Above: Installation of Forgotten Tale by Clarisse d’Arcimoles at The Photographers’ Gallery, London, 2016


There are some photography exhibitions in 2016 that were pleasant to view, some that were forgettable; only a few will leave an indelible mark on your memory and will forever have you wondering how, why and what have you seen.

The recent exhibition of French photographer Clarisse d’Arcimoles at the print sales gallery within The Photographers’ Gallery in London was one of those experiences in the last category, which almost defies categorisation itself.

Four years of crowd-funding enabled D’Arcimoles to create a Victorian set design centred on found photographic imagery, then photograph it and re-create it within The Photographers’ Gallery in a dizzying warp between 2D to 3D which pays homage to analogue craft on many dimensions.

A review of D’Arcimoles exhibition by Paul Carey-Kent on Photomonitor further traces the research and thematic expression of this compelling artist, whose show was, for me, one of the highlights of London exhibitions in 2016.

This was the image she was working from:

The image Clarisse was woring from

Details from the installation:


For further viewing:

Paul Carey-Kent reviews Clarisse d’Arcimoles: Forgotten Tale for Photomonitor

Clarisse d’Arcimoles at Print Sales / The Photographers’ Gallery

Darren Harvey-Regan / The Erratics / Interview by Naomi Itami


Above: The Erratics (wrest #11), C-type © Darren Harvey-Regan


Today I’d like to share a very special interview, one of those treasured spaces where two artists speak about photography from shared experience.

Darren Harvey-Regan is a London-based artist whose work has been featured in a number of international exhibitions and publications and is held in the permanent photography collection at the Victoria and Albert Museum.  After solo exhibitions in Pisa, Amsterdam, London and Exeter in the past several years, his most recent exhibition The Erratics was presented at Copperfield Gallery, London this past winter (2015 – 2016) and is presently part of the MAC International exhibition in Belfast.

The Erratics contained photographic and sculptural work engaged in a compelling discussion between form and abstraction.  In geology, an ‘erratic’ refers to a rock that differs from its native environment, having been carried and deposited there by a long-vanished glacier.

Naomi Itami is a cross-disciplinary artist working in mixed media and sound. She was formerly an international opera singer and holds several masters degrees including one from the LCC in Photography. She writes on the arts and is a frequent contributor to various publications and monographs. Below, Itami interviewed Harvey-Regan to find out more about the background to the works and text in The Erratics, after discovering she had also been to and photographed the same desert in Egypt that appeared in the exhibition.


NI: I understand that this body of work originated in the White Desert of Egypt. When I went there the landscape struck me as lunar— with obvious themes of erosion, obsolescence, and emptiness. It occurs to me that these adjectives speak as much of the inner workings of the mind and heart as they do of the outer world of geology and matter.  Can you tell us how you came to travel there, and whether you sought out this unique remote landscape for the purposes of creatingThe Erratics?

DHR: I sought it out to make work, though I didn’t know what work I was making when I first found it! Finding an image of the desert online to arriving there with a camera all happened within a matter of weeks, and I remember wandering alone through these vast chalk forms at night, this near-mythic landscape so at odds with life in London, feeling overwhelmed I was actually there. I was thinking then about tipping points – the fragile choices and occurrences that can pass unnoticed yet at some point cause an idea to become a reality – I remember trying to trace the lineage of those that had led me to that point in the desert and they vary, from conceptual to personal to practical; it all becomes about which narrative I choose to tell as to which become prioritised, since different phrasings suit different contexts.

My exhibition statement follows the more conceptual line in considering abstraction as a form, intention and process, but it’s interesting you talk about the mind and heart in relation to the work since there is a more internal, personal narrative implied there, one I’m exploring through writing as a part of an upcoming bookwork. It focusses more on the elements an exhibition can’t encompass so well, a reflection on the doubts and drives of my own creative process and a need to disrupt a deadlock I found within my studio-bound practice at the time.

NI: Those giant, abstract chalk formations were formed over eons. When compared to the click of the shutter, does it make time itself an abstraction? Were notions of time integral to this project, and if so, in what way?

DHR: Photography naturally speaks very clearly about time – something I’ve tried to cloud in the past by showing photographs alongside the exact objects they depict. While that considers the interplay around the translation of object to image – a photographic object being located at an intriguing point of overlap between the two –The Erratics does attempt to reach wider, bringing the flattening of that forth dimension into the picture, using subjects and process that literally and poetically speak about time: as surfaces stilling time I see rocks themselves as a type of image, and my own incremental carving of collected chalk with razorblades is like a gestural re-enactment of the erosion that so slowly shaped those formations photographed in the desert.

Rosalind Krauss writes about the idea that perspective is the visual correlative of time, that one thing follows another in space. A lot of the studio photography in this work makes use of forced perspective – a type of rephrasing of physical relationships. I like the idea that this has an echo of re-presenting things in their relationship to time. The more I write around the work – drawing on my memory of the desert and the process of carving chalk while using the photographs I’ve made as things to think with – the more prominent a theme time becomes.

NI: In your practise the interplay between photography and sculpture (or objects) seems to be fluid, with each medium commenting on and complementing the other. I wondered if you could tell us which comes first: photography or sculpture?

DHR: I have a longer relationship with photography and to that extent it feels like my native language, other disciplines become like learnt secondary languages always translated – internally at least – through my mother tongue. That means I approach sculpture from the perspective of the photographic, but not necessarily that the photographic precedes the sculptural in a work.

NI: I noticed at Copperfield that the sculptures on plinths, as well as the framed b/w prints, were quite formal in their presentation. The sculptures’ relationships to the plinths also suggested a melding of sorts, with the angles and planes of both often in alignment. Could you talk about this decision and its origins?

DHR: There was certainly an intention to present the work under the guise of tradition – photographs as framed objects and sculptures on plinths – since essentially I feel the thinking and process involved in making the work are where its ambiguities exist, and I thought a more neutral presentation allowed a quieter work to not become eclipsed though a louder, heavier styling. So there are very defined formal choices that set the work and their presentation into an ordered system, but one I think the work’s subjects and slowly shifting reading begin to undermine and erode.

NI: The connection between the monoliths you photographed in Egypt and the sculptures you created out of chalk from the south coast of England points to a slippery slope in terms of perception and experience. Was the act of physically carving flat planes into the rough chalk pushing sculpture toward the flatness of the photographic image? Was it your intention to forge a kind of truce or sympathy between the body and the mind? 

DHR: For the studio photographs the raw material of the chalk was being physically shaped towards the image plane it would become – like some kind of preparatory ritual for its own visualisation. And the physical sculptures in the show – largely different to those within the images – enacted a type of reversal to this, where surface and shape were pulled out of the idea or appearance of two dimensions and mapped into or onto three. So while their physical presence as framed photographs and sculptures is unavoidable, they both certainly address perception – or the mind – directly.

However, the process of their making is very physical – my entire studio being covered in chalk dust for months on end with me white and messy, leaving cloud-like traces everywhere I went! I would never be entirely comfortable with the impassivity of photography as a technical medium without also being able to touch and mould and mark, without something in my process being immediately gestural.

I think at a personal level this work has been about trying to integrate the tendencies I feel that pull in different directions, types of creative fulfilment such as embracing natural beauty alongside a desire to strip it all away in preference for abstracted line and form; working in both the mess of real matter and the purity of the flawless surface; allowing narratives based in my experience and feelings to entwine with those guided by ideas and by medium.

It’s been a very slowly evolving work for me and one I feel very close to.


For further viewing:

Photomonitor interview: Harvey-Regan/Itami

Darren Harvey-Regan website

MAC Belfast 



Paul Hart / Farmed


Image above: Donnington Bridge from the series ‘Farmed’ © Paul Hart

Paul Hart / Farmed

The Fens, also known as Fenland, is an area of reclaimed marshland in the east of England which is one of the richest arable areas of the UK. British photographer Paul Hart has been making images in this landscape of agribusiness over the last six years. Most of this land was drained several centuries ago, resulting in a flat, low-lying agricultural region. The majority of the Fens lies within a few metres of sea level. As with similar areas in The Netherlands, much of the Fenland originally consisted of fresh-or salt-water wetlands, which have been artificially drained, and continue to be protected from floods by drainage banks and pumps. With the support of this drainage system, the area has become a major arable agricultural region in Britain.

Farmed engages with the recurring themes of this linear landscape, a place comprised primarily of straight lines with a flat horizon. Hart explores an environment of control, one of nature faceted by symbols of industrialisation, a landscape with monoculture at it’s core. Hart’s working method is in the vein of documentary, exploring our relationship to this landscape by highlighting elements that are so often overlooked. His narrative pin points the objects that remain, when all that surrounds has been cleared by modern agricultural practice. He aims to convey nature’s vulnerability within this unsheltered and unprotected environment, but as Steven Collier Brown stresses, he “resists narratives of pure catastrophe in places clearly impacted by centuries of mismanagement.” He employs the analogue process and traditional darkroom techniques, to convey something of the soulful in a landscape that is rarely considered of any aesthetic interest.

Hart grew up in a rural, agricultural part of the UK, and when young, spent much time outdoors in an area quite untouched by the modern world. This free and unrestrained up bringing, a personal history so attached to tangible landscapes, informs his work. As Steven Collier Brown writes of Farmed; “Hart’s photographs raise important questions about possession, ownership, mobility, stewardship, history, memory, perspective – the list goes on.”


British photographer Paul Hart (b. 1961) explores our relationship with the landscape, in both a humanistic and socio-historical sense. His projects usually concentrate on a specific geographic region, where he photographs intensively over a number of years. Hart studied at Lincoln College of Art (UK) and graduated from Nottingham Trent University (UK) in 1988 with a BA (Hons) Photography. He works solely with the analogue process; shooting on medium and large format, personally processing film and making handcrafted silver gelatin prints in a traditional manner. This hands-on approach, which includes a mix of science, chemistry and craft, is integral to his working practice and results in, what could be described as, a poetic interpretation of his subject. Hart has concentrated on self initiated projects for exhibition and publication for the past fifteen years. His work has been widely exhibited and internationally shown at Paris-Photo and The AIPAD Photography Show.


Farmed : Dewi Lewis Publishing, UK (2016) Monograph
Looking at Images : LensWork Publishing, USA (2014) Brooks Jensen
Truncated : Dewi Lewis Publishing, UK (2008) Monograph
Photo Projects : Argentum, UK (2006) Chris Dickie


To see more images from Paul Hart’s series ‘Farmed’ please visit Photomonitor  online magazine for current photography in the UK and Ireland.

Bettina von Zwehl / Bloodlines

C-type print, 21.4 x 17.3cm, 2016 © Bettina von Zwehl

Rosa (Lampropeltis Getula Splendida) , c-type print, 21.4 x 17.3cm, 2016 © Bettina von Zwehl

Hello – this is Christiane Monarchi, delighted to be sharing some current photography with you on Hatje Cantz fotoblog from artists and photographers working around the UK and Ireland, which is the geographic focus for the online magazine Photomonitor that I started 5 years ago.  Since 2011 Photomonitor has published more than 750 features from more than 200 artists and writers, for a broad spectrum of current thinking on photography, lens-based media and photobooks created and exhibited in the UK and Ireland.


Bettina von Zwehl / Bloodlines

Each portrait in Bettina von Zwehl’s new series Bloodlines shows a young girl, in a studio environment, holding a live snake. The encounter between human and snake is at the core of each portrait, the slow and gliding movements of these mesmerising creatures quietly and subtly guiding the gestures of the sitter as she seeks to retain her composure and her poise.

“I am drawn to the snake’s unblinking stare, its sculptural presence, its symbolic potential, the beauty of its shimmering scales, and to its transformative presence in the frame of the image, evoking so many different associations: from fear and disgust to sensuality and feelings of awe. The girls approach the challenge of the session in their own unique way: a mix of anxiety, trepidation, excitement and also pride. The encounter with the snake as it undulates and coils across each young sitter’s body calls for her to find her own way to support it, guide it, protect it, and in some sense, to connect with it.” – (BvZ, 2016)


Bettina von Zwehl (b, 1971, Munich) lives and works in London.  She has built her international reputation on subtle yet captivating photographic portraits; works from her recent series Bloodlines will be shown at Konsthallen Bohusläns Museum from 3rd December 2016 – 27 February 2017.

For further reading:

Photomonitor (Bettina von Zwehl / Bloodlines) www.bettinavonzwehl.com

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5 questions on photography
Today: Andres Serrano, photographer
Met at the opening of his exhibition at Musée Europeen de la Photographie, Paris


How do you see photography today?
The same way I saw it yesterday. The only difference is that there is a lot of digital photography now. I have a problem with digital photography. Because it looks manipulated and it looks fake. The other thing is everybody can be a photographer, everybody with an iphone is a photographer, and that means there are few artists left who are real photographers.

What has impressed you recently?
I have to tell you my own work impresses me the most, and I have two exhibitions right now in Paris. The other thing that impresses me is a photo I took in 2012 for my american series, which I never showed before, now for the first time, and it’s a portrait of Donald Trump. It’s a special portrait for me now, because it’s a picture of the president of the United States.

Your first photo book?
I don’t remember the first one. I still like my book on The Morgue. That has been very special to me. It’s out of print now, I think we should publish it again.

Next project?
I’m thinking about it. Jerusalem „Salvation“ is a recent project. „Torture“ is a new project. And I’m planning more museum shows in the next future. My next project should be my memories. I’ve been putting off for years.

Photography is …
… not dead.

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5 Fragen zur Fotografie.
Heute: Josephine Raab, Gute Aussichten GmbH
Getroffen bei der Eröffnung Gute Aussichten 2016 / 2017, NRW-Forum, Düsseldorf


Wie siehst du Fotografie heute?
Seit 12 Jahren organisieren wir mit gute aussichten – junge deutsche fotografie eine der begehrtesten Auszeichnungen für junge künstlerische Fotografie. Wir sehen eine enorme kreative Bandbreite, die das Primat der Düsseldorfer Schule hinter sich gelassen hat und sehr diverse Positionen hervorbringt. Die klassischen Genres wie Reportage, Dokumentation, Portrait, Stilllife oder Landschaft werden dabei permanent neu interpretiert, erweitert und ergänzt. Aktuell wandert Fotografie installativ in den Raum, arbeitet mit Ton- oder Film, mit Websites, mit found footage oder recycelt vorhandenes Bildmaterial. Sie entsteht mit der Handykamera, durch Scanner, durch Bearbeitungen in der Dunkelkammer oder mit selbst erdachten Apparaturen und natürlich nach wie vor mit der klassischen Kamera – analog wie digital. Ein enorm wandelbares Medium!

Was hat dich kürzlich beeindruckt?
Begeistert hat mich die Ausstellung „Echolalia“ der 1963 in Belgien geborenen Künstlerin Ana Torfs im Museum Calouste Gulbenkian in Lissabon. Die Ausstellung vereinte vier Installationen einer Künstlerin, die, ausgehend vom Wort, mit Fotografie, Text, Installation, Film- und Dia-Projektionen, bedruckten Stoffen und Wandbehängenn arbeitet. Torfs visuelle Untersuchung gilt ethymologischen Prozessen und narrativen Strukturen und umkreist Begriffe wie lexikalische Determinierung, Repräsentation und Bedeutungsverschiebung. Damit überschreitet sie klassische Genregrenzen so spielend wie spielerisch und steht exemplarisch für eine neue Generation von “visuellen” Künstlern.

Dein erstes Fotobuch?
Das Allerserste war sicherlich ein Familienalbum! Mit etwa 10 Jahren bekam ich Bücher über die Entdeckung Afrikas geschenkt und vertiefte mich begeistert in die Fotografien einer mir fremden Welt.

Nächstes Projekt?
gute aussichten hält uns in Atem: die nächste Ausstellung der aktuellen Preisträger eröffnet im März 2017 in den Deichtorhallen Hamburg. Parallel organisieren wir gute aussichten deluxe, eine Wanderausstellung mit neuen Werken von 23 Preisträgern der letzten 12 Jahre, die im Frühsommer in Mexiko City startet.

Fotografie ist …
… ein Augenöffner.

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5 questions on photography
Today: Karol Pysz + Pawel Rubkiewicz, bookoff, Warsaw, Poland
Met at the international sales conference at Hatje Cantz, Berlin


How do you see photography today?
Karol Pysz: Photography is very democratic, which is a good thing and a bad thing. The good thing is, that it is available to everybody, that everybody can pick up a camera or an iphone and make photos. The bad thing is the quality of the product. It really went done. When it comes to photo books – they are not as good as before.
Pawel Rubkiewicz: The internet might be to blame for that. Everyone is in a hurry. Showing images on their website and on facebook, even when they are not finished. Instead of working patiently on larger projects – in the past you had photographers working 20 years on a project –, nowadays everyone shows their work immediately. That takes away the artist’s motivation and concentration from where the real story is.

What has impressed you recently?
Karol Pysz: It was a book published by a guy that does a very popular fotoblog called „A new american picture“.The pictures are not done by a human being. They are done by a computer. And he selected them. Doug Rickard is his name. That refers to the democracy of photography.
Pawel Rubkiewicz: Yes, that is interesting. The entire essence of road trip photography has changed – now you don’t need to travel, you use google street view. You can travel using your computer. Which is like the weirdest thing that happened. No human being is necessary any more to create images.

Your first photo book?
Karol Pysz: Maybe „The Americans“ by Robert Frank.
Pawel Rubkiewicz: Yes, mine, too. It’s the most important photo book in the history of photography.
Karol Pysz: The way it changed photography, removing all the texts, leaving the images for themselves. There are so many different perspectives. I guess 75 % of the answers will lead to this book as the first book.

Next project?
Karol Pysz: Steidl is making an exhibition on „The Americans“ around the world, maybe also in Warsaw. So we like to work with him on that.

Photography is …
Karol Pysz: … great.
Pawel Rubkiewicz: … everything.

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5 Fragen zur Fotografie.
Heute: Torge Schümann, Toma Artservice
Getroffen im NRW-Forum bei der Installation der Ausstellung „Bling Bling Baby!“


Wie siehst du Fotografie heute?
Erst im Sicherheitslager, dann, wenn ich sie aufhänge, an der Wand. Wie sehe ich Fotografie heute? Hoffentlich wieder auf dem leichten Weg ins Analoge zurück.

Was hat dich kürzlich beeindruckt?
Was für immer in meinem Kopf bleiben wird, ist die Hängung mit Albert Watson. Das war großartig. Die 1 oder 2 Wochen, die wir mit Albert Watson hatten – so ein Gentleman, feiner Kerl, er kann unglaublich gut Geschichten erzählen. Das Hängen war sehr anstrengend mit ihm, hat aber unglaublichen Spaß gemacht.

Dein erstes Fotobuch?
Das war auch auch die erste Ausstellung, die ich gemacht hab: „Und läuft und läuft und läuft“ hier im Haus, 1999.

Was ist dein nächstes Projekt?
Die Horst Wackerbarth Wanderausstellung. Und das Photoweekend 2017 im NRW-Forum.

Fotografie ist …
… eine der schönsten Sachen der Welt.

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5 Fragen zur Fotografie.
Heute: Alain Bieber, Leiter NRW-Forum
Getroffen im Café des NRW-Forums, Düsseldorf


Wie siehst du Fotografie heute?
Der Bundespräsident Joachim Gauck hat in diesem Jahr, zum ersten Mal überhaupt, die Fotografie geadelt, ins Schloss Bellevue zu einem „Gipfel der Starfotografen“ eingeladen, und vor u.a. F.C. Gundlach, Herlinde Koelbl und Juergen Teller eine bemerkenswerte Rede gehalten. “Die Fotografie ernst zu nehmen, nicht nur ihre eigentümliche, gelegentlich vielleicht auch unheimliche Macht anzuerkennen, nein, sie wahr zu nehmen als ein höchstrangiges Ausdrucksmittel, als eine ganz eigene Kunstform, darum geht es mir heute Abend.“
(ganze Rede online: http://www.bundespraesident.de/SharedDocs/Reden/DE/Joachim-Gauck/Reden/2016/09/160930-Soiree-Fotografie.html).
Und auch auf Fotomessen wie der Paris Photo, mit über 60.000 Besuchern in 4 Tagen, merkt man: Die Fotografie ist angekommen, wird als eigenständige Kunstform akzeptiert, wird geliebt und gefeiert. Auf der anderen Seite: Vielleicht steht sie gerade deshalb jetzt vor einem Scheideweg. Heute hat jeder eine Kamera, jeder ist Fotograf, alles wurde bereits fotografiert. Die spannende Frage ist: Wie verändert sich die künstlerische Fotografie, welche Themen, Formate, Projekte, Künstler entstehen mit Hinblick auf die Digitalisierung? All dies sind Fragen, die wir in unseren Ausstellungsprojekte im NRW-Forum Düsseldorf thematisieren wollen.

Was hat dich zuletzt beeindruckt?
Mich begeistert die konzeptuelle Fotografie von Joan Fontcuberta und Taryn Simon. Und die Werke des jungen, französischen Fotografen Thomas Mailaender (http://www.thomasmailaender.com/), mit dem wir gerade auch an seiner ersten Einzelausstellung in Deutschland arbeiten. Er kennt die Geschichte der Fotografie, er beschäftigt sich mit dem Medium, er fotografiert aber gar nicht mehr selbst, sondern sammelt nur bizarre Amateurbilder aus dem Netz und Flohmarkt, archiviert, „recycelt“ und schleust diese wieder in die Welt der Hochkultur ein. Und das passiert mit so viel Humor und Genialität – dafür kann man ihn einfach nur lieben.

Dein erstes Fotobuch?
An mein erstes Kunstbuch erinnere mich leider nicht mehr; aber es war bestimmt eher ein privates Familienalbum. Aber der erste Kunstkatalog, der mich nahhaltig beeinflusst hat, war: „Hardcore“, eine Gruppenausstellung zur politischen Kunst, im Pariser Palais de Tokyo.

Nächstes Projekt?
Die nächsten Projekte sind zwei Ausstellungsprojekte im NRW-Forum Düsseldorf, die beide am 2. Februar 2017 eröffnet werden: Eine von Ralph Goertz kuratierte Ausstellung, die zwei Weltstars der Fotografie zusammenbringt:
Peter Lindbergh und Garry Winogrand (http://www.nrw-forum.de/ausstellungen/lindbergh-winogrand) und eine von mir kuratierte Einzelausstellung mit dem französischen Künstler Thomas Mailaender, der seit Jahren bizarre Bilder und Objekte der Alltagskultur, die er im Netz und auf Flohmärkten findet, archiviert, „recycelt“ und in die Welt der Kunst einschleust (http://www.nrw-forum.de/ausstellungen/thomas-mailaender)

Fotografie ist…
Eine Kollegin hat einmal Barry White in einem New Yorker Club getroffen und voller Ehrfurcht gefragt: „Sind Sie Barry White?“ Er in seiner rauchigen Schlafzimmerstimme: „I am whoever you want me to be.“
In diesem Sinne würde ich sagen: Fotografie ist was auch immer man daraus macht.

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5 questions on photography.
Today: Hadley Hudson, photographer
Met at her book signing at Paris Photo at the stand of Hatje Cantz

Hadley Hudson_Paris Photo

How do you see photography today?
Much differently than I did 10 years ago. What I know today, and what I didn’t realize then, is that the portraits I take of others are also portraits of me.

What has impressed you recently?
This summer at Art Basel I saw Jeff Wall’s “Listener”. It is an image which I have thought about over and over since then. It’s narrative, documentary & totally fiction at the same time. He seems to capture “the decisive moment” , however the image is actually carefully staged and pulls the viewer into what seems like a violent act.

Your first photo book?
“The Americans” from Robert Frank and Paul Strand from Aperture Masters of Photography.

Next project?
My first photo book was just released a few days ago which was thrilling! I am currently working on an exhibition based on the book.

Photography is …
… To quote Paul Strand:
“If you can find out something about the laws of your own growth and vision as well as those of photography you may be able to relate the two, create an object that has a life of its own, which transcends craftsmanship. That is a long road, and because it must be your own road nobody can teach it to you or find it for you.
There are no shortcuts, no rules.”

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5 questions on photography.
Today: Anderson & Low, photographer
Met at Paris Photo’s VIP room


How do you see photography today?
Jonathan Anderson: Photography is always changing. And it’s extremely complex, both in the digital world, and in the traditional print world. It’s really too complicated to summarize in a single reply. But we believe that the importance of making images that can stand up to a real longevity of viewing (rather than grabbing one’s attention, but not sustaining that initial interest) remains vital.

What has impressed you recently?
Jonathan Anderson: We have been looking a lot at Nineteenth Century photographs in Paris Photo. It’s very important to be reminded of what wonderful work has been made right at the inception of this new art form.
Edwin Low: Two things that impress me: One is Georgia O’Keefe, not only in the sense of her work, but the process, how she developed what she had achieved, and how it related to other visual art forms, including photography. The influence and cross-fertilization of many photographic contemporaries, such as Alfred Steglitz, Paul Strand, Berenice Abbott, and so forth.

Your first photo book?
Jonathan Anderson: I’can’t remember. They were around the house so much. Books on photography and painting and sculpture.
Edwin Low: The first image that struck me was on a Chinese screen, a screen that was made of stone. The frieze-like depictions were wonderful. And also, a family photo album if it’s considered a photo book.

Next project?
Jonathan Anderson: Our next project relates once again to the ideas of fantasy and reality, what is artificial and what is the actual. And how one’s perception can be altered in the photographic process.

Photography is …
Edwin Low: … having an open mind.
Jonathan Anderson: … having a good eye and a good heart.

Shortcuts 6

5 questions on photography.
Today: Mariano Vivanco, photographer
Met at Paris Photo at the stand of Bernheimer

Mariano Vivanco_©NadineBarth

How do you see photography today?
With my eyes (laughs). Ok, I see it moving really fast, I see it being consumed by the public, by general public really fast through social media, through networks, through the internet. We are looking at more images, and our brain is not holding as many memories as we had in the past. And I see fine art photography falls into that. We are more disposable. It feels we need to make more of an impression, more of an effort, to send our work out to the world, but that’s good, I think. Because from that comes better work.

What has impressed you recently?
We were in Rome last weekend and I spend some quality time in the Vatican. And I think I’m reincarnated roman-greek. That where my heart literally starts beating a little bit more fast looking at that art work. Looking at that level of costume shift, looking at that level of passion. It makes me feel alive.

Your first photo book?
My first book I got was “Time Life goes to the Movies”, when I was 12 years old. It totally obsessed me with photography, movie stars and glamour. My first photo book was by Helmut Newton. And I fell in love with his imagery.

Next project?
To relax. It has been really intense, getting the book out (“Flower Portraits Nudes”, Damiani), getting the New York exhibition out, the Munich Highlight exhibition, all my advertisting. I’m looking forward to seeing my family over christmas …

Photography is …
… my life.

Shortcuts 5

5 Fragen zur Fotografie.
Heute: Benjamin Flüglister, Artistic Director
Getroffen auf der Paris Photo

Benjamin Flüglister_©NadineBarth

Wo steht die Fotografie heute?
Fotografie ist das wichtigste Kommunikationsmedium überhaupt geworden ist. Angetrieben durch die schon historische Digitalisierung, was auch positive Auswirkungen hat, z.B. dass jeder Zugang zur Fotografie hat. … Andererseits hat auch die Qualität darunter gelitten. Unsere Sehgewohnheiten haben sich geändert. Aber grundsätzlich ist das erfreulich, wie es sich entwickelt hat.

Was hat dich kürzlich beeindruckt?
Die Paris Photo. Ich war seit fünf Jahren nicht mehr hier. Und der Grand Palais: das ist schon eine super Atmosphäre hier.

Dein erstes Fotobuch?
Von Karl Blossfeldt The Alphabet of Plants.

Was ist dein nächstes Projekt?
Klar, gerade läuft die Ausschreibung zum Cap Prize of Contemporary Photography, der ins sechste Jahr geht, bei dem Künstler prämiert werden, die auf dem afrikanischen Kontinent arbeiten oder leben.

Fotografie ist …
… mein Leben.

Shortcuts 4

5 Fragen zur Fotografie.
Heute: Hans-Michael Koetzle, Kurator
Getroffen auf der Paris Photo am Stand von Hatje Cantz

Hans-Michael Koetzle_©NadineBarth

Wo steht die Fotografie heute?
Im Umbruch. Von Analog zu Digital. Nachdenklich zu spontan. Gebaut zu eher trashig. Und global unterwegs.

Was hat dich kürzlich beeindruckt?
Die junge niederländische Fotografin Hanne van der Woude. Die Ausstellung Emmy’s World läuft gerade im Fotografieforum in Frankfurt. Sie hat ein älteres Paar begleitet, Emmy, ihren Lebensgefährten und seine Brüder. Tolle, intensive, sehr emotionale Fotografie. Sie strahlen Lebensfreude aus. Ein wunderbares Buch, schon in der zweiten Auflage – das finde ich ganz großartig.

Dein erstes Fotobuch?
Geschenkt bekommen habe ich von einem älteren amerikanischen Herren aus Utah den Katalog zu The Family of Man. Das Original von 1955! Das war meine Sozialisation.

Was ist dein nächstes Projekt?
Die Internationalisierung der Willy Fleckhaus Ausstellung. Ich finde es wichtig, dass er auch über die Grenzen von Deutschland bekannt wird – er war einer der wichtigsten deutschen Art Directoren.

Fotografie ist…
… ein wunderbares Medium, das weit über seine technischen Möglichkeiten hinausreichend das Formale, das Emotionale, das Sinnliche verbindet.

Shortcuts 3

5 Fragen zur Fotografie.
Heute: Karen Fromm, Professorin für Fotografie an der Hochschule Hannover
Getroffen auf der Paris Photo bei den Publishern

Karen Fromm_©NadineBarth

Wo steht die Fotografie heute?
Es hängt unglaublich davon ab, von welcher Art von Fotografie man spricht. Natürlich ist Fotografie omnipräsent, wir sind umgeben von Bildern, mehr als jemals zuvor. Fotografie ist etwas, das uns alltäglich begleitet. Ich glaube, dass der Status der Fotografie fast verliert, weil Bilder so selbstverständlich sind – das ist im Bereich des Fotojournalismus z.B. ein Thema, wo man sagen könnte, der Wert des Einzelbildes sinkt vielleicht –. wärhend im Kunstkontext Fotografie ganz gleichberechtigt angekommen ist. Das war in der Anfangsphase ja nicht so, wenn man sich überlegt, wie lang es gedauert hat, bis Fotografie den Weg ins Museum gefunden hat. Je nach Kontext ist es also sehr unterschiedlich, aber es ist wichtiger denn je, sich mit Fotografie zu beschäftigen..

Was hat dich kürzlich beeindruckt?
Mich hat tatsächlich zuletzt eine Arbeit eines jungen Studenten von mir beeindruckt, der seine Bachelor-Arbeit gemacht hat über Selbstmord in Litauen. Ein europäisches Land, das die höchste Selbstmordrate überhaupt hat. Und er hat sich – und das ist ja immer spannend in der Fotografie, wenn man sich auf die Suche begibt nach etwas, was erst mal schwer sichtbar zu machen ist, weil das Medium über Visualität lebt –, also er hat sich auf dem Land auf den Weg begeben, Spuren dessen zu finden, und Antworten darauf, warum das so sein könnte. Entstanden ist eine Arbeit aus Bild und Text, die einem ganz viel darüber erzählt und die das erahnbar und spürbar macht.

Dein erstes Fotobuch?
Hm, das war wahrscheinlich … – Robert Frank The Americans.

Was ist dein nächstes Projekt?
Wir machen zusammen mit der Schule in Arhus und Magnum ein Projekt zum Thema Jugend und Europa. Das ist einer der Gründe, warum ich jetzt auch hier war.

Fotografie ist…
… alles und nichts.

Shortcuts 2

5 Fragen zur Fotografie.
Heute: Thomas Seelig, Fotomuseum Winterthur
Getroffen auf der Paris Photo am Stand einer Galerie

Thomas Seelig_©NadineBarth

Wo steht die Fotografie heute?
Fotografie in Transition, spannende Zeit, es bewegt sich viel. Neugierig bleiben, was passiert.

Was hat dich kürzlich beeindruckt?
Mehr Bücher als Kunst.

Dein erstes Fotobuch?
Keine Erinnerung.

Was ist dein nächstes Projekt?
Francesco Jodice nächstes Jahr im Februar. Und unsere Plattform, die ja jedes Jahr im Januar stattfindet.

Fotografie ist…
… immer noch relevant.

Shortcuts 1

5 Fragen zur Fotografie.
Heute: Robert Voit, Fotograf.
Getroffen auf der Paris Photo am Stand von Hatje Cantz.


Wo steht die Fotografie heute?
Ich sehe sie wie immer: bunt, schwarz-weiß, alles Mögliche.

Was hat dich zuletzt beeindruckt?
Die Arbeit von Olaf Unverzart mit seinem Jahrhundertprojekt. Da hat er ein Jahr lang seine Großmutter fotografiert, die kürzlich 100 geworden ist – eine fantastische Serie.

Dein erstes Fotobuch?
Ich glaub’, von Klauke eins. Irgendein fieses Klauke-Buch…

Was ist dein nächstes Projekt?
Ich arbeite immer noch wacker an meiner Fukushima-Serie und fahre auch nochmal hin, jetzt im November.

Fotografie ist…
… bunt und fantastisch – damit sind wir wieder beim Anfang.

Colonia Dignidad: Wie Fotojournalismus aktuelle Debatten begleitet

Kaum ein Teil der deutschen Geschichte ist so skurril wie die der „Colonia Dignidad“. Der gleichnamige Film mit Emma Watson und Daniel Brühl bewirkte, dass auch die Politik sich dem Thema wieder angenommen hat. Einen fotojournalistischen Beitrag zur Debatte liefert Jann Höfer mit seiner Arbeit „Wie nasser Zement“. Ein Porträt über den Wandel einer Gemeinschaft.

Die Rückseite des Freihauses, indem Paul Schäfer sein privates Zimmer hatte. Das ehemalige Badezimmer wurde von den Bewohnern zerstört. Schäfer verging sich hauptsächlich im diesem an den Jungen der ehemaligen Colonia Dignidad. © Jann Höfer

Die Rückseite des Freihauses, indem Paul Schäfer sein privates Zimmer hatte. Das ehemalige Badezimmer wurde von den Bewohnern zerstört. Schäfer verging sich hauptsächlich in diesem an den Jungen der ehemaligen Colonia Dignidad. © Jann Höfer


Eine christliche Sekte verpackt in ein deutsches Musterdorf 400 km südlich von Santiago de Chile. Die Colonia Dignidad (zu deutsch: „Kolonie der Würde“) gründete sich 1961 als Folgeorganisation der 1959 in Deutschland aufgelösten „Private Sociale Mission“. Dieser radikalchristlichen Gruppe stand Paul Schäfer vor, ein evangelischer Laienprediger und ehemaliger Sanitäter der Wehrmacht im Zweiten Weltkrieg. Nachdem er in Deutschland wegen Missbrauch zweier Kinder gesucht wurde, tauchte er mit einigen seiner Anhänger unter. Zwei Jahre später tauchten sie in Chile wieder auf und gründeten den „Staat im Staate“. Nach dem Pinochet-Putsch gegen die sozialistische Regierung 1973 diente dieser Ort nicht nur zum Handel mit Waffen, sondern wurde von Pinochets Geheimpolizei auch als Foltergefängnis genutzt. Paul Schäfer selbst nutzte seine Stellung in der Gemeinschaft aus, um seiner Pädophilie zu frönen.


Ein autarkes Musterdorf mit Nazi-Verbindungen

Auf dem Farmgelände der Colonia Dignidad kümmerten sich währenddessen über 300 Menschen um die Versorgung der Gemeinschaft. Die Autarkiebestrebungen wurden unter härtester Zwangsarbeit durchgesetzt und bis auf wenige Güter konnte sich die Gemeinschaft komplett selbstversorgen. Nach außen wahrten sie den Anblick einer Gemeinschaft, die sich deutschen Traditionen und einem gottesfürchtigen Leben verpflichtet fühlten. Diesen Idealen hängen die weniger als 200 heute noch verbleibenden Anwohner nach wie vor an.

Bis heute ranken sich viele Mythen um die Nazi-Verbindungen des deutschen Musterdorfs. Über die „Rattenlinien“ und mit Hilfe der OdeSSA (kurz für: Organisation der ehemaligen SS-Angehörigen) konnten viele Täter des NS-Regimes in Südamerika untertauchen. Eines der bekanntesten Beispiele dürfte der SS-Obersturmbannführer Adolf Eichmann sein, der von Agenten des Mossad in Argentinien gefasst und 1962 in Israel für seine Verbrechen hingerichtet wurde. Bei der Verfolgung von NS-Tätern in Südamerika kam auch immer wieder die Colonia Dignidad in den Fokus. So gibt es mehrere Berichte, unter anderem des Nazi-Jägers Simon Wiesenthal, wonach der Lagerarzt des Vernichtungslagers Ausschwitz Josef Mengele in der Colonia zweitweise Unterschlupf gefunden hat.


Offiziell zum Schutz vor den Kommunisten, ließ Schäfer einen Zaun um die Colonia Dignidad errichten. Ausgestattet mit Stolperdraht und Infrarotsensoren diente er jedoch mehr dazu die Flucht der Bewohner zu verhindern. © Jann Höfer

„So ähnlich muss Theresienstadt gewesen sein.“

Nachdem lange Jahre sowohl die chilenische Diktatur als auch die deutschen Diplomaten vor Ort die Aktivitäten in der Colonia Dignidad gedeckt haben, begannen in den 80er Jahren in Deutschland die ersten Ermittlungen. Im Jahr 1997 wurden zum dritten Male Ermittlungen der Bonner Staatsanwaltschaft aufgenommen, die zu einem Haftbefehl gegen Schäfer führten. Wieder war dieser zur Flucht gezwungen und konnte erst 2005 in Argentinien verhaftet werden. Im anschließenden Prozess wurde er in 20 Fällen dem Kindesmissbrauch überführt und starb 2010 im Alter von 88 Jahren im Gefängnis in Santiago de Chile. Die Gemeinschaft auf dem Gelände der Colonia Dignidad besteht bis heute fort.

Angestoßen durch den gleichnamigen Film begann eine politische Debatte um die Verfehlungen der deutschen Diplomatie. Im April 2016 gestand Außenminister Frank Steinmeier ein, dass es Verfehlungen in der deutschen Politik gab. Um die Aufarbeitung zu befördern ließ er die geheimen Akten des Auswärtigen Amtes zu dem Thema offenlegen. Auch Bundespräsident Joachim Gauck bemüht sich um die Wiederaufarbeitung. Während seines Besuches in Chile Mitte 2016 äußerte er sich zu dem Fehlverhalten der deutschen Staatsbediensteten. Diplomaten hätten jahrelang weggesehen und das Geschehen vor Ort gedeckt. Und das, obwohl die Kolonie nicht ohne Kritik war. So notierte der deutsche Diplomat Dieter Haller nach einem Besuch in der Kolonie: „So ähnlich muss Theresienstadt gewesen sein.“ Doch es gab schon damals deutsche Politiker, wie zum Beispiel Franz Josef Strauß, die Colonia zum Teil mehrmals besuchten – ohne Kritik zu äußern.

Thomas mit Frau Elke und seinen Töchtern. Sein Vater Kurt gehörte zum engsten Kreis Schäfers. Er wurde zu fünf Jahren Haft verurteilt. Thomas setzt sich dafür ein, dasss er am Wochenende Freigang bekommt. © Jann Höfer

Thomas mit Frau Elke und seinen Töchtern. Sein Vater Kurt gehörte zum engsten Kreis Schäfers. Er wurde zu fünf Jahren Haft verurteilt. Thomas setzt sich dafür ein, dass er am Wochenende Freigang bekommt. © Jann Höfer

Aufarbeitung braucht vielfältige Perspektiven

Die fotojournalistische Arbeit von Jann Höfer liefert einen wichtigen Beitrag für eine differenzierte Debatte. Während sich die Berichterstattung und die Politik auf die Geschichte der Colonia konzentriert, zeigt Höfer, wie die Gegenwart der Menschen dort aussieht. Was ist übrig von der totalitären Sekte? Wer ist geblieben, nachdem bekannt wurde, was hinter verschlossenen Türen vor sich ging?

Was uns Jann Höfer zeigt, sind Menschen und Familien, die durch jahrelange Zwangsarbeit gezeichnet sind und zwischen Tätern und Opfern gewohnt und gelebt haben. Wir sehen das Haus, in dem Paul Schäfer reihenweise Kinder missbraucht hat und das Hotel, dass den Fortbestand der Gemeinschaft sichern soll. Der Tourismus ist zu einem neuen Standbein der radikalchristlichen Gemeinschaft geworden. Sie veranstalten Volksfeste und bieten Erholung an den Orten, wo früher Oppositionelle gefoltert und ermordet wurden.

Wie in Zukunft mit dem Ort, seiner Geschichte und Gegenwart umgegangen wird, muss sich noch zeigen. Die Arbeit von Jann Höfer zeigt den Status quo einer entwurzelten Gemeinschaft auf der Suche nach einer neuen Perspektive.

Stefan Weger ist Textredakteur bei emerge.


Die komplette Arbeit “Wie nasser Zement” von Jann Höfer findet ihr seit heute auf emerge.

Hiermit verabschiedet sich emerge vom Hatje Cantz fotoblog. Vielen Dank! Wer weiter an unseren Geschichten oder an unserer neuen Printausgabe zum Thema „Naher Osten“ interessiert ist, kann uns bei Facebook, twitter und Instagram folgen oder hier unseren Newsletter abonnieren.

Neue Perspektiven finden. Ein Interview mit Sibylle Fendt.

Fotoprojekte nehmen oft mehrere Monate bis Jahre in Anspruch. Gerät man dabei in eine Sackgasse braucht es Mut, um die Perspektive zu ändern und neu anzufangen. Sibylle Fendt sprach mit uns über ihre Arbeit zum Thema Flucht, für welche auch sie sich aus ihrer Komfortzone herauswagen musste.


Liebe Sibylle, in deinem aktuellen Projekt widmest du dich dem Thema Flucht. Wie hast du dich diesem Thema genähert?

Ich habe Ende 2014 mit meiner Arbeit „Eine Reise durch deutsches Flüchtlings(krisen-)Land“ begonnen, wofür ich ein Stipendium von der VG Bild-Kunst erhielt. In dieser Arbeit baue ich auf meiner Serie „Sehr geehrte Frau K.“ aus den Jahren 2011 und 2012 auf. Während ich mich dort mit der Situation von Flüchtlingen in Berlin auseinandersetzte, begab ich mich nun in ganz Deutschland auf die Suche nach Orten des staatlichen und bürokratischen Umgangs mit Flüchtlingen.

Bevor im Spätsommer 2015 die sogenannte Flüchtlingskrise begann, hatte ich unter ganz anderen Prämissen meine Arbeit angefangen. Zu dieser Zeit war die Zahl der Flüchtlinge noch weitaus überschaubarer. Selbst wenn es damals weniger als 80.000 Anträge im Jahr gab, so mussten Flüchtlinge sehr lange auf die Entscheidung ihres Asylverfahrens warten. Und das bei teilweise unzumutbaren Zuständen in den Unterkünften.

Durch die zunehmende Zahl an Flüchtlingen im Sommer 2015 musste ich völlig neu auf mein Thema schauen und neue Kriterien an meine Bilder stellen. Mir wurde deutlich, dass Deutschland im europäischen Vergleich auch einiges besser machte. Während dieser permanenten Veränderungen, wo die heutige Situation morgen schon historisch sein könnte, habe ich mich immer wieder auf die Suche nach Orten der Krise gemacht.


Schreibtisch eines BAMF-Mitarbeiters in der Rückführungseinrichtung Bamberg, 2016 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Ursprünglich hast du damit angefangen Portraits von Flüchtlingen zu machen – wie kam es dazu, dass du letztendlich vor allem Orte fotografiert hast?

In meiner ersten Serie wollte ich eine Handvoll Flüchtlinge über einen längeren Zeitraum begleiten. Diese Arbeitsweise habe ich auch bei vorangegangenen Projekten verfolgt. Doch ich merkte schnell, dass bei den Flüchtlingen nur wenig passierte und ich deswegen fotografisch wenig erzählen konnte. Zur selben Zeit lernte ich viele Orte kennen, die Flüchtlinge während ihres Verfahrens durchlaufen und spürte ihren symbolhaften Wert. Ich besuchte verschiedene Behörden, die Abschiebehaft, die Ausländerbehörde und verschiedene Unterkünfte. Diese Orte haben alle ganz unterschiedliche Strukturen und sagen viel darüber aus, wie mit Flüchtlingen umgegangen wird. Meine Kollegen bestärkten mich darin, mich auf die Orte zu konzentrieren um auch eine für mich neue Arbeitsweise auszuprobieren. Außerdem merkte ich, dass es mir schwer fiel nachzuempfinden, was diese Menschen erlebt haben. Ich habe nichts in meinem eigenen Leben, womit ich ihre Erfahrungen vergleichen könnte. Mir fehlte schlichtweg eine Idee um dieses Lebensgefühl darzustellen.

Traglufthalle Metten, sie wurde als Entlastung der Erstaufnahme Deggendorf errichtet, Januar 2016 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Traglufthalle Metten, sie wurde als Entlastung der Erstaufnahme Deggendorf errichtet, Januar 2016 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Geparkte Schlepperfahrzeuge auf dem Gelände der Bundeswehr Freyung, Januar 2016 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Geparkte Schlepperfahrzeuge auf dem Gelände der Bundeswehr Freyung, Januar 2016 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Registratur, BAMF Nürnberg, Januar 2016 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Registratur, BAMF Nürnberg, Januar 2016 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Gab es einen Schlüsselmoment, in dem du dir gesagt hast „So wie ich das jetzt fotografiere, funktioniert das nicht, ich muss einen anderen Ansatz wählen“? Und wie schwer war es für dich, diesen neuen Ansatz umzusetzen?

Einen solchen Schlüsselmoment gab es eigentlich nicht. Es war eher eine Reaktion auf die unzähligen fotografischen Arbeiten, die in den Jahren 2015, 2016 und eigentlich auch schon vorher entstanden sind. Diese Arbeiten von heroisierten Flüchtlingen, diese dramatischen Emotionen und das Leid sowie andererseits die Dankbarkeit und Freude. Ich wollte bewusst einen Kontrapunkt setzen und nach einer Möglichkeit suchen, wie man diese Geschichten auch leiser erzählen kann.

Konntest du etwas aus dieser neuen Arbeitsweise für dich lernen?

Bei bestimmten Themen muss man über seinen eigenen Schatten springen und die bevorzugte Art und Weise zu fotografieren verlassen. Gleichzeitig habe ich es sehr vermisst, Menschen zu fotografieren. Die konzeptionelle Arbeit und die damit verbundenen Recherchen haben mich dann doch sehr angestrengt.

Bearbeitungsstraße Passau, Januar 2016 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Bearbeitungsstraße Passau, Januar 2016 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Essensausgabe, Patrick Henry Village, Heidelberg, August 2015 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Essensausgabe, Patrick Henry Village, Heidelberg, August 2015 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Container-Küche der Notunterkunft Bauschlott einen Tag vor Bezug, Februar 2015 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Container-Küche der Notunterkunft Bauschlott einen Tag vor Bezug, Februar 2015 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Gibt es ein Bild, das du besonders symbolhaft für das leise Erzählen findest?

Das ist schwierig. Die Geschichte ist zu komplex, um sie auf ein Bild zu reduzieren. Spannend finde ich einerseits die eher harmlosen Fotos aus den Büros. Die Aktenberge sind mal größer, mal kleiner. Mal herrscht eine gewisse Ordnung, mal eine gewisse Unordnung. Man merkt einfach, hier sitzen Beamte, abgeschottet von den Eindrücken und den Schicksalen des einzelnen Menschen. Im Kontrast dazu gibt es Bilder von Unterkünften, bei denen man schon näher an den Schicksalen der Menschen dran ist.

Auch interessant finde ich die Bilder von Flüchtlingsunterkünften, insbesondere von Notunterkünften. Hier spürt man, dass – in typisch deutscher Manier – möglichst zielstrebig und akkurat versucht wurde eine gute Unterkunft zu errichten. Doch dann bricht dieser Ordnungswille zusammen und das System muss kapitulieren, weil man schlichtweg nicht auf die Massen an Menschen vorbereitet war.

Temporärer Betraum, Traglufthalle Metten, August 2015 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Traglufthalle Metten, Januar 2016, die Bewohner haben sich in einer Ecke einen Gebetsraum eingerichtet © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Temporärer Betraum, Esslingen, August 2015 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Temporärer Betraum, Esslingen, August 2015 © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Schlafraum in der Notunterkunft Patrick-Henry-Village, Juli 2015, hier wurden im Sommer 2015 4000 Flüchtlinge beherbergt. Die Notunterkunft war im Gespräch zu einer offiziellen Erstaufnahme umfunktioniert zu werden © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Schlafraum in der Notunterkunft Patrick-Henry-Village, Juli 2015, hier wurden im Sommer 2015 4000 Flüchtlinge beherbergt. Die Notunterkunft war im Gespräch zu einer offiziellen Erstaufnahme umfunktioniert zu werden © Sibylle Fendt / Ostkreuz

Woran arbeitest du gerade?

Wie das im Leben so ist, widerspreche ich mir mit meiner neuen Arbeit. Während meiner mehrwöchigen Touren durch die Bundesrepublik, bin ich im Februar 2015 auf eine Flüchtlingsunterkunft im Schwarzwald gestoßen. Sie wurde vor etwa 10 bis 15 Jahren in einer ehemaligen Pension mitten in der urdeutschen Landschaft des Schwarzwaldes eingerichtet. Zurzeit leben an die 30 Männer in dieser abgelegenen und sehr vernachlässigten Unterkunft.

Sie warten zum Teil sehr lange auf die Entscheidung ihres Asylverfahrens. Im Schnitt sind die Männer dort bis zu zwei Jahre untergebracht und viele von ihnen werden danach in eine sogenannte Anschlussunterbringung verlegt.

Als ich dort zum ersten Mal war kam mir sofort der Gedanke nach einer kleinen, abgeschlossenen Geschichte vor Ort. Und zwar aus einem denkbar einfachen Grund: Wegen der Lage können die Leute dort nicht weg. Das ist mir nicht mehr aus dem Kopf gegangen. Zuerst dachte ich, dass ein männlicher Fotograf eigentlich besser geeignet sei dafür. Doch ich stellte trotzdem eine Anfrage und bekam erstaunlicherweise die Zusage. Nun darf ich mich dort frei bewegen und so lange und so oft fotografieren wie ich will. Dabei habe ich unendlich viel Zeit mich mit ihnen auseinander zu setzen. Unter diesen Voraussetzungen kann ich eine sehr intime Arbeit mit und über diese Flüchtlinge machen.

Danke dir für das Interview.

Sibylle Fendt ist seit 2010 Mitglied der Agentur Ostkreuz. Neben ihrer fotografischen Arbeit unterrichtet sie Fotografie an der Ostkreuzschule und der FH Hannover.

Das Gespräch führte Doro Zinn, Fotografin und Bildredakteurin bei emerge.

We need Change – Bilder im Auslandsbildjournalismus

Ein Gastbeitrag von n-ost.

n-ost ist das größte Netzwerk von Foto- und Textjournalist*innen mit Schwerpunkt auf Osteuropa. Stefan Günther leitet die Bildredaktion von n-ost. Für uns schreibt er über die Herausforderungen von Bildjournalisten in der Auslandsberichterstattung und präsentiert die Texte mehrerer internationeler Fotografen von der n-ost Medienkonferenz „Translating Worlds“.


In der Auslandsbildberichterstattung erliegt man noch schneller als im vertrauten Nachrichtenumfeld der Macht der einfachen Bilder. Betrachter, Redakteure, aber auch die Fotografen selbst scheuen oft die Komplexität der Welt, über die berichtet werden soll zugunsten von einfach verständlichen Mustern.

Die Aufgabe von journalistischen Bildern (oder des einen Teaserbildes) tendiert immer mehr in Richtung Werbebild oder Schubladenetikett. Die Funktion des Bildes, Interesse für ein Thema zu wecken, ist grundsätzlich gut. Gerade der Auslandsjournalismus muss oft verstärkt um Wahrnehmung seiner Themen kämpfen. Denn wen interessiert es in Zeiten von Beiträgen über reale und fiktive Probleme mit Flüchtlingen in Deutschland, warum beispielsweise die Menschen in Mazedonien auf die Straße gehen?
Trotzdem dürfen alle Beteiligten in der Bilderkette nicht der Versuchung nachgeben, das einfach lesbare und das den bereits existierenden Vorstellungen entsprechende Bild zu bevorzugen. Über (Agentur-)Bilder, die losgelöst von ihrem Entstehungskontext beliebig die These des Beitrages untermauern, wird unterbewusst vermutlich sehr stark die Wahrnehmung der Sachverhalte im Beitrag geprägt. Gerade weil die Bilder so einfach lesbar erscheinen und trotz des Wissens um das selektive Wesen der Fotografie werden sie als vermeintlicher Beleg einer These der Redaktion akzeptiert.

Die Autoren der folgenden drei ausgewählten, von n-ost in Auftrag gegebenen Thesen zum aktuellen Internationalen Fotojournalismus formulieren Lösungsansätze für die erwähnten Spannungsfelder. Dabei geht es einmal um die oben beschriebenen inhaltlichen Probleme bei der Auswahl von Bildern im Produktions- und Redaktionsprozess und der damit verbundenen Steuerung von Wahrnehmung der Welt. Zum anderen geht es um konstruktive Überlegungen, wie man mit modernen und vielleicht ungewöhnlichen visuellen Mitteln der Komplexität der Welt und der stereotypen Verwendung von Bildern in den Medien begegnen kann.

Stefan Günther, Leitung Bild bei n-ost


We need change / Dario Bosio

Two images from the series “On the Identity of a Tomato Picker”

Two images from the series “On the Identity of a Tomato Picker” by Dario Bosio

The complete series here.

Photojournalism needs to think beyond the frame.

The repetition of the same tropes, over and over again, has done nothing to foster a better understanding of the world.

On the contrary, it has flattened the depiction of every crisis into a handful of clichés which are quickly forgotten, and the lack of uniqueness of the images fail to make a lasting impression on the audience. Instead, we should be open to working with techniques not traditionally part of photojournalism. Photographers should borrow from portraiture, still life, or even be willing to contaminate our images with external elements. Most importantly, though, we need more openness from the publications themselves. It is futile to bend the frame if nobody publishes the work. The powers that be must break the rules and try something different because the same old thing is not working in our magazines and newspapers anymore. We must be brave enough to jump into the void and experiment, to produce and publish that which breaks the mold.

Dario Bosio specializes in documentary photography. He also works as an editor and a curator. In 2015 he worked as a photo editor at Metrography, the first Iraqi photo agency. He co-produced the project, “Map of Displacement.”


A New Narrative / Delizia Flaccavento

From the series, “Not only Boko Haram” by Delizia Flaccavento

From the series, “Not only Boko Haram” by Delizia Flaccavento

Although there are more photojournalists than ever operating across the globe today, images published in media outlets continue to pander to stereotypes, providing a monotonous narrative of suffering and destruction to the exclusion of all else.

As prior World Press Photo jury secretary Stephen Mayes once noted, “The afflicted, the poor, the injured are photographed way in excess of their actual numbers… 90 percent of the pictures is about 10 percent of the world…From the infinity of human experience, the list of subjects covered by WPP entrants would fill a single page, and could be reduced even to three lines: the disposed and the powerless; the exotic; anywhere but home.”

Take Nigeria, for example, which is usually only featured through the lens of corruption or Boko Haram, the terror group operating in the north. There is a lot more to Nigeria, though.

With the project, “Not only Boko Haram,” I decided to feature a group of nuns running a school for 1,000 students of all ages. The school includes room and board for 100 girls too poor to be able to afford school otherwise, a clinic for the poor and a community service and home visitation program in what was once Biafra. I chose this school to show a side of Nigeria that is often ignored by international media: joyous, despite poverty; stubborn in the face of hardship; and embracing life through sports, music and dance.

Delizia Flaccavento works as a freelance photographer, mainly focusing on social topics. She teaches documentary photography at Bahcesehir University in Istanbul and has collaborated with various NGOs.


Bending Visibility / Nils Bröer

From the series, "Silent Histories," by Kazuma Obara

From the series, “Silent Histories,” by Kazuma Obara

More images from this series can be found here.

The future of photojournalism will be driven by overcoming the classic narrative techniques of linear storytelling to tell stories differently.

By awarding Japanese photographer Kazuma Obara’s “Exposure” series first prize in the 2016 People stories category, the World Press Photo Jury made a point of supporting innovation – a hint as to what the future of photojournalism could look like. It also brings back an essential discussion: The question of how to integrate non-traditional and innovative layers to underscore the story visually.

The series consists of eight frames shot on medium-format film found close to the Chernobyl nuclear power plant. It explores the life of a young woman who was one of the victims of the reactor accident.

What makes this series special is the texture of the photo, which was created by merging different elements to create visual interdependency. The monochromatic images are grainy and bleached out. Radiation has put its stamp on the material – and the photo – both impairing and defining what the viewer sees – and sending an implicit message of the decay caused by radiation.

Nils Bröer studied Cultural Sciences and Media and Mass Communication Sciences. He works as a photojournalist and reporter for various magazines and also keeps busy as an author, answering questions pertaining to photographic theory.


Die Beiträge entstanden im Rahmen des Fotoexperten-Workshops „Beyond the Frame“ auf der n-ost Medienkonferenz „Translating Worlds“ im November 2015 in Berlin.

Alle Thesen, sowie ein E-Paper mit zusätzlichen Essays von Medienexperten u.a. von Donald Weber gibt es auf ostpol, dem onlinemagazin von n-ost.

n-ost ist Medien-NGO und beliefert unter anderem Medien mit Bildern und Texten aus Osteuropa. Dabei arbeitet n-ost in seinem Berichtgebiet langfristig mit freien Bild und Textjournalisten zusammen, die entweder dort leben oder sich regelmäßig dort aufhalten. So entstehen, auch in der Zusammenarbeit mit Textjournalisten, Beiträge, die eine differenzierte Einordnung ermöglichen. Alle Informationen, auch zu den anderen Tätigkeitsfelder von n-ost: www.n-ost.org

Agnes Stubers Ästhetik der Stille

Die Digitalisierung hat unseren Umgang mit Bildern entschieden verändert. Die Frage nach einer Ästhetik des Digitalen drängt sich auf. Die neue Fotostory bei emerge zeigt prototypisch, wie sich Stille und Frieden auch im Digitalen transportieren lässt. Ein Review zu Agnes Stubers Pauli.

Ich lese gerade die letzten Zeilen des Romans die „Entdeckung der Langsamkeit“, als ich mit dem Text für diesen Blog beginne. Das Buch handelt von dem Entdecker Sir John Franklin, der 1847 auf der Suche nach der Nordwestpassage mit samt seiner Mannschaft im Polareis zu Tode kommt. Als die Verschollenen gefunden werden, heißt es:

„Die Zeit war zu lang für sie. Wer nicht weiß, was Zeit ist versteht kein Bild, und dieses auch nicht.“ Der Einzige, der nicht zuhörte, war der Photograph der Illustrated News, der eilends seinen Apparat, System Talbot, in Stellung brachte, um den Zustand der Skelette im Bild festzuhalten.

Seit dem Medienboom der achtziger Jahre wird die Gefahr der Übersättigung mit medialen Spektakeln verstärkt diskutiert. Der Kunsthistoriker Jonathan Crary meint, dass die sogenannte Kultur des Spektakels weniger darauf aufbaut, Menschen sehend zu machen als sie Zeit in einem Zustand der Ohnmacht erleben zu lassen. Die Medienwelt, so die These des Filmwissenschaftlers Thomas Elsaesser, produziere einen geradezu traumatischen Modus der Zuschauerschaft, der aus flexibler Aufmerksamkeit und selektiver Abstumpfung besteht und sich in der Flachheit von Erinnerungen und der Spurenlosigkeit von Gewalt äußert.

Aus der Serie "Pauli" von Agnes Stuber © Agnes Stuber / emerge

Aus der Serie “Pauli” von Agnes Stuber © Agnes Stuber / emerge

Vom Medienboom zur Ästhetik des Digitalen

Auch Film- und Videokünstler beschäftigen sich seither verstärkt mit der Omnipräsenz medialer Bilder in Film und Fernsehen, insbesondere deren narrativen und zeitlichen Strukturen. Sie verwenden vorgefundenes Material und verfremden dessen zeitlichen Ablauf, um die Konstruktion von Realität in den Medien bewusst zu machen oder die Aufmerksamkeit auf minimale Details und Ereignisse zu lenken. Douglas Gordon etwa dehnt den zweistündigen Hitchcock Film „Psycho“ auf vierundzwanzig Stunden aus. Omer Fast benutzt die Montage, um die scheinbare Geschlossenheit von Erzählungen aufzubrechen und die Konstruiertheit medialer Berichte aufzuzeigen. In seiner Arbeit „CNN Concatenated“ zerstückelt er Nachrichtenbeiträge und setzt sie zu neuen Botschaften zusammen, die sich direkt an den Zuschauer wenden (‘I need your attention. I need to know I’m being listened to’; ‘You recycle anything older than a day. Anything that carries a history is dangerous’). Fotokünstler und Kunstwissenschaftler Jeff Wall widmet sich in „Dead Troops Talk“ dem Thema Fotojournalismus und der Darstellbarkeit geschichtlichen Grauens. Indem er ein historisches Gemälde fotografisch reinszeniert, stilisiert und bis ins Groteske übersteigert, verwandelt es sich je nach Lesart in eine philosophische Tragödie oder Komödie.

Der Bildjournalismus allerdings kann sich im Gegensatz zum Künstler von seinem Anspruch, die Wahrheit zu dokumentieren per se nicht völlig lösen und ein Foto bietet im Vergleich zum Film oder zur Sprache kaum Möglichkeiten, sich selbst (kritisch) zu reflektieren. Trotzdem oder gerade deswegen muss der Fotojournalismus sich die Frage gefallen lassen, ob der Anspruch die Betrachter aufzuklären oder sogar durch emotional starke Bilder aufzuwecken, „realistisch“ ist.

Aus der Serie "Pauli" von Agnes Stuber © Agnes Stuber / emerge

Aus der Serie “Pauli” von Agnes Stuber © Agnes Stuber / emerge

Eine aktuellere Kritik bezieht sich auf die Ästhetik digitaler Bilder: die heutigen digitalen Bilder seien lärmend und dröhnend, ohne Stille, ohne Melodie und Duft, schreibt Byung-Chul Han, Professor für Philosophie und Kulturwissenschaft in seinem Text „Bitte Augen schließen“. Er bezieht sich dabei auf Roland Barthes Studie zur Fotografie „Die helle Kammer.“ Darin heißt es: „Die Fotografie muss still sein. Das ist keine Frage der Diskretion, sondern der Musik. Die absolute Subjektivität erreicht man nur in einen Zustand der Stille, dem Bemühen um Stille (die Augen schließen bedeutet das Bild in der Stille zum Sprechen bringen).” Hans Text ist eine Kritik nicht nur an der Ästhetik des Digitalen sondern am Zustand der heutigen (Müdigkeits)gesellschaft, die die Zeit selbst in Geiselhaft nimmt. Er fordert eine Zeitrevolution, die der Zeit ihren Duft zurückgibt und eine Zeit des Anderen ist, weil sie sich der Beschleunigung entzieht.

Pauli: Nicht glücklich, aber in Frieden

Vor diesem Hintergrund gefragt: Was gibt es denn da zu sehen in der Serie Pauli von Agnes Stuber?

Aus der Ferne sieht man am linken Rand des ersten Bildes einen Mann über ein Eisfeld laufen. Er ist klein, wirkt etwas verloren in der weiten Landschaft und außerdem irgendwie an den Rand gerutscht. Bildbeherrschend ist die weiße Schneefläche, in der das Eis kleine Muster hinterlassen hat. Ebenfalls nur angeschnitten am oberen Bildrand ist eine Gruppe kahler Bäume zu erkennen. Das kleine rote Haus im Wald am unteren Rand des nächsten Bildes wirkt fast eben so verloren. Ein Einsiedler also, der sich in den Wald zurückgezogen hat. Beim ersten Überblick auf die Serie stellen sich bei mir folgende Assoziationen ein: Winter, Lebensabend, Kälte, schwindendes Licht, Monotonie, Einsamkeit, Leere aber auch Ruhe, Stille.

Dann seh ich die Bilder genauer an: Thema und Bildsprache erinnern zunächst an die Romantik, allerdings hat die Natur nichts Erhabenes und der Blick der Fotografin nichts Sentimentales. Auf den nächsten Bildern verliert dieser Blick seine Distanz, jedoch ohne aufdringlich zu werden. Bildfüllend das Gesicht des Mannes, dessen Ausdruck: uneindeutig. Ist er glücklich, einsam? Vielleicht nicht glücklich, aber scheinbar in Frieden mit sich und seinem kleinen Reich. Die Bildkomposition hat nichts Dynamisches und rückt scheinbar Nebensächliches, Unspektakuläres in den Fokus: den Stamm einer Birke, Schneeflocken auf einer Wollmütze, ein Fenster mit einer verwelkten Orchidee, ein Stapel Holz, Hausschuhe. Die geringe Schärfentiefe lenkt den Blick auf winzige Details, wie die Strukur einer Schneeflocke, die leise auf der Wollmütze gelandet ist.

Aus der Serie "Pauli" von Agnes Stuber © Agnes Stuber / emerge

Aus der Serie “Pauli” von Agnes Stuber © Agnes Stuber / emerge

Der Blick der Fotografin ist ein einfühlsamer Blick, weil es auch der Blick des Protagonisten sein könnte. Sie konzentriert sich auf die Dinge, die für ihn wesentlich sind: Essen, Spazieren, Holzhacken, die Gesellschaft einer Katze. Die Bilder erzählen von einem unspektakulären Tagesablauf, in dem aber alles irgendwie seine Zeit und seine Mitte gefunden zu haben scheint. Eine Stärke des visuellen Geschichten-Erzählens, das zeigt diese Serie, liegt darin, andere Wahrnehmungsweisen und Zeitlichkeiten zu eröffnen. Wenn das gelingt, davon gehen phänomenologische Bildtheorien aus, kann der Betrachter mehr von der Welt und sich selbst fühlen, sehen, erfahren und erinnern als im alltäglichen Leben. Dafür müssen sich aber beide Zeit nehmen und ab und zu die Augen schließen: Fotograf und Betrachter. Agnes Stuber scheint sich die Zeit genommen zu haben.

Von Alexandra Horn, Medienwissenschaftlerin und Textredakteurin bei emerge

Junger Fotojournalismus im Fokus

Liebe Leserinnen und Leser,

mit großer Freude übernehmen wir von emerge ab heute für einen Monat den Hatje Cantz Fotoblog. Im Laufe der nächsten Wochen werden wir unseren Fokus auf jungen Fotojournalismus legen. Wir möchten euch spannende fotografische Positionen vorstellen und euch zeigen vor welchen Herausforderungen Fotojournalisten*innen heutzutage stehen.


Der digitale Wandel

Die Medienlandschaft hat sich durch den digitalen Wandel dramatisch verändert. Die klassischen Printmedien kämpfen weiterhin gegen schwindende Auflagenzahlen und suchen nach neuen Geschäftsmodellen, um in der digitalen Zukunft bestehen zu können. Inmitten dieser Umwälzungen finden sich junge Fotojournalisten*innen vor den großen Unsicherheiten eines Lebens als Freiberufler wieder: schlechte Honorare, wachsender Konkurrenzdruck und verschwindend geringe Chancen für eine Festanstellung. Hinzu kommt die schnelle technologische Entwicklung, welche auch die Anforderungen an das Berufsbild ständig verändern. Zunehmend erwarten Redaktionen, dass Fotojournalisten*innen über die reine Fotografie hinaus auch multimediale Inhalte (Video, Audio) liefern und textliche Elemente beisteuern oder etwa ein Interview mit einem Protagonisten führen können. Der klassische Fotojournalismus entwickelt sich in eine modernere und noch komplexerer Form: Visual Journalism. Hierbei ist es selbstverständlich, dass Fotojournalismus, Videojournalismus, Dokumentarfilm und interaktives Storytelling im Web sich zunehmend überschneiden. Es entstehen neue visuelle Reportageformen, die vor allem über digitale Kanäle gestreut werden. Dies stellt auch die Ausbildungsstätten für Fotojournalisten*innen vor neue Anforderungen. Der wunderbare Fotograf und Filmemacher Tim Hetherington, der leider 2011 in Misrata, Libyen während seiner Arbeit getötet wurde, brachte es schon 2010 auf den Punkt:

“I encourage the students to look at many different forms. Not to say, ‘I am a photographer,’ but to say: ‘I am an image maker. I make still or moving images in real-life situations, unfiltered and un-photoshopped. I am going to look into how I can put this into different streams for different audiences; maybe some on the Web, some in print.“


Mut, Haltung, Verantwortung

Während manch einer nostalgisch zurückblickt auf die „goldenen Zeiten“, in denen man mit journalistischer Fotografie noch gutes Geld verdienen konnte, schaut die junge Generation nach vorne und sucht sich neue Wege, um ihre Geschichten zu erzählen und zu vermarkten.

Sie tun dies mit einer beeindruckenden Überzeugung und großem Mut. Und sie sind besser ausgebildet als je zuvor. Die zunehmend journalistisch-fundierte Ausbildung sorgt dafür, dass die junge Generation mehr will als starke Bilder – sie wollen starke Geschichten. Ihr Handwerk besteht darin ein gesellschaftsrelevantes Thema zu finden und sich diesem angemessen zu nähern. Sie entwickeln eine Bildsprache und wählen unterschiedliche, dem Thema angepasste Erzählformen. Zusehends spielen dabei auch die Verwendung von multimedialen Elementen und Online-Publikationen eine Rolle und fordern gegenüber der klassischen Zeitungs- und Zeitschriftenfotografie ihre Stellung ein.

Aus der Serie "Was bleibt?" von Ricardo Wiesinger © Ricardo Wiesinger / emerge

Aus der Serie “Was bleibt?” von Ricardo Wiesinger © Ricardo Wiesinger / emerge

Mit diesen Entwicklungen gehen aber auch ständige Herausforderungen und eine große Verantwortung einher, die Fotojournalisten*innen übernehmen müssen. Man kann durch die Auswahl und Zusammenstellung bestimmter Bilder auch einer Person schaden, z.B. in dem man Fakten verdreht oder den Kontext verzerrt. Gerade auch weil Foto- und Textjournalisten*innen immer seltener im Team auf Reportagereise gehen, müssen Fotografierende genau wie schreibende Journalisten*innen sehr gründlich recherchieren, sich tiefergehend mit ihrem Thema auseinandersetzen und das Vertrauen ihrer Protagonisten gewinnen. Schließlich gehen sie damit an die Öffentlichkeit und schaffen Aufmerksamkeit. Dies hat wiederum Risiken zur Folge, denn gerade bei der Veröffentlichung im Internet kann eine Geschichte auch in kürzester Zeit starke Verbreitung finden. Diese Verantwortung muss jedem bewusst sein. Gerade deshalb ist es wichtig eine fundierte Ausbildung zu durchlaufen und nach journalistischen Grundsätzen und Sorgfaltspflichten zu arbeiten.


Fotojournalismus ist unverzichtbar

Trotz aller Schwierigkeiten sind wir überzeugt, dass junger Fotojournalismus unglaublich lebendig ist und die zeitgenössischen Arbeiten mitunter stärker sind als je zuvor. Die Arbeiten, welche heutzutage entstehen, brauchen Wochen, Monate, manchmal Jahre, um am Ende eine Kraft und Tiefe zu entwickeln, mit der sie sich von der alltäglichen Bilderflut absetzen können. Doch kaum eine Redaktion verfügt noch über die Ressourcen, um solche Projekte zu finanzieren. De facto müssen Fotojournalist*innen also in Vorleistung gehen und sich selbst finanzieren, im Idealfall durch andere journalistische Fotojobs, aber auch durch Porträt-, Corporate-, Event-, Produkt oder sogar Hochzeitsfotografie, oder im Zweifelsfall eben doch durch gänzlich andere berufliche Standbeine. Auch neue Wege wie Crowdfunding oder das Anbieten von Weiterbildungen können der Finanzierung dienen. Das ein oder andere Stipendium gibt es glücklicherweise auch noch – leider nur viel zu wenige.

Aus der Serie "Kurze Beine, große Schritte" von Patrick Junker © Patrick Junker / emerge

Aus der Serie “Kurze Beine, große Schritte” von Patrick Junker © Patrick Junker / emerge

Und dennoch gibt es unzählige Fotojournalisten*innen, die sich nicht dafür zu schade sind, die unbeliebten Jobs zu machen, um die nächste Reise für das Herzensprojekt zu finanzieren. Diesen Leuten gilt eine ordentliche Portion Anerkennung und Respekt, denn sie leisten einen wichtigen Beitrag zum öffentlichen Diskurs, und das nicht primär für Geld, sondern aus Überzeugung und einer Haltung heraus, die Missstände auf dieser Welt nicht einfach hinnehmen zu wollen. Gerade wenn sie Geschichten erzählen, die abseits des Medienrummels stattfinden und eine differenzierte, menschliche Sicht auf Themen ermöglichen, tun sie der Gesellschaft einen unschätzbaren Dienst.

Für genau diese jungen Fotojournalisten*innen haben wir vor über fünf Jahren unsere Plattform geschaffen. Wir konnten es nicht ertragen, dass wunderbare Geschichten aufgrund schwindender Veröffentlichungsoptionen in der Schublade landen und nicht gesehen werden.

Kevin Mertens
Gründer und Chefredakteur

(un)Wanted bei BredaPhoto 2016

Nächsten Monat beginnt das Fotofestival “BredaPhoto“. Wie der Name schon sagt, das Festival findet in Breda im Süden der Niederlande statt. Ich werde dort auch mit einer Ausstellung vertreten sein. Zu dem Anlass möchte ich gerne ein paar Sätze über das Festival sowie mein Projekt schreiben.

Vor einigen Monaten bekam ich eine Anfrage, ob ich eine neue Serie für das diesjährige Festival fotografieren will. Es ist eins der größten Fotofestivals der Niederlande und findet dieses Jahr zum 7. Mal statt. Ich war persönlich noch nie dort, aber habe bereits einige interessante Dinge über das Festival gehört. Die Ausstellungen sind auf über 25 Locations in der ganzen Stadt verteilt, insgesamt stellen rund 70 Fotografen ihre Arbeiten aus und es werden um die 80 000 Besucher erwartet. Mainact ist der Magnumfotograf Carl de Keyzer mit seiner Arbeit “Cuba, La Lucha“, wofür er die kubanische Transformation vom kommunistischen Regime hin zum Kapitalismus dokumentierte.
Doch es gibt auch eine Vielzahl anderer Aktivitäten, wie eine Masterclass, verschiedene Lesungen und Diskussionsrunden oder Führungen und Workshops. Das Festival beginnt am 15. September und endet am 30. Oktober.

Announcing the BredaPhoto 2016 theme from BredaPhoto on Vimeo.

Das diesjährige, Thema des Festivals lautet “You“. Ich konnte anfangs nicht viel mit diesem vorgegebenen, abstrakten Thema anfangen. Es erinnerte mich irgendwie an die Aufnahmeprüfungen fürs Fotografiestudium. Damals musste ich mich auch mit Themen wie “Heimat“ oder “Kontrast“ herumschlagen, um einen der begehrten Studienplätze zu bekommen. Ich hatte aber große Lust an dem Festival mitzuwirken und nahm dies als Anlass ein neues Projekt zu beginnen.

Zu meiner Arbeit:
Da es in unserer Gesellschaft immer mehr Menschen gibt, die auf selbstständige Weise ihr Geld verdienen, war die Idee des Kurators, eine Reportage über ein Unternehmen zu machen, das auf innovative Art und Weise eine Lösung für ein bestehendes Problem gefunden hat.
Nach einigem Grübeln hatte ich die Idee, eine Geschichte über ein Unternehmen zu fotografieren, auf das ich schon vor längerer Zeit aufmerksam geworden war. Ich war damals auf einem Festival in Amsterdam und aß dort Gänsebrust bei einem improvisierten Essensstand. Es schmeckte gut, allerdings brach ich mir an einem Schrotkorn beinahe einen Zahn aus. Auf die Frage ob und wo denn die Gans geschossen wurde erzählte die Köchin mir, dass sie auf dem Amsterdamer Flughafen erlegt wurde. Ich kam mit ihr ins Gespräch und es stellte sich heraus, dass sie zusammen mit ihrem Freund, Essen aus Schädlingstieren zubereitet – sie nennen sich “Die Küche des unerwünschten Tieres”.
Ich musste gleich an diese Begegnung denken, als mir der Kurator von seiner Idee erzählte. Ich nahm also Kontakt mit ihnen auf und bekam eine Zusage. Kurz darauf begann ich Nicolle und Rob, die beiden Initiatoren des Projektes fotografisch zu begleiten.
Die beiden sind ein Künstlerpaar, das die Küche des unerwünschten Tieres ins Leben gerufen hat. Sie wollen auf die Verschwendung von Fleisch von Schädlingstieren, was sich perfekt für den menschlichen Verzehr eignet, aufmerksam machen.
Auf der Karte der Beiden stehen, außer Flughafengänsen, noch eine Vielzahl anderer Tiere, die der Mensch als minderwertig betrachtet. Sie verwenden beispielsweise Stadttauben, Bisamratten, Flusskrebse, Ponys, Füchse oder Krähen für ihre Gerichte. Am besten laufen Gänsekroketten und der “My little Pony Burger“.
Ich habe aber nicht nur Nicolle und Rob begleitet, sondern bin auch mit auf die Jagd nach Schädlingen gegangen. So habe ich z.B. einen “Schädlingsbekämpfer“ beim Taubenfangen in Amsterdam oder eine Flusskrebsfischerin bei der Arbeit begleitet.
Bei dem Festival werden 21 Bilder aus der Serie ausgestellt. Die Ausstellung befindet sich bei STEK, einer Art kreativem Industriegebiet auf dem Festivalgelände. Ich werde die erste Woche in Breda sein und bin gespannt darauf.








Elefantenumzug Malawi

Ich möchte heute gerne ein aktuelles Projekt vorstellen. Ich war im letzten Monat in Malawi und habe eine groß angelegte Elefantenumsiedlung fotografiert. Für diejenigen die nicht wissen wo Malawi liegt (ich hatte bis dato auch keine Ahnung), hier mal eine Karte.


Ich war dort im Auftrag der niederländischen Tageszeitung “De Volkskrant“, für die ich schon viele Aufträge im Ausland fotografiert habe. Ich schätze mich sehr glücklich, für diese Zeitung arbeiten zu können. Welche andere (Tages)Zeitung schickt noch Schreiber und Fotografen für 10 Tage in die afrikanische Savanne, um eine Reportage umzusetzen?

Wir haben die erste Phase der Umsiedlung von insgesamt rund 500 Tieren begleitet. Die “Capture“, also das einfangen der Tiere, fand im südlich gelegenen “Liwonde National Park“ statt. Dieser Park verfügt noch über eine relativ stabile Elefantenpopulation. Das Management wurde vor kurzem von der gemeinnützige Naturschutz-Organisation „African Parks“ mit Sitz in Südafrika übernommen.
Da der Wildpark für afrikanische Verhältnisse nicht besonders groß ist, kommt es in Liwonde immer wieder zu Problemen mit Elefanten, die in Dörfer eindringen und dort Felder verwüsten. Um dies zu verhindern, aber auch um die Tiere besser vor Wilderern schützen zu können, wurde die Entscheidung zu dieser wohl größten Elefantenumsiedlung aller Zeiten getroffen. Neue Heimat der Tiere ist das etwa 350 Kilometer weiter nördlich gelegene „Nkotakota Wildlife Reserve“. Hier hat African Parks eine Schutzzone eingerichtet, die von einem hochmodernen Elektrizitätszaun umrandet ist. So soll kein Wilderer mehr rein und kein Elefant mehr raus kommen.
Vor wenigen Tagen erreichte uns allerdings die Nachricht, dass ein Elefantenbulle aus der Schutzzone ausgebrochen ist und eine 40 Kilometer lange Spur von Verwüstung in den umliegenden Dörfern hinterlassen hat. Er tötete drei Menschen und wurde letztendlich von Rangern erschossen. Dies hinterlässt doch einen bitteren Beigeschmack bei der ansonsten sehr erfolgreichen Aktion.

Ich persönlich bin ausnahmsweise ziemlich zufrieden mit dem Trip. Meist habe ich nach intensiven Reisen die Angst, nicht fertig geworden zu sein oder etwas verpasst zu habe. Dieses Gefühl hielt sich bei unserer Abreise aus Malawi aber in Grenzen.
Dazu kommt, dass es natürlich ein extrem fotogenes Thema war und wir als Team von Fotograf und Schreiber gut funktioniert haben (was nicht immer selbstverständlich ist). Das Thema an sich fand ich sehr spannend. Ich arbeite häufig an Themen die einen Bezug zu der Natur haben. Mich reizt es zu dokumentieren wie der Mensch in die Natur eingreift, sie lenkt, sie sich zu nutzen macht oder sie ausbeutet. Ich habe in der Vergangenheit schon viele Reportagen zu diesen Themen fotografiert. Bergbau, Abholzung oder auch andere Tierumsiedlungen – irgendwie beginne ich einen roten Faden zu erkennen, bei Themen die mir am Herzen liegen.

Der Junge in der Ambulanz

Der Krieg in Syrien hat seit gestern ein weiteres ikonisches Foto dazu bekommen. Seit Donnerstagmorgen kursiert das Bild eines syrischen Jungen durch die sozialen Netzwerke, der staubig und blutverschmiert in einem Rettungswagen sitzt. Inzwischen wissen wir, dass der Junge fünf Jahre alt ist und Omran Daqneesh heißt. Er wurde kurz zuvor aus den Trümmern seines Elternhauses in Aleppo geborgen, nachdem dieses von einem Luftangriff getroffen wurde. Kriegsroutine sollte man zynisch behaupten können.
Heute morgen, im Kiosk bei mir um die Ecke, schaut mich der blutverschmierte Junge von ziemlich jeder Zeitungstitelseite aus an. Er ist über Nacht zum Symbol für den nun fünf Jahre tobenden Krieg geworden.


Nach und nach tauchen immer mehr Informationen auf. Anscheinend hat der Rest seiner Familie das Bombardement ebenfalls überlebt. Beide Eltern und alle drei Geschwister seien allerdings ebenfalls verletzt. Auch ihr Haus sei zerstört worden. Mindestens drei Menschen starben bei dem Angriff.
Auch eine längere Version des Videos ist nun auf der Website des Guardian zu finden. Hier sieht man wie der traumatisierte Junge auf dem Arm eines Mannes aus dem zerstörten Haus getragen und in der Ambulanz auf einen Stuhl gesetzt wird. Daraufhin verschwindet der Mann wieder und die Szene in der Omran sich verstört an den Kopf fasst wird gefilmt.
Das Material wurde vom „Aleppo Media Center“ (AMC) verbreitet, eine oppositionelle Gruppierung, die das Elend im Osten Aleppo’s dokumentiert.
Mr. Ahmad, einer der lokalen Journalisten, der die Szene filmte, zeigte sich verwundert über die grosse Aufmerksamkeit die sein Video bekommt: “Als Journalist in Aleppo sehe ich tausende solcher Situationen. Omrans Fall ist nur einer von vielen…“

Ich finde Bilder wie diese werfen immer viele Fragen auf: Sollte oder muss man sie sogar zeigen? Bezwecken oder verändern sie etwas? Werden wir von ihnen manipuliert?

Schaut man sich auf Twitter um, wird klar wie das Bild instrumentalisiert wird:




Wie kommt es, dass mache Bilder so viel Aufmerksamkeit bekommen, tausendfach geteilt und veröffentlicht werden und uns an das Grauen von Krieg, Verfolgung oder Flucht erinnern?
Ich habe gerade bei Googles Bildersuche “Injured child Syria“ eingegeben und bekam zahllose grauenhafte Bilder zu sehen. Viele deutlich schlimmer als das Foto von Omran. Einige wenige kannte ich bereits (wahrscheinlich auch nur, weil ich selber Fotojournalist bin), doch den Großteil hatte ich noch nie vorher gesehen.
Anne Barnard, Korrespondentin der New York Times für Syrien und den mittleren Osten, fragte sich das in ihrem gestrigen Artikel auch und hat folgenden Erklärungsversuch:

“Maybe it was his haircut, long and floppy up top; or his rumpled T-shirt showing the Nickelodeon cartoon character CatDog; or his tentative, confused movements in the video. Or the instant and inescapable question of whether either of his parents was left alive.“

Ich denke Schreckensbilder wie dieses, die erst in einen viralen Hype landen und daraufhin von den grossen Zeitungen und Nachrichtensendern übernommen werden, müssen bestimmte Voraussetzungen erfüllen.
Sie müssen uns emotional hart treffen, ebenso müssen sie schocken. Dennoch dürfen sie nicht zu grausam sein. Sie brauchen etwas Unschuldiges. Denkt an das Bild des ertrunkenen Jungen an einem türkischen Strand – Aylan Kurdi war sein Name. Vor etwa einem Jahr tauchte das Bild plötzlich in sozialen Medien auf und war für einige Zeit nicht mehr aus den Nachrichten wegzudenken. Es wurde zum Symbol für die Flüchtlingskrise.
syrian cartoon

Inhaltlich hatte das Foto einige Parallelen zu dem Bild von Omran. Beides sind Bilder von Kindern, die Opfer eines Krieges geworden sind. Beides unschuldige Jungen und beide Bilder zeigen keine abgerissenen Gliedmassen, sondern kommunizieren auf eine andere, eine subtilere Art das Schrecken des Krieges. Der “Durchschnittsbürger“ muss sie sich angucken können und doch muss sich das Bild in unser kollektives Gedächtnis einbrennen.

Zugegeben, das Foto von Omran ist blutig, aber er hat überlebt! Scheinbar wäre ein totes Kind zu hart gewesen. Auch das Video von der Szene ist genau genommen ein sehr ruhiges. Ein Junge sitzt blutverschmiert auf einem Stuhl, er schreit oder weint aber nicht, wir hören auch keine Kriegsgeräuche, keine Schüsse oder Einschläge und doch wissen wir alle welchen Horror dieser junge Mensch gerade durchmacht.

Ich bin mir sicher, dass uns dieses Bild noch einige Tage verfolgen wird. Vielleicht bekommt Oman Daqneesh sogar einen Wikipedia Eintrag. Doch dann werden werden wir ihn wahrscheinlich langsam wieder vergessen…. und der Krieg in Syrien geht weiter.

Drohnen, überall Drohnen!

Passend zum Neustart in Hamburg habe ich mit zwei Freunden in eine professionelle Drohne investiert. Ich bin eigentlich nicht besonders an Technik interessiert, doch dieses Stück Hightech ist sehr beeindruckend. Es ist eine DJI Inspire 1 Raw (falls das jemandem was sagt…), kostet mit Zubehör rund 7000€ und ist vollgestopft mit schlauen Sensoren und blinkenden Lämpchen.
Wir haben uns aus verschiedenen Gründen entschlossen eine Drohne anzuschaffen. Wie gesagt, die Technik ist nicht der Hauptfokus, vielmehr ist es die neue Perspektive als Zusatz zu dem was wir als Fotojournalisten eh machen – Nämlich Geschichten erzählen. Natürlich müssen wir zu diesem Zweck Herr dieses komplexen Gerätes werden und die vielen Knöpfe betätigen können. Dies kostet Zeit Nerven und Übung. Nach einer ersten Bruchlandung in einer Tanne ist das Gerät allerdings gerade im “Krankenhaus“.

Übung macht den Meister. Illegaler Drohnenflug im Garten. © Julius Schrank

Übung macht den Meister. Illegaler Drohnenflug im Garten. © Julius Schrank

Wenn man sich in der Welt der Luft und Drohnenfotografie mal umschaut, fällt mir auf, dass die Leute eher technikversierte Amateure als professionelle Fotografen sind. Deshalb gibt es zahlreiche Anbieter für Drohnenaufnahmen. Meist findet man auf deren Websites Aufnahmen von Firmengeländen, Hochzeiten oder Blumenfeldern. No offence, doch ich denke eine Drohne bietet auch im Bereich der journalistischen Fotografie viele Möglichkeiten und ist weit unterschätzt. Bei meiner Recherche fiel mir auf, dass es noch nicht viele Beispiele gibt, bei denen die Vogelperspektive als erzählerisches Mittel für journalistische Geschichten genutzt wird.
Ein paar Arbeiten habe ich jedoch gefunden und möchte diese gerne vorstellen:

Thomas van Houtryve’s Arbeit „Blue Sky Days“ ist so eine. Van Houtryve hat in den USA Luftbilder von Situationen gemacht, die an den US Drohnenkrieg in Pakistan oder dem Jemen erinnern, der bisher tausende Zivilisten das Leben kostet hat. Er nimmt uns mit in die Welt eines Drohnenpiloten der U.S.Army der aus einem Kontrollzentrum in Nevada oder New Mexico über Leben und Tod am anderen Ende der Welt entscheidet. Dazu überflog Van Houtryve Orte und Situationen des alltäglichen Lebens in den USA. Von oben betrachtet hätten diese Bilder ebenso im afghanisch-pakistanischem Grenzgebiet gemacht sein können. Schaut man genauer hin, entpuppt sich zum Beispiel die Ansammlung betender Muslime als eine Yogasession im Park von San Francisco.

Suspect behavior - People exercise in a public park in San Francisco. Aus der Serie "Blue Sky Days". © Tomas van Houtryve

Suspect behavior – Menschen beim Workout in einem öffentlichen Park in San Francisco. Aus der Serie “Blue Sky Days”. © Tomas van Houtryve

Ein weiteres Beispiel ist die Arbeit des italienischen Fotografen Rocco Rorandelli. Er fotografierte die Flüchtlingsroute quer durch Europa aus der Vogelperspektive. Seine Aufnahmen zeigen Menschen auf der Flucht, irgendwo zwischen Griechenland und Deutschland. Auf dem ersten Blick wirken die Bilder anonym, aus großer Distanz aufgenommen, fast wie Ausschnitte aus einer Landkarte. Doch schaut man genauer, offenbaren sie zahlreiche Details – der Müll entlang des Weges, Schlangen bei einer Essensausgabe, Menschen die sich gegenseitig aus dem Matsch ziehen.
Mich erinnern einige der Aufnahmen an Ameisenstraßen, die sich durch die Natur ziehen. Irgendwie planlos und doch scheinen alle ein Ziel zu verfolgen.

Aus Rocco Rorandelli's Serie: "Trans Europe Migration".

Aus Rocco Rorandelli’s Serie: “Trans Europe Migration”.

Fakt ist: Drohnen sind angesagt und ein neuer Verkaufshit. Vor kurzem war ich im Mediamarkt und sah dort ein Angebot von ca. 20 Drohnen in verschiedensten Ausführungen und Preiskategorien. Es gibt auch bereits ein Drohnen-Pendant zu Instagram; Es heißt (wie auch sonst)  “Dronestagram“. Letzten Monat wurde zum dritten mal der “International Drone Photography Award“ von Dronestagram und National Geographic verliehen. Es wurden über 6000 Bilder eingesendet….

Allerdings werden Drohnen mittlerweile weitaus breiter eingesetzt als zum Fotos machen und Krieg führen. So wurde Ende 2014 in Londons größtem Kultur und Konferenzzentrum, dem “Barbican“ eine life musik-performance mit verkleideten Drohnen aufgeführt: Das Loop>>60Hz. Dabei wurde die Stimme des Sängers von den Drohnen, an denen Lautsprecher befestigt waren, durch den Theatersaal getragen. Auch der Cirque du Soleil entwickelte eine beeindruckende Performance bei der Mensch und 10 Quadrocopter synchron miteinander Tanzten.

Wie sich die Drohenfotografie in Bereich der erzählerischen Fotografie weiterentwickeln wird bleibt abzuwarten. Ich denke, wir werden in Zukunft noch einige innovative Projekte zu sehen bekommen.

Neue Stadt, neues Leben…… und jetzt?

Dies ist also mein erster Blogeintrag. Unbekanntes Terrain. In der Regel beschränkten sich meine schreiberischen Fähigkeiten auf Exposés und das Beantworten von E-mails.

Wie oben angekündigt bin ich Fotojournalist und habe die letzten 6 Jahre in den Niederlanden gelebt und hauptsächlich auch dort gearbeitet. In erster Linie war ich als News- und Porträtfotograf für eine große Tageszeitung tätig. Als fester Freier – immer auf Abruf, immer on-the-road. Seit wenigen Wochen habe ich die Vorzüge eines mehr-oder-weniger festen Einkommens aufgegeben und bin mit Freundin und junger Tochter nach Hamburg gezogen.

Ich möchte diesen Blog unter anderem nutzen, um über Erfahrungen, Herausforderungen und Chancen zu schreiben, die ein solcher Standortwechsel für einen (doch noch relativ) jungen Fotografen mit sich bringt. Ebenso will ich etwas von meinen aktuellen Arbeiten und Projekten zeigen. Ich freu mich drauf….


Monsanto: A Photographic Investigation

I am an avid maker and viewer of photo books, but gradually I have come to think that this two word term can be as much of a shackle on interesting work as it is a useful genre distinction. The best photo books are not really photo books at all. They are just books, which might predominantly contain photography and which might employ and manipulate it in ways which have the nuance and subtlety you would expect from the photography world, but which avoid letting this nuance define them. They are books which, rather than becoming bogged down in design fads and trends, or in self-referential and irrelevant ponderings about the specificities of photography, have something that they urgently need to say about the world, and which they need to say to as wide an audience of possible.

In all the many books I view each year, I encounter relatively few which really seem to do this, and particularly at the Rencontres d’Arles Festival where there was a staggering number of books on display I discovered only a handful amongst the works shortlisted for the various prizes which spoke to me in this way. One of these few titles was Mathieu Asselin’s Monsanto: A Photographic Investigation, which received the honourable mention in the festival’s LUMA dummy book award. In it Asselin uses photography as an investigative tool to probe and reveal the consequences of the practices and products of the multinational agrochemical corporation Monsanto in Vietnam and it’s home country of the United States. These activities are immensely broad, but those documented in the book share the common trait that they have had severe long term consequences for the communities where Monsanto’s products have been developed or deployed.


In some respects Asselin is revisiting depressingly familiar territory. He looks for example at the company’s manufacturing of the toxic defoliant Agent Orange during the Vietnam War, considering the well-known consequences for Vietnamese today through a series of gruelling images of Vietnamese people with severe physical and mental defects caused by dioxin poisoning. What makes this book distinct though is the way he connects threads and links issues which other photographers might have treated in isolation. For example alongside these images from Vietnam he considers how United States servicemen exposed to the chemicals have also subsequently had children with birth defects likely to have been caused by the chemical, as in two striking images of Helen Bowser, the daughter of a former serviceman. In one striking image Bowser’s hand holds a photograph of her father in military uniform, only after a moment do you notice the misshapen fingers which clutch the print.

In another sequence of the book Asselin examines Monsanto’s contemporary diversification and development of genetically engineered crops, designed to resist herbicidal chemicals like the corporation’s Roundup weed killer. Asselin highlights the way the company treats these engineered crops as a patented product, forcing farmers to purchase seeds each year rather than resowing from the seeds of a previous crop, and litigating against those who don’t, a policy which has led to a spate of cases and bankruptcies. As Asselin pointed out when I met him in Arles, this idea of seed crops as corporate property is an entirely new and frightening development, which takes ownership away from the farmers for the first time in history.


Another important component of the book is the reproduction of material from some of Monsanto’s own advertising campaigns, which arrayed alongside Asselin’s documentation of the fallout of their activities creates a jarring contrast between the corporation’s own projected self-image and the realities of its activities for the communities it operates within. Perhaps the most potent example of this is the Monsanto House of the Future, a Disneyland attraction sponsored by the corporation and which opened in 1957. ‘Tomorrow is always built on today’ a video advertising the house prophetically announces, but in this book this house of the future becomes a sort of dark metaphor for a future which corporations focused on short term profits actually care very little about.

Asselin’s photographs become a sort of testament to what happens when the well-being of the future is traded for profit in the present, and specifically the consequences for those people who have to occupy that future, who are inevitably often the poor and the marginalised, the last people in other words who might own stocks in a company like Monsanto. So many images in this book stand for this idea, but one in particular lingers on my mind. Taken in West Anniston, Alabama, formerly the site of a major Monsanto plant, the photograph shows 65 year old David Baker at the grave of his brother, who died at the age of 16 from cancers caused by PCB exposure. Baker was a leading figure in the campaign which ultimately led to Monsanto being fined $700 million for polluting the town. It is a powerful, shocking image of past, present, and a future denied.



As I’ve said, many photographers would have documented just one of these issues in isolation, particularly the devastating long term consequences of dioxin poisoning in Vietnam, famously recorded Phillip Jones Griffiths in his book Agent Orange: Collateral Damage in Vietnam. What is rare though is to see a photographer making the connection between these different activities and using them to develop a sustained and highly persuasive argument against a company’s activities, and by connection against this sort of aggressive corporate activity in general. This type of interlinking seems to be me to be an ever more essential strategy for documentary photographers in a world which is so interlinked, globalised and networked, yet relatively few yet employ it perhaps because such an approach runs so counter to the way we tend to think about photographs. In that sense, and in terms also of the sense of indignation which seems to boil below the surface of the book, Monsanto: A Photographic Investigation calls to mind Griffith’s seminal anti-war book Vietnam Inc. as a work which transcends simply being a photo book to become a powerful investigative polemic on a topic which affects us all.

On Abortion

Historically documentary photography has tended to push repeatedly into the same subject territories, while leaving other topics noticeably unattended. The reasons for this are certainly complex, and range from practical questions, for example issues around what topics are accessible, to concerns about aesthetics, through to what are essentially value judgements about the worth or non-worth of certain topics, experiences and places. That latter reason is intimately connected with the fact that documentary photography has, with some notable exceptions, historically been practiced by a relatively homogeneous group of white, western men. This is troublesome, not because being a white western man is in itself a problem, but because documentary photography can only realise it’s ambitions when it’s practitioners reflect the heterogeneity of backgrounds, viewpoints and experiences that they seek to document. Things are changing, the field is gradually becoming more representative, and that was evidenced in some of the exhibitions at this year’s iteration of the Rencontres d’Arles Festival and the topics they opted to explore.

Laia Abril has made a name for herself focusing on subjects which have been examined by relatively few photographers, this despite the fact that they are issues we might all have had some contact with in our daily lives. Her past works have explored complex questions related to sexuality, identity and gender, and have done so in ways which are often sensitive, appropriate to the subject, and often also quite innovative. Probably her best known body of work is The Epilogue, a book published in 2014 which reconstructs the events leading up to a young woman’s death as a result of the eating disorder Bulimia nervosa, and which movingly documents the grieving and familial fallout which results from her death. At the festival this year Abril was showing an exhibition of her latest project, one which is in some respects very different to an intense, close focusing work like The Epilogue, but which at the same time continues her interest in gender and health.

The title of the show, A History of Misogyny, chapter one: On Abortion requires no elaboration, this exhibition is the first part of an extended body of work which examines misogyny in a broad sense of the word, from both historical and contemporary perspectives. The exhibition opens with a historical overview, most strikingly a series of photographs of historic contraceptives and medical equipment, ranging from condoms made from animal innards to equipment designed or adapted for abortions. These are arrayed in angular grids, and photographed in a soft pink light which might well be the muted lighting of a museum display case but in the context of the exhibition recalls a dingy lab. Other items in this section include early medical diagrams and an overview of historic attitudes to abortion. As it soon becomes clear, many of these attitudes remain entrenched in the present.


On Abortion Tourism, Marta (Krakow, 29). On January 2nd, 2015, she was forced to travel to Slovakia to have an abortion, which is illegal in Poland unless a woman’s health is at risk, the foetus is malformed or the pregnancy is the result of a criminal act. Because she learned about her pregnancy during Christmas time, she had to a wait few weeks before making the trip. The anxiety of waiting made her try desperate (and cheaper) alternatives: ‘I took a bath in boiling water and swallowed many aspirins, I did not succeed. I was too afraid to hurt myself. I just wanted to end it, I wanted to feel stronger than the law.’ On her 7th week of pregnancy, 445 euros in hand (all the money she had at that time), she jumped into a van at a gas station in Krakow, together with two more gravid girls, and travelled to an abortion clinic in Sliac specialised in welcoming polish women unable to have the procedure in their country. Although the almost 15-hour experience passed without any altercation, Marta had to face her—at that time, coercive boyfriend. ‘He begged me to not do it […] when I called him during the trip complaining about the van's bad smell, he answered: “that seems fair, murderers should be treated as cattle”. ’ Krakow, Poland, 2016. Courtesy of the artist / INSTITUTE.

On Abortion Tourism, Marta (Krakow, 29). On January 2nd, 2015, she was forced to travel to Slovakia to have an abortion, which is illegal in Poland unless a woman’s health is at risk, the foetus is malformed or the pregnancy is the result of a criminal act. Because she learned about her pregnancy during Christmas time, she had to a wait few weeks before making the trip. The anxiety of waiting made her try desperate (and cheaper) alternatives: ‘I took a bath in boiling water and swallowed many aspirins, I did not succeed. I was too afraid to hurt myself. I just wanted to end it, I wanted to feel stronger than the law.’ On her 7th week of pregnancy, 445 euros in hand (all the money she had at that time), she jumped into a van at a gas station in Krakow, together with two more gravid girls, and travelled to an abortion clinic in Sliac specialised in welcoming polish women unable to have the procedure in their country. Although the almost 15-hour experience passed without any altercation, Marta had to face her—at that time, coercive boyfriend. ‘He begged me to not do it […] when I called him during the trip complaining about the van’s bad smell, he answered: “that seems fair, murderers should be treated as cattle”. ’ Krakow, Poland, 2016. Courtesy of the artist / INSTITUTE.


Moving on through the exhibition it is the contemporary accounts from women who have sought abortions in countries where they remain restricted which are the most powerful and also the most effective in illustrating just how complex the issue is in different parts of the world. Closely connected to these are grids of images which create narratives recounting the stories of women seeking abortions. The photographs are intentionally prosaic, showing waiting rooms, the exteriors of buildings, but combined with text the narrative effect of them is forensic and remarkably powerful. They also offer a strange and presumably unintentional echo of the lewd, indeed sometimes misogynist photo narratives included in a nearby exhibition in of material from the French satirical magazine Hara Kiri.

Each of these accounts acts as an individual testimony of one woman’s experience of seeking abortion, but they also individually illustrate different issues and attitudes towards abortion in different states and parts of the world, in effect priming and educating a viewer who might know little beyond the context of their own country. For example these narratives introduces the idea of medical staff who conscientiously object to performing the procedure, even where it is legal and mandated, and the danger in other countries of doctors denouncing patients who they believe have sought an illegal abortion to the police. But the exhibition also demonstrates the way the procedure is not just as something which is variously either available or denied to women, but also as procedure which is sometimes used against them, as in the horrifying account  of a woman forced to undergo an abortion for contravening China’s one child policy.



Abortion instruments, including soap and an enema syringe, widely used for termination by insertion into the uterus. The instruments were used to cause a miscarriage, but would often result in the woman’s death. Such thick-walled cylinders with plungers were in use from as early as the 15th century to cleanse the intestines. However, the short attachment tube could be replaced with a longer one, making the cylinders suitable for rinsing other body openings. At the same time, it met the most important requirement for every tool used to perform abortions: it raised no suspicions. Since abortions were illegal, a variety of items were repurposed — anything too obvious would be noticed during a police search. This allowed abortionists to protect themselves, but the hygienic and medical inadequacies resulting from legal prohibition cost many women their health or even their life. Museum of contraception and Abortion, Vienna, Austria, August 2015. Courtesy of the artist / INSTITUTE.


At the far end of the topic (and the gallery space) from those first muted images of medical instruments, Abril considers the ways that the issue of abortion is met by very contemporary technologies. One image examines how Apple’s Siri personal assistant displayed a bias towards users seek abortion clinics, directing them instead adoption clinics, posing the question of how prejudices can be built into supposedly neutral technologies by design or accident. Another image reflects the use of consumer drones to transport abortion drugs across borders in Europe into countries like Poland where the procedure remains highly restricted. In the great span of time covered by this work Abril draws well observed connections between past and present, for example in the euphemistic adverts offering to treat ‘menstrual delays’ and other conditions, which have remained a historical constant and are just one illustration of how in some respects very little has changed.

As with previous works the visual strategies that Abril employs are also enormously diverse, from comparatively straight documentation of objects, people and places to more contemporary strategies including displaying archival material, appropriation of material from campaign groups and in a few cases the reconstruction of events, as in an image of hand cuffs on a hospital bed. Does this subvert the documentary legitimacy of the work? Not for a moment, indeed it fits with the atmosphere of forensic reconstruction which pervades the entire exhibition.

Abril manages to deal with an incredibly challenging subject in a way which meets the clear need for the show like this to be visceral and challenging. At the same time she also succeeds in balancing that against the danger of the exhibition being written off by some viewers as a mere chamber of horrors, and their consequently not engaging with it on the level it demands. The exhibition is underpinned by detailed research and explanation throughout and never becomes gratuitous or feels designed to shock for the sake of it, indeed at times Abril goes to the extent protecting viewers from some of the more shocking material, in one case pixelating an image of an aborted foetus used by pro-life campaigners. In all this is an exhibition which manages to be informative, moving, bleak but without being nihilistic. Above all it is one which avoids providing viewers with simple preformed answers and instead demands that as well as looking at these images they decide for themselves what they think and feel.

Nothing but Blue Skies

It is common to hear it said that we live today in a world of images, where the volumes of photographs that are produced each day do as much to confound our attempts to understand things as they actually serve to enlighten us. There was certainly a strong sense of this torrent of imagery at the Rencontres d’Arles Festival in the South of France this year, which overflowed with exhibitions, many of which were exhaustingly enormous. The sight of so many huge shows had me wondering whether the practice of some curators has unwittingly come to reflect this abundancy of photography in the world, with exhibitions growing ever larger in response. As viewers are we so used to gorging on the masses of imagery avaliable online that we are simply no longer satisfied with small selections of the images, or is it the need for such careful curation in fact more essential than ever?

With these thoughts already playing on my mind one particular exhibition at the festival had a particular impact on me. Nothing but Blue Skies which has been curated by Mélanie Bellue and Arles festival director Sam Stourdzé considers artistic responses to the attacks of September 11th 2001. Without necessarily accepting the often repeated claim that this was ‘the day that changed everything’ these attacks undeniably acted as a form of a watershed, making unavoidably clear some of the changes which had been brewing over the previous decade. One of those changes was a recognition that the prophesied ‘end of history’ anticipated by the collapse of Soviet communism had not occurred, that ideological war continued albeit in a new form, one where conventional media are at risk of becoming the unwitting mouthpieces of the competing armed factions. The other obvious sense in which 9/11 was a key marker was as a moment where it became evident how ubiquitous digital photographic imaging had become, that cameras existed in the pockets of so many of the bystanders who watched these attacks, and that photography was indeed an essential part of their effect, in magnifying the sense of terror that the attacks created to a profound degree.


Joan Fontcuberta, GOOGLEGRAM: 11-S NY, 2005. GOOGLEGRAM: 11-S NY, 2005. September 11 plane crash snapshots. The photographs have been refashioned using photomosaic freeware, linked to Google’s Image Search function. The final result is a composite of 8,000 images available on the Internet that responded to the words: ‘God’, ‘Yahve’ and ‘Allah’.

As if to reflect this idea of the magnification of terror, Nothing but Blue Skies opens with a room plastered from floor to ceiling with newspaper front pages from the day after the attacks, which have been collected and rephotographed by Hans-Peter Feldmann as the series 9/12 Front Page. Global headlines scream of a ‘World under attack’, an ‘Apocalypse’ and ‘40,000 dead’ accompanied by photographs of the towers at different stages of the attack, from moments after the impact of the first plane into the north tower through to it’s final collapse an hour and a half later. This display is simple but remarkably powerful, both a reminder of the diverse media responses that follow in the wake of any atrocity, but also hinting more darkly at the ways that the media themselves unwittingly became complicit in carrying the shock wave of terror out across the world from its epicenter in Manhattan. In the mass replication of images of the burning towers we see evidence of an attack intended to be an irrepressible spectacle and pyschic trauma as much as a strategic or material blow.

A similar display follows in the next room, but uses audio-visuals as its medium. Guillaume Chamahian’s Breaking News consists of a babel like tower of televisions which visitors can crawl into, within which they are bombarded with global news reports from the day of the attacks. Panicked reporters and newscasters yell over footage of planes hitting the twin towers or sit uncertainly in their television studios, unsure of what they are witnessing or how to respond to it. A sculptural theme continues throughout the show, in the same room is Mounir Fatmi’s piece Save Manhattan 2, a model cityscape made of VHS cassettes roughly laid out like New York’s central island. The black innards of these tapes spill out onto the floor around the sculpture like the cloud of dust that was left behind following the collapse of the twin towers. Like many in the exhibition this work also seems to speak to the rapid onwards evolution of electronic and digital media, which has left the often grainy and pixelated imagery of the attacks looking increasingly date-able as products of the first decade of mass digital imagery.

Mounir Fatmi, Save Manhattan 02, 2005. Courtesy of the artist and of Goodman Gallery, Johannesburg–Le Cap.

Mounir Fatmi, Save Manhattan 02, 2005. Courtesy of the artist and of Goodman Gallery, Johannesburg–Le Cap.

Proceeding deeper into the show the works become more meditative, more about picking through the psychic ruins to ask how these attacks could have happened, what they might mean, and how to move forward. Waalid Raad’s series Cotton Under my Feet is a response to the artist’s inability to remember the colour of the sky on the day of the attacks, a cold blue which has become in many ways as iconic as the image of the towers themselves. His response has been to collect images of the New York skyline before digitally cutting away at them, removing everything in the image but the blue of the sky. In the crude digital cutting there is a strange violence, with jagged pixelated edges hinting at what is no longer there. In some cases what has been removed is clearly identifiable as the outline of a building, in some cases of the twin towers themselves, and in one image towards the end of the series the white outline of an plane recalls the moment before a second airliner hit the south World Trade Center tower, a moment frozen by a thousand waiting lenses.

Continuing this theme of analysis is the final piece in the show, Michal Kosakowski’s video installation Just Like the Movies. In this piece, short clips from Hollywood movies including American Psycho, Wall Street, Die Hard, Independence Day, Marathon Man and many others are montaged together into an approximate narrative of the day of the attacks, set against movie music which ebbs from the inappropriately jaunty to the overly tragic. While the images on screen are fictions which bear no true relation to the destruction of the World Trade Centre, they combine in their new sequence with the prior knowledge of these events held in the viewer’s mind to create a compelling narrative which at moments becomes remarkably difficult to watch. Underlying it is a sophisticated commentary on US culture, and the country’s strange fascination with the fiction of it’s own demise played out in disaster movies, an inclination which Jean Baudrillard described as a need to ‘exorcise through images’. Kosakowski hints at the idea that on some level these attacks fitted with a dark narrative which runs back deep into the country’s history and which would run forwards from September 11th into some of the worst excesses of the War on Terror.

Reeve Schumacher, #1, from the Nothing but Blue Skies series, 2016. Courtesy of the artist.

Reeve Schumacher, #1, from the Nothing but Blue Skies series, 2016. Courtesy of the artist.

In each space the artistic works are accompanied by short texts by Jean Paul Curnier which stand alone on plinths and consider different aspects of the reporting, processing and memorialisation of 9/11. The inclusion of these texts rather seemed to me to hint at the idea that these images of the burning towers remain so powerful that even after their processing by artists and photographers they can not comfortably be left alone to ‘speak for themselves’ and still require further context and exploration to be made safe. Overall, what makes this exhibition so compelling and thought provoking is that rather than confronting a viewer with dozens, or hundreds of images on the same theme, it does what we are rarely asked to do today, that is to essentially consider one image over and over, from multiple angles and from different perspectives. And what better candidate for this consideration than an image surely seared indelibly into the memory of all who have seen it.

An Overview of Rencontres d’Arles 2016

Hello! My name is Lewis Bush and I’m taking over the Hatje Cantz blog for July. I’ve just returned from the 47th Rencontres d’Arles photography festival in the South of France and over the course of the month I’ll be writing in depth about a few of the highlights. To kick things off thought I thought it would be good to offer a broader overview of the best of the festival.

As ever Arles was well provided for with historic photography from both well-known photographers and more obscure names. The first exhibition I visited was Looking Beyond the Edge which features photographs by veteran conflict photographer Don McCullin. The twist is that there is barely a conflict photograph in sight in this display. Instead it encompasses social documentary, landscape and archaeological photographs taken between McCullin’s overseas conflict assignments, and while I knew much of the work already it was still an interesting take on a familiar name’s work.

For something a little more humorous it was great to see Peter Mitchell’s A New Refutation Of The Viking 4 Space Mission. In this work Mitchell combines images taken by the first spacecraft to land on Mars with his own colour social documentary photographs of the North of England, all displayed alongside humorous captions which often read as if they were written by a Martian visiting earth for the first time. While none of this might sound radical today you have to remind yourself that you are viewing a series first exhibited in 1979, before colour photography (let alone such a humorous approach to documentary) had really entered the mainstream.


Mr. & Mrs. Hudson. Wedsneday 14 August 74. 11 a.m. Seacroft Green, Leeds. I liked the way the ladder is propping up the shop. They have just moved into a new shop on the same spot, with the church getting a face-lift to match. Courtesy of the artist.

Lastly for the historic photography, a really pleasant new discovery for me was the work of mid-century street photographer Sid Grossman and his exhibition From Document to Revelation. Alongside producing some brilliant observational photographs Grossman’s embracing of ‘bad’ photography effects like grain and blur anticipated some of the photographic trends of the New York school of photography typified by William Klein. Grossman was also a politically engaged activist, blacklisted from 1947 for his communist links. It would have been fascinating to see how he might have used his camera to respond to key events like the Civil Rights Movement had he not died so tragically young in 1955.

The trend for raiding archives set in previous years, with exhibitions like the 2015 exhibition Vernacular continue with some great examples this year. Camarguais Western was a favourite of mine, an exhibition telling the rather bizarre story of how the region of France where Arles is located became an alternative set for the American Wild West in early cowboy films. Another successful movie display was Scary Monsters! Effectively a series of typologies of different movie monsters through the ages, this exhibition uses behind publicity photographs and movie memorabillia to show the on screen evolution of movie monsters and to illustrate the ways they have served to embody different public fears, from fears about nature to nuclear war.


Bretaigne Windust, The Enforcer, 1951. Courtesy of United States Pictures.

Lastly for the archival shows, Severely Queer was a fascinating exhibition of historic photographs of transvestitism, exploring the different contexts where it has occurred and the gradual move from a taboo activity towards something with a broader public acceptance. Like many of the larger shows though this one suffered a little for the sheer quantity of material on display, when half as many photographs would have told the same fascinating story just as well.

Contemporary photography was also well represented, with a broad range roving from documentary through to fine art photography bordering on conceptualism. In terms of documentary, Dominic Nahr’s Fractured State was a small but powerful exhibition on the emergence of South Sudan and the struggles of the state’s early years. Another strong example was Laia Abril’s A History Of Misogyny, Chapter One: On Abortion, a grueling but engaging exhibition on the legal restrictions and moral attitudes towards abortion in different parts of the world and the consequences this has for women seeking the procedure.

On the more arts influenced wings of photography, Stephanie Solinas’s exhibition Methods of Loci was a deep, multi-faceted investigation of a vast warehouse situated in Arles which had originally been constructed as the venue for a French colonial exhibition in 1905. Through archival imagery, sound, interviews, objects and more Solinas creates a fascinating investigation of the building and it’s history. Through a micro-focus on a relatively small space this work asks complex questions about macro processes like capitalism and globalisation.

The annual Discovery Award shortlist also had it’s share of interesting work among the ten photographers who are in the running for the €25,000 prize. On a similar theme to Solinas’s exhibition, Christodoulos Panayiot’s work explores ideas about power, capitalism and globalisation in very different ways, employing his own photography alongside ready-made sculptural fountains composed of copper sheets and off the shelf piping. I think my favourite of the Discovery Award shortlistees though was Sarah Waiswa’s Strange in a Familiar Land, a moving portraiture series about the experience of Africans with Albinism.

Seeking to Belong, Stranger in Familiar Land series, Kibera, 2016. Courtesy of the artist.

Seeking to Belong, Stranger in Familiar Land series, Kibera, 2016. Courtesy of the artist.

Saving the best to last, my pick of the festival was Nothing but Clear Blue Skies, a group exhibition of artists who have made work in response to the September 11th attacks. Where many of the exhibitions at this year’s festival suffered from being oversized with far too many photographs this one was perfectly scaled but had a depth which kept me thinking long after I had left the venue. I’ll be writing in much more depth about this and several of my other highlights in my forthcoming posts.

Out of Obscurity

Chris McCaw, Heliograph #28, 2013. Unique Gelatin Silver Paper Negative, © Chris McCaw, Courtesy Yossi Milo Gallery, New York

Chris McCaw, Heliograph #28, 2013. Unique Gelatin Silver Paper Negative, © Chris McCaw, Courtesy Yossi Milo Gallery, New York

Julie Cockburn, Happenstance 2, 2013, Hand embroidery, graphite on distressed found photograph, 20.4 x 25.3 cm (c) Julie Cockburn, Courtesy of Flowers Gallery

Julie Cockburn, Happenstance 2, 2013, Hand embroidery, graphite on distressed found photograph (c) Julie Cockburn, Courtesy of Flowers Gallery


John Maclean, Container Ships, Horizon and Sky, 2016, Chromogenic print, 79 x 105 cm (C) John Maclean, Courtesy of Flowers Gallery

John Maclean, Container Ships, Horizon and Sky, 2016, Chromogenic print (C) John Maclean, Courtesy of Flowers Gallery

Wang Ningde, Colour Filter for a Utopian Sky, 2013, Photo Installation, 200 x 144 cm (c) Wang Ningde, Courtesy of Flowers Gallery3

Wang Ningde, Colour Filter for a Utopian Sky, 2013, Photo Installation (c) Wang Ningde, Courtesy of Flowers Gallery

Summertime and a two-part group exhibition focusing on abstraction within contemporary photography.

Out of Obscurity presents a speculative journey in response to the series of cloud studies produced in the 1920s by Alfred Stieglitz titled Equivalents. From the disorienting perspectives of aerial photography to physical manipulation of photography’s material properties, the exhibition draws together visions of the sky produced by a range of international artists.

The horizon line, seen here as a subjective or symbolic point of contact between two distinct spaces, forms an initial seam running through the exhibition. On the Clouds by Boomoon, taken from a plane at high altitude, presents the dividing line between sky and cloud as though at eye-level, forming an ‘absolute horizon’, which Boomoon considers to lead to the realm of infinity. Also from an aerial viewpoint, the flattened frontal aspect and dizzying perspective of Edward Burtynsky’s Phosphor Tailings navigates a narrow path between form and content. What appears to be the sky mirrored in a lake below is revealed as the vivid hues of toxic algae blooms generated by phosphorous mining. The image functions, from Burtynsky’s viewpoint, as a reflecting pool of our times, seducing the eye to the surface and immersing the viewer in painterly details of line, shape and colour.

A sensitivity to both surface and material can be seen in many of the exhibiting artists, manifesting in images that are interrupted, deconstructed and re-assembled through both digital and analogue processes. Alliance by Chloe Sells, which captures the atmospheric patterns of birds flocking to the flooded plains of the Okavango Delta in North-Western Botswana, is constructed from two images overlaid on an irregularly shaped photographic print, offsetting the chance effects produced by chemical manipulation in the darkroom with the organic decay and transience of nature. Chris McCaw directly harnesses the power of the sun’s rays to scorch traces onto light sensitive paper negatives. His Heliograph series explores the effects of multiple exposures of the sun’s path, conflating the indelible records of time and place, and forming an indexical relationship between the subject and its representation. Letha Wilson brings the image and the sensory effects of the rugged desert landscape together by subjecting her photographs to sculptural processes. Corrugating, splicing and shuttering the photographic prints, Wilson also pours concrete into their ridges and folds, blurring the lines between photography and sculpture, representation and abstraction. An intersection of horizontal and vertical planes is present in the evocative and minimal work Colour Filter for a Utopian Sky by Wang Ningde. Graduating between the cool sunrise tones of turquoise and pink, the original representation of the sunset is deconstructed and reconfigured in three dimensions as an abstracted and inverted photographic image.

John Maclean applies a reductive process in his series Outhinking the Rectangle. In the work Container Ships, Horizon and Sky, Maclean digitally removes all but the most minimal information to evoke the sensation of a sunset in a sequence of graduated lines. In the work of Julie Cockburn, sculptural or physical manipulation can be seen equally as a process of embellishment and erasure. In Happenstance, a blizzard-like atmosphere is achieved through scratching away the photographic emulsion from found photographs, and is further masked by protruding hand-embroidered spheres.

Seeking abstraction in the man-made urban environment, Randy West photographs the spaces between the New York skyline observed during his daily walks in the city. In New York Sky, buildings are thrown into sharp relief in the long shadows cast by the September evening light, causing the negative space to form an impression of inverse skyscrapers.

Shifting both perspective and magnitude, Michael Benson’s US Cloud Sheet pictures cloud formations over the coastline of New York State, rendered from satellite data sent back to earth from space. Within this alien viewpoint of the landscape, Benson creates a counter image to the view Stieglitz captured almost a century before, extending the scope of the abstracted photograph through advancements in science and technology.


Ryan L. Moule, The Structure of Things, Fibre-based Silver Gelatin Print, 2015, (c) Ryan L. Moule, Courtesy of Flowers Gallery

Ryan L. Moule, The Structure of Things, Fibre-based Silver Gelatin Print, 2015, (c) Ryan L. Moule, Courtesy of Flowers Gallery

Alessandro Dandini de Sylva, Untitled (Landscape #68), 2012, Instant Colour Film Print, 10.8 cm x 8.5 cm (c) Alessandro Dandini de Sylva, Courtesy of Flowers Gallery

Alessandro Dandini de Sylva, Untitled (Landscape #68), 2012, Instant Colour Film Print, 10.8 cm x 8.5 cm (c) Alessandro Dandini de Sylva, Courtesy of Flowers Gallery

Giulia Marchi, Après Marat, from the series Dit-Mansion, 2015, (c) Giulia Marchi, Courtesy of Flowers Gallery

Giulia Marchi, Après Marat, from the series Dit-Mansion, 2015, (c) Giulia Marchi, Courtesy of Flowers Gallery

Sophy Rickett, Observation 123

Sophy Rickett, Observation 123, 1997_2013, Black & White Bromide Print (c) Sophy Rickett, Courtesy of Flowers Gallery

Murmur, by invited Curator Magali Avezou brings together five international contemporary artists who address questions of form, colour, movement and the surface dynamics of the photographic print, with two unique sound works created to respond to the space of the exhibition. Through the absorbing sensorial dialogue established between sound and sight, the exhibition explores the intuitive and metaphysical aspects of abstraction.

In Paesaggi, Alessandro Dandini De Sylva intervenes in the chemical process of developing his Polaroid images, either by interrupting or overlapping the photographic impression. The resulting images break down into sequences of colours and abstract shapes, evocative of watercolours. The ambiguous nature of the work questions the relationship between photography and reality, deconstructing and rebuilding the essence of the landscape through abstract means.

Lacan’s three orders, the symbolic, the real, and the imaginary, are the starting points of Giulia Marchi’s series Dit-mansion. The mundane scenes found in empty spaces are both mirrored and abstracted by the image, echoing the symbolic-real-imaginary triad. Marchi creates an intriguing visual lexicon through the texture and chromatic specificity of digital images.

Ryan L. Moule’s enigmatic images are both familiar and uncanny. The chemically unfixed photographs bathed in a red ‘safe light’ are on the verge of disappearing. Moule is interested in the dissolution of the photographic image and the notion of latency, praising oblivion in an age of visual saturation. Through this romantic gesture, his work has a visceral feel that questions the validity of images and our emotional attachment to them.

Tom Lovelace’s Forms in Green are ‘ready-made’ photograms, which exude a sense of evanescence and unsteadiness. The depicted forms have been created through the chance exposure of sunlight onto light-sensitive fabric in the window of a London library. Over time, the light has revealed the shapes of the paper notices fixed to the wall, indexically linked to the movements and actions of those who attached them.

With Objects in the Field, Sophy Rickett reinterprets scientific imagery to create new narratives. The series of photographic prints are made from the original negatives that Dr. Roderick Willstrop produced during the period of time that Cambridge Observatory’s telescope was operational. By printing his original negatives by hand, and altering them, she disrupts the conventions of the techno-scientific and functional discourse that produced them in the first place, opening up metaphysical questions around the notion of the “unknown” today.

Text by Hannah Hughes




Skogar #5084, 2015, Pigment Print, 140x180cm

Boomoon, Skogar #5084, 2015, Pigment Print (c) Boomoon, Courtesy of Flowers Gallery


Boomoon, Skogar – Installation view, Courtesy of Flowers Gallery


Boomoon, Sansu – installation view, Courtesy of Flowers Gallery


Boomoon, Sansu – installation view, Courtesy of Flowers Gallery

A solo exhibition by South Korean photographer Boomoon, centred around a new series of photographs produced at Skogar Falls, Iceland. The exhibition presents the powerful elemental force of the waterfall as the subject for Boomoon’s ongoing investigation into the infinite and ungovernable character of the natural world.

The exhibition Skogar brings together a selection of black and white photographs from a series of 300 exposures. Each taken from the same frontal viewpoint, they capture distinct variations of light and form within the arrested momentum of a singular waterfall. Boomoon entered the freezing water of the pool below the falls to attain a position where the ‘horizon’ would be situated precisely at the lower third of the frame, presenting an immersive view, which appears to extend beyond the limits of an individual standpoint or subjective experience.

Within the shape-shifting cascades and veils of spray, each photograph records discrete changes in focus and detail, resulting in a complex and evocative layering of the image. The photographs are composed horizontally, contrary to the essentially upright configuration of the waterfall itself, and are cropped closely to exclude all peripheral detail and sense of scale. Applying a similarly reductive approach to colour, Boomoon attributes the crystalline clarity of his monochromatic images to the stark purity of northerly light.

Poet and Critic Shino Kuraishi has likened the Northern quality of Boomoon’s approach to the pursuit of the sublime in Northern Romanticism, particularly the work of German painter Caspar David Friedrich.1 Extending beyond romantic notions of a confrontation between man and the natural world as distinct forces, and suggesting a more totalised assimilation of the self within nature, Boomoon’s photographs can also be seen to resonate with attitudes towards the sublime within Minimalism.

According to Kuraishi, Boomoon’s focused attention on the particular, dispenses with continuity or a sense of passage between past and future – delivering us instead into the ‘here and now’ of the present moment. He says: “The destination or the end of time is permanently postponed. The waterfall keeps falling self-recursively, aimlessly, and meaninglessly carrying the undetermined present. The waterfall descends defying associations of any other place and any other time. In the minimalist waterfall captured by Boomoon, I as an observer am liberated from the bondages of both the identity of the “artist” and the “work” and the identity of “another self” chained to the system of appreciation. The falling waterfall declares my freedom. “I” facing the waterfall am free.”

Also on view will be selected works from the series Sansu, including the exceptionally large-scale photographic print Untitled #18134, Inje, spanning ten metres in length, which was first displayed in the Salon D’Honneur at Paris Photo 2015. Each of the photographs on show will be displayed for the first time in London. Sansu (meaning ‘mountain-water’ in Korean) is a core concept in the representation of landscape in Far-Eastern aesthetics, centred on a metaphysical union with nature. Boomoon’s contemporary vision of Sansu evokes an attitude or philosophical state of mind. The series comprises of mountain landscapes and forests blanketed by snow, often presented at a large scale, balancing an intense clarity of detail with atmospheric passages of snowfall and mountain mist.

Text by Hannah Hughes


Photo London

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Just over a month ago the newly formed Photo London hosted its second edition at Somerset House – a neo-classical labyrinth overlooking the Thames. Throughout what people are now calling “Photo London week”, a wide range of talks, events, exhibitions and book fairs takes place with the main focus being the international and local galleries exhibiting at the fair. For us this is an opportunity to convey the depth of our photography programme.

On one side of the space we presented the type of large-format abstracted landscapes that we are most renowned for. Examples of new works by Nadav Kander were presented for the first time alongside works by Edward Burtynsky and Boomoon. In contrast, the mirrored space included artists newer to our gallery. From Appropriation and found objects to painted photography and investigative documentary, this group demonstrates a wider scope of photographic production; Edmund Clark, Julie Cockburn, Tom Lovelace and Esther Teichmann.

Photographs from Edmund Clark’s series Negative Publicity were displayed concurrently with his solo exhibition Terror Incognitus at Zephyr Mannheim in Germany. The artist’s new book, produced together with counterterrorism investigator Crofton Black brings together photographs and documents that confront the nature of contemporary warfare and the invisible mechanisms of state control.

Tom Lovelace works at the intersection of photography, performance and sculpture. Inspired by Industrial forms, his practice is grounded in a reinvention or subversion of everyday objects, materials and processes.Tom Lovelace partcipated in the Photo London satellite event Peckham 24, a 24 hour festival of contemporary photography and video art.

Esther Teichmann’s practice uses still and moving image, collage and painting to create alternate worlds, which blur autobiography and fiction. Central to the work lies an exploration of the origins of fantasy and desire and how these are bound to experiences of loss and representation. Both filmic works and photographs of turned away bodies and primordial spaces of enchantment work with the relationships between images, and the narratives these juxtapositions create.


Nadav Kander

Nadav kander, The Aral Sea I (Officers Housing), Kazakhstan 2011 (c) Nadav kander, Courtesy of Flowers Gallery

Nadav kander, The Aral Sea I (Officers Housing), Kazakhstan 2011 (c) Nadav kander, Courtesy of Flowers Gallery

Fengjie III (Monument to Progress and Prosperity), Chongqing Municipality, 2007‘These images do not make beautiful what is not, they ask of us that we repurpose ourselves to accept a new order of both the beautiful and the real’ Will Self

It only seems natural to begin here – with the work of UK based artist Nadav Kander. Having published three books with Hatje Cantz to date, it was through Kander that I learnt of the photography programme run by this publisher. Nadav Kander (b. 1961) is best known for Yangtze – The Long River, for which he earned the prestigious Prix Pictet award in 2009. Kander made several voyages along the course of China’s Yangtze River, travelling up-stream from mouth to source over a period of three years. Using the river as a metaphor for constant change Kander attempted at every stage of the journey, to relate and reflect the consequences of the incomprehensible and seemingly unnatural development in modern-day China.

Qinghai Province II (Fallen Bridge), 2007Both timely and timeless, Yangtze – The Long River has enjoyed a long run of exhibitions since first being exhibited at Flowers, London in 2008. Most recently The Barbican in London included a room of seven large works in Constructing Worlds: Photography and Architecture in the Modern Age, a survey that looked beyond the medium’s ability to simply document the built world and explored the power of photography to reveal wider truths about society. Grace of Intention: Photography, Architecture and the Monument at Museum of Contemporary Photography Chicago explored how monuments champion collective aspirations and serve to cement narratives about our past. The exhibition focused on a number of Kander’s most iconic workss fromYangtze and the more recent series Dust. Priozersk XIV (I Was Told She Once Held An Oar), Kazakhstan 2011Rooted in an interest in the ‘aesthetics of destruction,’ Dust explores the vestiges of the Cold War through the radioactive ruins of secret cities on the border between Kazakhstan and Russia. Fascinated by the area’s past and driven by discovery, Kander’s photographs portray stark fact and bleak setting with a characteristic poeticism. Secrets seem to seep from the silence of the crumbling monuments, bowing under heavy grey skies. Describing what he saw as ‘empty landscapes of invisible dangers’ Kander’s images evoke his sense of awe and fear as he responded to these places and to the weight of their history.




Israel, fotografiert wie durch ein ikonographisches Kaleidoskop: Andres Serranos Buch „Salvation, The Holy Land“

cover Salvation Serrano

Wie nähert man sich fotografisch, künstlerisch einem Land wie Israel, diesem kleinen, großen, dem „Heiligen Land“, in dem die monotheistischen Weltreligionen aufeinandertreffen wie in keinem zweiten? Und das, wenn man Andres Serrano heißt, erklärter Christ ist und von konservativen Kreisen mehrfach der Blasphemie bezichtigt wurde? Serranos internationale Karriere beginnt 1987 mit einem Paukenschlag: dem Foto eines Kruzifix’, das in einem mit Urin befüllten Plexiglasgefäß steckt und das später mehrfach attackiert und beschädigt wurde. Später experimentiert der vermeintliche Dauerskandalisierer mit Körperflüssigkeiten wie Blut und Sperma und fertigt ikonographisch anmutende Bilderzyklen von Leichen, Obdachlosen oder Vertretern des Ku Klux Klan an.


Was also macht dieser Andres Serrano in seinem Essay über Israel? Er wählt die leise Ouvertüre. Sein bei Hatje Cantz erschienenes Buch „Salvation, The Holy Land“ – die Quintessenz eines vierwöchigen Lehraufenthalts an der Musrara School of Photography - beginnt mit Landschaftsaufnahmen. Neuland für den 1950 in Brooklyn geborenen Sohn eines Honduraners und eine Kubanerin. Kontemplative, archetypische Ansichten, die uns Abendländern seltsam vertraut vorkommen: Knorrige Bäume und steinige, karge Landschaften, Treibgut am See Genezareth oder am Toten Meer, Landschaftsbilder mit alttestamentarischer Aura: “dunkel, spirituell geheimnisvoll und bezaubernd“ (Serrano). Doch erwartungsgemäß bleibt Serrano nicht stehen bei diesen lichtbildnerischen Archetypen, deren Zeitvergessenheit noch durch die analoge Anmutung der mit einer Mamiya RB 67 auf Portra 160 eingefangenen Bilder verstärkt wird.


Im Laufe der 225 Seiten gehen die Landschafts- allmählich in Stadtlandschaftsaufnahmen über, dann in Gruppenbilder und Portraits. Wir sehen: das warmgelbe Licht, das die Straßenlaternen in der Altstadt von Jerusalem ausschütten; eine betende Nonne im Kerzenlicht; Mönche in mythische Erscheinungen suggerierenden Doppelbelichtungen; ein zerkratztes Jesus-Poster; geschlachtete Tierkörper; israelische Soldaten und Soldatinnen; die Souks in der Altstadt Jerusalems; Checkpoints für Palästinenser; desolate Beduinenbehausungen; Esel, Ziegen, Haiköpfe; Gruppen orthodoxer Juden in schwarz-weißer Uniformität, konterkariert durch die karnevaleske Verkleidung ihrer Kinder während des jüdischen Purimfests. In einer wie beiläufig daherkommenden und keiner offensichtlichen Ordnung unterworfenen Sequenz von Streetfotografien folgen Portraits von Palästinensern und Israelis, Moslems, Juden und Christen.



Das Buch endet mit einem langsam anschwellenden Crescendo von Familien- und Einzelportraits. Erst leise und dann immer lauter schleicht sich in diesen Studio-Aufnahmen wieder Serranos ikonenhafter Stil ein: Nonnen, wie freigestellt mit ihrer weißen Kopfbedeckung und dem schwarzen Chormantel vor schwarzem Hintergrund. Ein Mann, der unter dem „Jerusalem-Syndrom“ leidet und sich für eine Figur aus der Heiligen Schrift hält, gefolgt von Jesus-artigen Männern mit wallendem Haar und Vollbärten; ihre Blicke werden gegen Ende des Buchs immer verklärter und scheinen schließlich wie erleuchtet. Das letzte Bild holt den Betrachter dann mit einem Paukenschlag wieder zurück in die profane Wirklichkeit. Es zeigt das entstellte Gesicht eines unter der Elefantenkrankheit leidenden Mannes.


In „Salvation“ entfaltet Serrano ein kaleidoskopartiges Panorama der israelischen/palästinensischen Gesellschaft – eine vielschichtige, subjektive, interpretationsoffene Annäherung an ein kleines, großes, geschichts- und religionstrunkenes, zerrissenes Land. Es ist ein schweres, schönes Buch mit mattem Hardcover und negativ geprägtem Titelbild. Ein vermeintlich willkürlich kompiliertes, nicht leicht zu dechiffrierendes, im besten Sinne irritierendes Buch, das seine Wirkung erst ganz allmählich entfaltet. Eins, in dem man sich verlieren kann, auch als Agnostiker oder Atheist. Ein gutes Buch.


PS: Noch bis zum 21.8.2016 ist im Royal Museum of Fine Arts of Belgium in Brüssel eine Ausstellung mit Bildern Serranos zu sehen.

PPS: Hiermit verabschiede ich mich als Gastautor aus dem Hatje-Cantz-Blog. Auf Wiederlesen!


Zwischen den Welten ist es am schönsten. Oder: Die bewegte Gegenwart der Stills

Videoprojektion von David Claerbouts."The American Room", third movement

Wirklichkeit ist für mich gesellschaftlich geformter Wahnsinn.“ (David Claerbout)


Im Grenzgebiet zwischen den fotografischen Stills und den Bewegtbildern nimmt der Transitverkehr in letzter Zeit deutlich zu. Es bewegt sich etwas, vor allem in eine Richtung: Immer mehr Berufsfotografen filmen, um sich ein Zubrot zu verdienen, und die Fotoindustrie verspricht: Wer 4k- (und bald 8k-)fähige Aufnahmegeräte nutzt, verpasst den decisive moment“, den entscheidenden Augenblick, nimmermehr. Denn schließlich lässt sich der ultimative Sekundenbruchteil aus dem Fluss der (Film-)bilder herausfiltern: hochaufgelöst, druckfähig, verwertbar. Bleibt die Frage: Ist der entscheidende Augenblick ebenso entscheidend, wenn er nicht dem zuckenden Auslösefinger eines genialen Fotografen geschuldet ist, sondern dem Mausklick eines begabten Editors? 

Prosaischer Workflow, poetische Wirkung. David Claerbout. Aus "The American Room"

Prosaischer Workflow, poetische Wirkung. David Claerbout. Aus “The American Room”

Rückblende: Als sich die Flugzeuge am 11.09.2001 mit sanfter Gewalt in die WTC-Tower bohrten als seien sie aus Seidenpapier, lag ich mit leicht erhöhter Temperatur sofalägrig vor dem Fernseher. Neben dem Horror, der Ungläubigkeit und der Trauer, die ich angesichts der Bilder empfand, konnte ich nach Stunden des Hin- und Herschaltens zwischen den Privaten und den Öffentlich-Rechtlichen irgendwann nicht anders als die mediale Aufbereitung selbst zu betrachten – ein klassischer Fall einer „Deformation professionelle“. Tage später, der Berufsalltag hatte mich wieder im Griff, machte sich eine Frage in meinem Kopf breit: Welches Medium vermag die Geschehnisse, das Grauen, die ganze Dimension des Wahnsinns besser abzubilden – bewegte Bilder oder das Standbild? Natürlich lässt sich so eine Frage nicht mit A oder B beantworten, schon klar. Aber: Neben den offensichtlichen Vorzügen, die allein der Film bietet, ist das Still – und nur das Still – zu etwas in der Lage, das bei 50 Frames per second verlustig geht: das Innehalten. Das Still reißt einem Moment aus den Stromschnellen der Zeit, schafft Raum für Kontemplation und verleiht dem Betrachter eine absolute Autonomie über die Zeitdauer des Betrachtens. 

Der Betrachter "geht" durch die Reihen der Zuschauer. David Claerbout. Aus "The American Room".

Der Betrachter “geht” durch die Reihen der Zuschauer. David Claerbout. Aus “The American Room”.

Knapp zehn Jahre später stieß ich auf der PHotoEspaña auf eine „Videoarbeit“ von David Claerbout. Der belgische Künstler legt die medialen und wirkungsästhetischen Unterschiede zwischen Stand- und Bewegtbildmedium frei wie ein Präparator, der einen Schmetterling aufspießt: nailed! In „The Amercian Room“, so der Titel, verwischt der Belgier die Grenze zwischen Film und Fotografie. Der Workflow ist durch und durch prosaischer Natur Zehntausende von 360-Grad-Scans, Bluebox-Shots, virtuelle Kameras und die Rechenpower von fünf parallel geschalteten Macs stecken in dem Werk (mehr zur technischen Umsetzung auf Monopol) . Das Ergebnis aber ist pure Poesie. Das gut 24-minütige, mit Klavierklängen unterlegte Video zeigt nicht mehr und nicht weniger als eiKlavierkonzert und die ergriffenen Reaktionen des Publikums Das Irritierende und zugleich Faszinierende: Während  die Kamera durch die Reihen der Zuhörer fährt, verharren diese regungslos – gefangen in ihrem Raum-Zeit-Kontinuum als plastische Fotografien. Der Betrachter von Claerbouts Werk aber bewegt sich durch ihre Reihen wie durch ein Aquarium mit gefrorenem Wasser. Stehende Filmbilder? Animierte Stills? You name it!


Der White Cube als Rezeptionstunnel. David Claerbout. Aus "The American Room".

Der White Cube als Rezeptionstunnel. David Claerbout. Aus “The American Room”.

Die emotionale und mediendiskursive Wirkung des Foto-Film-Hybrids, lässt sich hier nicht wirklich nacherzählen (und anders als einige wenige konzeptuell ähnlich gelagerte Arbeiten Claerbouts ist „The American Room“ nicht als Video abrufbar im Web; (man muss sich also auch noch 2016 in den White Cube begeben – welch formvollendeter Anachronismus). Claerbout jedenfalls gelingt so etwas wie die Vivisektion bewegter und unbewegter Bilder. Und dazu noch etwas Magisches. Etwas, das wir uns alle in bestimmten Lebensmomenten wünschen (wenn auch nicht gerade an Tagen wie dem 11.09): einen bestimmten Augenblick anzuhalten, hineinzutauchen und zu verweilen. Es lebe der Stillstand!

PS: Auch bei Hatje Cantz gibt’s was zu Claerbout, ganz analog und „still“- auf Papier.







„Wir sollten uns mehr um die Langeweile kümmern“: Zum Tode von Gerhard Vormwald

Gerhard Vormwald, 1999, in der FH Düsseldorf, vor einem seiner Scanner-Bilder, (c) Peter Schuffelen

Mit ein wenig Verspätung ergreife ich für diesen Monat hier das Wort – und der Anlass für meine erstes Posting ist gleich ein trauriger: Der Tod des Fotokünstlers und Fotografie-Professors Gerhard Vormwald, der Mitte März, kurz nach seinem 68. Geburtstag, verstorben ist. Ich habe noch nie einen Nachruf geschrieben, und dies hier wird auch keiner werden, jedenfalls kein klassischer. Eher so etwas wie ein öffentliches Nachsinnen über diesen zu frühen Tod. Ich habe ihn nicht wirklich gut kennengelernt, aber gut genug, um Trauer darüber zu empfinden, dass er nicht mehr da ist. An die wenigen persönlichen Begegnungen erinnere ich mich intensiv. Hochsympathisch war er mir gleich bei der ersten. Das war 1999, er war gerade erst Professor an der FH Düsseldorf geworden, und ich verabredete mich mit ihm zu einem Interview zum Thema „Digitale Bildsprache“. Da war er schon lange ein anerkannter Künstler mit Bildern im Museum Ludwig, im Kodak-Eastman House, im Centre Pompidou, hatte eine erfolgreiche Karriere als Werbe- und Editorialfotograf hinter sich (mit mehr als 60 Titeln allein für den stern). Jetzt also Professor. Ich zog dem Anlass entsprechend ein frisch gebügeltes Hemd und ein Sakko aus dem Schrank, nichts ahnend, dass ich hoffnungslos overdressed sein würde. Dann fuhr ich zur FH und fragte auf den Gängen nach „Professor Vormwald“. Ein Student sagte mir: „Der Gerhard ist irgendwo dahinten“.


Ich fand ihn in seinem Büro, ein schlanker Hüne im offenen Jeanshemd, auf einem hölzernen Schreibtisch sitzend. Hinter sich, auf die Tafel, hatte er einen Spruch geschrieben, dessen doppelbödiger Witz sich erst beim zweiten Lesen offenbart: „Wir sollten uns mehr um die Langeweile kümmern.“ Rückblickend erscheint mir das Bonmot wie ein Leitspruch für ein Künstlerleben, in dem das Augenzwinkernde eine tragende Rolle spielte.Wir sprachen über seine aktuellen Arbeiten, er experimentierte gerade mit fehleranfälligen digitalen Aufnahmegeräten, scannte Gesichter und historische Kameramodelle, ließ Eidotter in einer blauen Flüssigkeit durch die Luft wabern. Es war ein Gespräch auf Augenhöhe, so wie es seine Lehre war, wie ich an diesem Tag beobachten konnte und wie es mir einige seiner Studenten in späteren Gesprächen bestätigt haben. Ein Dozent, der seine Studenten ermuntert, in ihrem eigenen Weg bestärkt, der sie unbedingt ernst nahm – im akademischen Betrieb ist das eher die Ausnahme als die Regel.

Die Bescheidenheit in Bezug auf seine eigene Person und seine Offenheit habe ich auch in späteren Begegnungen immer wieder erlebt, stets hatte man das Gefühl, dass man mit dem Menschen spricht und nicht mit der öffentlichen Figur. (Er verstand sich – anders als in seinen Ding-Inszenierungen und Selbstportraits – als Mensch wohl nicht sonderlich auf die Selbstinszenierung). Wir trafen uns noch auf einigen seiner Ausstellungen, etwa zur „Autonomie der Dinge“, abstrusen Action-Stills, die unsere Sinne und unseren manchmal allzu gesunden Menschenverstand veräppeln und den physikalischen Gesetzen den Mittelfinger zeigen. Das scheinbar Unumstößliche hinterfragen, eine anarchische Lust, die Welt gegen den Strich zu bürsten, dazu ein lakonischer „Bild-Witz“. Es folgten einige Interviews, in denen er in klugen Sätzen skizzierte, wie man die eigene Kreativität wachkitzeln bzw. dauerhaft wachhalten kann oder warum er gerade die angehenden Werbefotografen, die bei ihm studierten, dazu anhielt, alles Stromlinienförmige und Marktkonforme erst einmal beiseite zu schieben.

gerhard vormwald

Das letzte Mal sprach ich ihn im Herbst letzten Jahres, ich suchte seinen Rat zu irgendeiner Story, die ich zum Thema künstlerische Strategien schrieb; es war dann doch eher ein gemeinsames Brainstorming. Außerdem schlug ich ihm eine Geschichte unter dem Arbeitstitel „So wurde ich Fotokünstler“ vor – eine Art Rückblick auf seine Karriere, angereichert mit Tipps für die nachfolgende Fotografengeneration, für das er mir dieses frühe Selbstportrait  zugeschickt hatte.


Gerhard Vormwald, Selbstportrait, Glasgow

Gerhard Vormwald, Selbstportrait, Glasgow

Aus redaktionellen Gründen wurde dann doch nichts daraus. Zufällig fiel mir Anfang des Jahres wieder das Portrait in die Hand, das ich bei unserer ersten Begegnung gemacht hatte. Ich legte es auf meinen Schreibtisch, um mich daran zu erinnern, es ihm zu schicken. Jetzt ist es wenigstens hier noch einmal zu sehen. Als er Anfang März starb, war ich gerade im Ausland, und so erreichte mich die Nachricht über seinen Tod erst als ich die PHOTONEWS aufschlug und einen Nachruf fand. Jetzt hat er, „der bescheidene Künstler mit Weltruf“ (Eifel-Zeitung), dort oben oder wo auch immer er jetzt gerade sein mag, die Möglichkeit sich noch intensiver um die Langeweile zu kümmern. Jedenfalls hoffe ich das. P.I.P.

Gerhard Vormwald, Paris, 1973

Gerhard Vormwald, Paris, 1973

PS: Unbedingt noch mal auf seiner Website vorbeischauen, nicht nur wegen der Klassiker, wie dem „flying black man“, sondern gerade auch bei den in den letzten Jahren entstandenen „concrete illusions“ und den grandiosen „early reportages“ aus den 70er Jahren, in denen bereits der ganze vormwaldsche Bildwitz aufblitzt.

The end, the beginning, the end

My time us up. I’m unlikely to write until May. By then I won’t be in this blog.

I learnt photography from my dad. He was in the military, and carried a camera with him to Kashmir, Golan, and other similar places in the 1960s and 1970s. I remember photographing when I was six years old. Two of the cameras I used then are ones that I still have (and used till recently): Asahi Pentax Spotmatic, a reflex camera from the 60s, and Olympus XA, a compact camera from the 80s. I remember getting the XA as a camera I could handle easily when I was small. I also remember carrying a light meter when I was seven or eight.

The one thing about photography back then was that it was not available to everyone. Having some relatively fine piece of kit and a light meter did give you an advantage. With my dad we photographed quite a few local events in the South of Spain. Soon we started selling photographs to local magazines. At times I don’t know where my photographs end and his start, or vice versa. The only problem was that it soon became a job. I didn’t see at the time any means of personal expression in photography. It was mainly about getting a picture to set the scene, couple of portraits, maybe a landscape. In hindsight, I think the archives at my mum’s flat in Spain must have interesting photographs from a time when the South of Spain was moving from the 1980s to the 1990s. Things changed a lot. You can judge from the Ole magazine front pages that there was a sense of a time gone by to the 1980s. Some of our photographs are in there too, not quite sure which or where. I can’t remember


By when I was 14 I was quite fed up of the whole photography thing. I did carry on a bit but I quitted. I did other stuff instead. I wrote horror and sci-fi short stories. I did a degree in psychology. I learnt to write code.

I picked up photography again in my mid-late twenties, this time having seen how it can be a personal thing (and not just a job to do the biding of others). I had seen a man jumping over a puddle and I was aware of flashy photographs of seagulls eating chips. I enrolled into a documentary photography evening course (that I didn’t finish). I picked up a camera again and tried to take more and more challenging photographs. Not technically challenging. I tried to find liberating photographs that would put me in challenging situations. I wanted to see what I was made of. I tried to get these photographs to express something that was beyond the thing in front of the camera. And I burned, burned, burned. Projects had become too ambitious, life too chaotic. I was assaulted a couple of times. Exhausted of challenging myself over the years I quitted again less than ten years before picking up photography again. Running a gallery and helping photography via others was more soothing, but still hard work.

So in 2014 I decided not to pick up a camera again. At least for the many years. In the summer of 2014 I took some rolls of film to be developed. I moved house. Forgot about those last rolls of film (which I had developed with the intention to be the last). I picked them up in the autumn of 2015. I’ve not scanned them.

They look sad and melancholic.



Last 35mm





Lost relations: Cyril Costilhes

I completely lost track of Cyril. For a long time we used to discuss photography and what we shot on a very regular basis. We had quite an exciting photography history where we discussed stuff like documentary photography. Not the objective stuff (do musicians get asked to write objective music?!) but the way in which you try to convey a message or personal story through photographs. Funny that so many years after we used to be in touch, Cyril published a great book that for me ticks all the boxes. It revisited something that did really happen, conveyed it to the viewer in a way that doesn’t ignore the emotional / subjective feel of the journey, and it’s made of great photographs. Recurring themes: jungles, darkness, spider webs. Plenty of abstract patterns and expressionism. A document of dreams and nightmares.

Circle Diego

Circle Diego

Circle Diego

Circle Diego

Circle Diego

Circle Diego



I found out that discussions with Cyril since 2008 (presented here in the original chat format) follow up my relationship with photography. From the first guerrilla shows, to having camera crews, opening Third Floor Gallery, running shows and all the way to quitting photography.



10:10 PM Cyril: cool

10:11 PM did you have to pay anything to book the camp site?!

10:15 PM trying to put together a selection of black’n'white street photos, had to find everything and scan again and eveything after that…i realise the hard work that it is to edit your work down to something great…but i can’t go there without anything to show!! Anyway, you are probably already down the pub, i’m off cooking some food, speak to you late :) !

10:30 PM me: I was at the chinese for four minutes and I saw both goals…

10:31 PM Cyril: man turkey there are unbelievable!

10:39 PM Cyril: are you briçnging a project or just various stuff aside from you serie that will be projected there

me: just bringing more of the same

sticking it on a wall

maybe 60 5×7” prints :D

10:40 PM Cyril: fuck:)!

that’s a lot!

me: yeah

I’m editing it

Cyril: your serie of Cardif nights right?!

me: I just think that it doesn’t work like a sequence

but like a mosaic

10:53 PM Cyril: i miss england, going a lot to London since i left there but still….and it’s a shame i wasn’t into photography at the time as it was some made years!!

me: my area is quite much more local, though

yeah, the uk is great to shoot

10:54 PM huge variety in a small place

and people are mad

Cyril: exactly:)!!

10:55 PM did lots of “rave party”, techno stuff and man, such a shame i didn’t document this period of my life

me: shame indeed

I’ve been to a few raves

I just don’t have the time now to take two three days off

10:56 PM Cyril: yeah well that was when i was 20, now i just turned 31 all this is finish for me….but tomorrow is different, it is Music Day here :p!!



3:03 PM me: your pics are not on flickr anymore!

3:04 PM Cyril: i know lol

made them private….felt like taking most stuff out of the web for now, need to step back and concentrate on shooting…

back from shooting my father, actually…



9:00 AM me: I have my viva today!

doctoral thesis defense!

in two hours and half!

9:01 AM Cyril: what the fuck is that lol

me: lol

I go to this debate that determines if I’ll be a doctor or not

Cyril: wow


what kind of doctor?

9:02 AM me: I guess that doctor in philosophy



7:55 PM me: first is good

but I am unsure of the back of the guy at the right

Cyril: untitle 1?

me: untitled 7

7:56 PM I would change the back of somebody for the door

thats it

Cyril: Mat prefered that one too…yeah could find something different for the man back

me: cool

sounds good then

7:57 PM Cyril: but really…i’ve been hating my shot recently…depressing…life is boring and so are my photos..

7:58 PM me: gotta go

dont worry

ups and downs

just shoot more



12:06 PM me: going to ask david hurn for mindfist gallery :D

a friend has his address, so I’ll send him a letter

Cyril: really :)

12:08 PM me: :D

it’s his kind of place

Cyril: scanning back everything from my book project “Aaron Jacob”, have polaroids all over the place, some i can’t find, negatives everywhere, going throught everything and scanning them properly…fuck that’s a lot of works….



9:21 PM me: trying to get an arts studio / exhib space in cardiff

with local visual arts people

9:24 PM Cyril: nice nice nice

me: we expect to pay £50-60 / month each

Cyril: not bad

9:25 PM me: yeah

Cyril: good idea

9:26 PM just checking with you, make sure i get the boxe around the beginning of july

9:27 PM i will go there and put the stuff up around the 6th or 7th before going to Arles

(i’ll see if it can stay up there for 3 different parties )



Cyril: cool thanks Joni:)

3:53 PM i need a good stock of films for Arles….thinking of shooting color for d’Agata workshop, fuji 1600 iso, but not 100% sure yet…

me: I don’t know if I can make it…



4:53 PM so what Pizzafellas is doing in Cardif?!

me: filming

he’s going to arles from here

Cyril: you?!

me: yeah!

then he’s filming you!

Cyril: héhéhé

still don’t know where we will show the photos in arles

4:55 PM me: blue tack!

Cyril: maybe the chemist shop from last year

me: cool

Cyril: yeah but then we are stuck

me: ask, ask

Cyril: we’ll have to stay near by the prints as people expect to have their prints traveling around

me: yeah

4:56 PM or put them INSIDE the window :D



10:25 AM Cyril: so what do you think of Rubens edit?!

10:27 AM me: I want more of the cityscapes


10:28 AM Cyril: i know same here


so is he in?!

10:32 AM me: we might have to re-edit, though

work closely with him on the new one



11:15 PM me: and what is ph up to?

I’ve completely lost track of him

he seems to write in facebook a lot

Cyril: yeah i know

11:16 PM no more flickr account

i don’t know…i don’t even know if he shoot those days…

11:18 PM Haven’t seen much of Rubens stuff recently



9:48 PM me: I got an email that a kid stole my work to show in class

9:49 PM Cyril: lol

from internet?!

me: yeah



10:46 PM me: sent an email to roger ballen if he wants to show at our gallery

10:47 PM Cyril: héhéhé nice!!!

me: not bad

hopefully he has a sense of humour

met peter dench today and he was saying to try to get martin parr to show or auction a print

Cyril: nice

what about Bourcart?!

10:48 PM me: I want to get bourcart but maciej doesn’t think he’s famous enough!

I still want him in!

Cyril: really?!

me: so much nice stuff

Cyril: wtf

me: hahaha

Cyril: yeah man!!

me: send an email to maciej

Cyril: i mean…

what this about not being famous enough?!

i don’t get it

10:49 PM me: I’m not up for that either

bourcart rocks

I liked his wedding stuff

I probably like most of his stuff

he’s just good

no matter if it’s serious or fun or kinky

10:50 PM Cyril: yep

10:51 PM his forbidden city stuff

infetil madonnas

traffic stuff


really good

he deserves it much more than Ballen in my opinion



10:50 AM me: I’m standing off hcsp!

10:53 AM Cyril: really?!

not an admin anymore?!


10:54 AM me: too much going on

more exciting than hcsp

but I need to find somebody to replace me



11:42 AM me: was good last night



11:43 AM about 200 people

Cyril: oh yeah fuck it was last night


me: around 100 at the same time

around 400 beers were drank, and bottles and bottles of wine

and bottle of vodka

Cyril: héhéhéhé



12:56 PM Cyril: preparing next exhib?! Who’s next, salomon?!

12:58 PM me: solomons

12:59 PM hopefully then jocelyn bain hogg

Cyril: never heard

me: http://www.jocelynbainhogg.com/portfolio.cfm?nK=2502&nS=2&nL=1

Cyril: yes i’m on it already



12:17 AM me: got a deal with newport uni on printing

they’re going to print shows for us

Cyril: found a guy named Chad states on Alec soth blog, he just won second prize for dummy book, his project is named “Cruising” and is on gay dogging spots (he works on different places), at first i didn’t want to watch it but then was curious, was scared it would look very similar, the places feels the same but different way of working so it is ok :) http://chadstates.com/

me: lambda prints

Cyril: héhéhé nice

12:18 AM cheaper?

me: free

Cyril: fuck that’s perfect, lambda print are very nice

12:21 AM me: yeah

heh, that guy has good pictures of trees ;)



1:26 PM me: dropped an email to mark cohen about exhibiting him and he replied ;-)

Cyril: héhéhé nice:p!!!!

me: you like mark cohen? @D


Cyril: hahaha

1:27 PM no he sucks ;) !!!

me: it’s one of the most underrated guys out there

Cyril: totally!!!!!!!

me: you should hear his name quite a lot more often

Cyril: yep!!!

keep me posted about this

me: yeah

you could pop by for the opening if he’s coming

1:28 PM if we have an exhib :D

Cyril: about to go visit my dad, bought 2 disposable cameras to give to nurse for them to shoot my dad

i can’t i’m working

1:29 PM me: well, it would be closer to next summer or something



5:07 PM me: hey

5:08 PM just got home from work, but have to do phonecalls and emails about pr and exhibitions straight away… send requested images to press and such

5:09 PM Cyril: good good



10:49 PM Cyril: You’ll be all day at nofound on saturday?! I’ll come in the afternoon i think, did you change your phone number?!

10:50 PM me: no, still 079XXXXXX

I think so

I’ll be doing portfolios in the morning

then something in the afternoon I guess

but free to look around :D

10:51 PM sounds like christian (pizzafellas) is coming too

Cyril: nice nice:)!

10:53 PM but maybe i’ll be there earlier don’t know yet, i’m supposed to see antoine but i’m sure it’s going to be very tricky for it to happen specially during a week end like paris photo…he told me to phone him when there, let’s see

planning on going to Offprint, le bal

10:57 PM me: heh, yes

I’d like to go to offprint and le bal

but depends on how I do in terms of time…

I arrive friday night and leave monday morning :)

[Here we stopped chatting via google chat. We exchanged some emails.]


14/11/2011 20:22

Cyril: So did you get Antoine?! I’m glad you got to meet him!

14/11/2011 22:11

Me: Hey, yes, but he already was in Marseille on his way to Asia! Just landed in the UK, on my way to the train station. Feeling quite tired even if I tried to sleep as long as I could!

07/02/2013 21:11

Me: Hey Cyril!

How are things? Here really busy with work, a bit crazy! I was thinking if it would be ok to talk about The Pond in a Magnum professional practice workshop I’ve been invited to. I’m keen on talking about stuff we haven’t exhibited! smile emoticon

08/02/2013 20:32

Cyril: Hey Joni! I’m good, been in Diego Suarez, Madagascar, for two months now, back to france in 2 weeks, 6 months work then back to Diego. Hard first month, didn’t feel like photographing, was more into living, experimenting the place, absorbing the atmosphere and darkness of it…

29/04/2013 10:29

Cyril: Hé Joni, here is a little edit of my first trip to Diego, planning on doing another trip there but shorter to be in a different energy, probably 3 weeks, then will start working on a dummy…then maybe a third trip and that’s it…

29/04/2013 11:32

Me: nice :)

12/04/2014 23:45

Cyril: Happy birthday man! What’s up with you, are you done with photography?!

Me: I think so! I’ve barely picked up a camera over the last year

Cyril: Crazy how you lost the passion! Missing Joni the photographer:(! I have a book planned with Akina Books, i’ll keep you posted if you’re interested!

6 April  2016 19:17

Me: Hey Cyril!

any more books on the works after Grand circle?

I was going to order it last year around this time but I somehow forgot, just put an order out for it

completely disconnected from photography

Cyril: hé Joni so cool to get news from you

Me: yeah, it’s weird

Local Vs Global

Photography is a fairly globalised thing. Check the internet: it’s full of pictures. You can easily read of lands far away where photography is happening… and see the pictures. People on the other hand don’t travel digitally. They have to move around with bicycles, planes and trains. They are sort of local creatures of habit. Much less nomadic than they used to be.

What is the point of galleries nowadays? In Third Floor Gallery we’ve got the criticism of not being local enough. We keep an eye on blogs, publishers, photographers and galleries independently of their location. But is it enough to be part of that network and node structure? How locally focused and by which means should you be? Welsh photography or British photography quotas? Great conversation to go hand in hand with Brexit.

TFG in Western Europe
TFG in the context of Western Europe

What do you think is the solution to having a physical gallery that is local within a network and content that are global? Do you follow galleries which you have never visited (I’ve never been to MoMA or FOAM)? Do you think there is a risk of being so local as to being insular?

Beginnings (iterate)

This should probably have been two better thought blog posts. No time for that.Curating a show

It’s so hard to find people to take over a gallery. When we started it was easy. It was 2010. It was difficult to get a job. Lots of students didn’t get part time jobs and they volunteered instead. Actually, it was probably the best thing you could do if you wanted to get a job. You could show you pulled your socks up or whatever. You could claim to have some experience managing people. Other people wanted longer hours in paid jobs but could only work part time. We had some time. I worked part time (four days a week) and spent another 20 hours or so emailing photographers, being at the gallery, curating shows, writing PR, changing light bulbs, sequencing, writing legal paperwork. You name it. Exhausting stuff, but we were young (-ish) and ambitious (-ish). Now that the gallery is set up it’s all easier. There are lists for PR, designers, the legal paperwork is sorted, the brand, etc. You’d expect to find people to help.

Early beginnings - Metro

Sunday before last we met up with a guy that answered our call for help on Twitter. We explained what running a gallery is: literally running a gallery. Sounds daunting but it’s easier than working at a hotel reception because it’s more fun. And people invite you to give talks about it. You can go to exciting places like Liverpool expenses paid.

An aside. I really like Open Eye Gallery in Liverpool. I’ve been there once for a show and it was great. I thought that being a fan of Kohei Yoshiyuki their show of The Park would be sparse and disappointing. Instead it was great, full of content and massive immersive prints shown in the dark.

Back to the Sunday before last. We met at this new alternative cafe that shows photography called Little Man. Great that we have an interest in such a democratic medium. You can just bang prints on a wall of a cafe and you might be doing a better job than the Tate. The interesting thing was the beer we had.meetup_10_4_16Pipes brewery in Cardiff had to change name for legal reasons, but when they started they hit a niche. We hit a niche back in 2010 as well. In Cardiff I had a reasonable access to photobooks (via online shops and occasional visits to London) and photography on the web. But exhibitions were hard to come by. We had Ffotogallery which was doing a good job at arts photography (mainly-ish). But in a way that was like being in a town that has only one cinema and doesn’t always show what you wanted to see. We craved to see more photographers we saw on the web and in books up in print. Some personal documentary, some photobook bestsellers that didn’t seem to show up much in the UK, a few controversial types. Pipes beers were a bit of the same.

If the reader doesn’t know much about the UK beer scene, here is a summary: there is a strong tradition of British beer (you get plenty of this), a lot of poor commercial lager (even more of this) and more and more American influenced craft beer (back in 2010 this was on the up but not like nowadays). Pipes didn’t really specialised in any of these. They are the only British brewery that I know that has brewed what I had that Sunday in Little Man: a German Doppelbock. German beer is pretty scarce in the UK, mainly because imports are dominated by Pilsner and Weissbier. Pipes insted has featured the likes of a regular Helles, smoked lager, Altbier, Schwartz, Berliner Weisse, etc. They aren’t madly popular in the UK, but you just can’t get them anywhere else. Lots of people do actually like them. Beer, like photography, is democratic. And if you don’t like your scene you can brew your own.Vincent Delbrouck

So on Thursday (day after tomorrow) we are catching up again in a pub. Bringing photography, beer and diversity in each back together. We need to talk with the volunteers, we need to get people to run a gallery (please, give it a go) and we need people to curate shows. I usually aim at people in the 20-30 age range because they are foolish enough. But universities make them conservative and they seem to have the wrong expectations. Think it’s once in a lifetime that you are foolish and you get to follow your dreams. They are nothing particularly glamorous, but you can go to bed at some point in twenty years thinking to yourself, “you know what? I did put together a wicked show of Japanese photography”.

TFG achievements over the years

(All the photographs of the gallery come from memory lane and have been taken by a variety of photographers. You can find the credits of each on the TFG Facebook page.)


There is nothing more to aspire than harmonic imperfection. Imbalanced imperfection. Something that is real and true but not rehearsed. Like Kerouac in The Subterraneans (you have to read it in English, and you have to read it fast, it has a beat beat beat). Like Robert Frank photographing the USA. Only one take. Quick, quick, go, go. Garry Winogrand trying to hit the beat of LA in the dusk of his career. You might have planned it but you are trying to transcend. You are touching god. And you fail every time. It will never work but sometimes it touches others. Like PK Dick’s VALIS, a pink ray of energy from the Cosmos.

It’s my birthday.

This is the best song I have ever heard: Sister Ray

It should not work. It’s one take. John Cale played organs too loud. Lou Reed went through some lyrics. Moe Tucker bashed a drum set at different paces. Everything changed, everything was improvised but planned. Sterling Morrison tried to bring his guitar up in the mix. Only one take. The sound engineer walks out. It somehow held together like a beautiful broken butterfly. Good photography is the same. It should keep you wondering why you are drawn to it. It shouldn’t work. It should bring the irrational and the rational to the same plane, like a folded paper plane. It’s not worth it if you can explain it. Photography can bring you back to unexplained rainbows.

I’m not sure if linking here to youtube is somehow not ok. All the credit goes to the Velvet Underground (Reed, Morrison, Cale, Tucker).


Introduction & April preview

Just a quick post to introduce myself and tell you what I’m planning for April.I’m Joni. I’ve gone into retirement from photography, slowly, since around 2014. Before that I was very heavily involved in both photographing and running a photography gallery (Third Floor Gallery). I have to be grateful for Hatje Cantz to jolt me out of retirement and get me thinking on photography. It’s a strange set of coincidences that make me think about it more through this first half of 2016. Now I don’t go out with a camera in my pocket and spare batteries and film in the other. Instead, I’ve just been having a cup of coffee in the garden after doing some weeding. Sounds boring, but I’m a lot more boring nowadays than I was ten years ago. And I enjoy that.

To be fair, photography does show up in my life a lot. I quitted once before when I was 14 or 15. I’ll touch on that too. It features as an obsession I work hard to get rid of. A bit like smoking, it’s not something you just stop and expect to not take up again. You have to expressly work on it. Burn bridges. Get other hobbies. Hope you don’t get dragged in. I’ll touch on obsession in another blog post (obsessive photography obsesses me).

Here is another thing that obsesses me.

Fruit tree

Fruit trees. Lovely things that give you back many times more than the effort you put in. Like photography projects they do take a lot of time. You have to plan, design, nurture them, etc. But they reward you in that way easy, physical way that you can easily share with others. Three years after planting, having mulched and pruned you pick that first apple and give it a bite. After that they run free. You can let go, which is something that with photography you can’t.

I’ll also pick up what has happened to Cardiff. What happened to all those photographers here. The other week I got invited for a pint with some people I’ve worked very closely with: Claire Kern, Bartosz Nowicki and Gareth Phillips. I had to think about photography and we discussed a lot about the past. I had to think and justify why I stopped; which isn’t easy. We discussed archives, we discussed how Cardiff had changed. Flickr, running a gallery, how people don’t get as drunk anymore. More on that later, including how things I’ve lived through have ended up in museums, which is a surprise given I’m not 35 until next week.

Other things I’ll pick up:
- People I haven’t exhibited.
- Some great people I did exhibit and I’m proud of.
- Does quitting photography make you happier?
- I’ll catch up with photographers I’ve not spoken with for years.
- My photography archives from the 80s, before I was 10 years old.
- How difficult it is to find people to run a photography gallery.
- Mistakes.

I might not get to cover all of these but it’s a good reminder. It will also hold me accountable and focused for a few weeks.

To wet your appetite, here is a picture of one of the simple pleasures in life that just seem to taste better when you don’t have to wake up early next morning to scan through ten rolls of film.

Pint of beer

Also, don’t bother with my old blog, my flickr page or my website. I let all go.

Künstler, Klischees und Kreissägen

Marta Herford, Modell des Museums mit geplanter Ausstellung "Momente der Auflösung", 24.6.–9.10.2016

Marta Herford, Modell des Museums mit geplanter Ausstellung “Momente der Auflösung”, 24.6.–9.10.2016

Paris, Amsterdam, London – die Frisur sitzt. Warum auch nicht, schließlich entsteige ich keinem Privatjet auf den Flughäfen dieser Welt, sondern sitze in meinem windstillen Atelier vorm Rechner. Auch bin ich nicht dabei, Ausstellungen im Palais de Tokyo, im Foam und in der Tate einzustielen, sondern kommuniziere mit den Metropolen aus einem ganz einfachen, aber folgenschweren Grund: Das Papier ist alle!

Ein Tag zuvor. Ich stehe bei HSL in Düsseldorf vor der Leuchtwand und schaue mir die großen Probestreifen der Bilder an, die ich zur Zeit für verschiedene Ausstellungen produziere. Zwei davon, Einzelausstellungen in der Thomas Rehbein Galerie in Köln und bei Sipgate in Düsseldorf, sind bereits Anfang April, die dritte im Marta Herford im Juni – nicht mehr viel Zeit also. Ich bin regelrecht aufgedreht, wie ein Kind an seinem Geburtstag: Die Tests sehen richtig gut aus, und ich freu mich darauf, die Bilder in groß zu sehen.

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“Und jetzt die schlechte Nachricht.” sagt Jürgen Halfar, mit dem man sich vorzüglich über verschiedene Schärfetechniken unterhalten kann und der immer die Ruhe weg hat, wenn ich gefühlt stundenlang vor meinen Bildern sitze und über Farbe und Kontraste sinniere, und rückt mit den Neuigkeiten raus. Er habe nur noch eine Rolle mit 15 m (was bei 15 meist großformatigen Arbeiten gerade für die Hälfte reicht) und er könne wider Erwarten so schnell kein neues Papier bekommen. Ein Lieferengpass. Ich denke an alles Mögliche, was passieren kann: an Festplatten, die abrauchen, an verunglückende Glastransporter, an Grippewellen und an Wassereinbrüche im Bildlager – ein Produktionsrückstand bei der Papierherstellung stand bislang nicht auf der Liste.

Sooo schlimm sieht das Muster des Alternativpapiers, das mir jetzt Jürgen vor die Nase hält, nicht aus. Ich verwende ein Fine Art Papier (Was auch immer das heißt. Gibt es auch Rough Art?) aus 100% Baumwolle, einem Naturpapier also, bei dem die Oberflächenbeschaffenheit naturgemäß Schwankungen ausgesetzt ist. Das andere – erhältliche – Papier hat dieselbe Farbe, allerdings sieht man beim näheren Hinschauen feine parallele Linien. Man könnte dies als eine solche Schwankung abtun, ich befürchte aber, dass der Effekt je nach Lichtsituation deutlicher ausfällt als gewünscht.

Und so setze ich mich vor den Compi und schaue, ob nicht irgendwo noch eine Rolle IFA22 von Innova ihr tristes Dasein als Ladenhüter in einem dunklen Regal fristet. Das Internet ist toll, Google spuckt sofort eine Liste aus mit Händlern, die mit dem Papier dealen. Dass die Liste nicht allzu lang ist und die deutschen Einträge bereits nach wenigen Zeilen aufhören, dafür kann das Internet nichts. Auch nicht dafür, dass die meisten Händler nur Emailadressen als Kontaktmöglichkeit anbieten und keine Telefonnummern. Wie blöd ist das denn? Der Zeitgewinn, den uns die Online-Suche verschafft, wird dadurch zunichte gemacht, dass man auf Antwortemails warten muss.

Letztlich, es ist inzwischen der nächste Tag, finde ich noch eine Rolle in der Schweiz. Während wir schon über die Zollformalitäten sprechen (etwas aus dem Alpenland herauszubekommen ist fast schwieriger als aus Südkorea!), erhalte ich einen Anruf vom deutschen Vertreter von Innova. Eine neue Charge Papier sei soeben in England fertiggestellt worden und könnte direkt zu HSL geshippt werden. Ok, 3 Rollen reichen erstmal, Glück gehabt. Sorry Schweiz, hallo London!

Hallo Krankenwagen! – das nächste Hindernis. Gerd Stenmans, Geschäftsleiter und -inhaber (früher hätte man “Chef” gesagt) von HSL berichtet mir von einem beunruhigenden Anruf des Schreiners, der die Rahmenleisten liefert. Er hätte sich soeben in Daumen und Zeigefinger gesägt und der Rettungswagen sei unterwegs. Wenn Gerd die Leisten unbedingt sofort bräuchte, solle er schnell vorbeikommen, möglichst vor dem Eintreffen des Notarztes, damit er noch an die Leisten käme, bevor der Schreiner ins Krankenhaus gebracht würde. Ein Schreiner, der sich mit der Kreissäge verstümmelt? Ich dachte, dieses Klischee gäb’s nur in schlechten Witzen, die mit Bierbestellungen zu tun haben. Warum muss mir die Welt ausgerechnet jetzt, in der Endphase einer wichtigen Produktion, zeigen, wie banal sie wirklich ist?

Begutachtung eines Lightjetprints bei der Firma Grieger, Düsseldorf

Begutachtung eines Lightjetprints bei der Firma Grieger, Düsseldorf

Gerd Stenmans, Rahmenlackierkabine, HSL

Gerd Stenmans, Rahmenlackierkabine, HSL



A propos Klischees. Ein Bäcker bäckt, ein Hacker hackt, ein Friseur schneidet Haare, ein Schreiner sich in die Finger und ein Banker schaufelt sich Geld in die Taschen – alles klare Berufsbilder mit klar definierten Tätigkeiten. Und ein Fotokünstler? Fotografiert und schläft lange? Zugegeben, letzteres kommt schon mal vor, aber fotografieren tue ich so gut wie nie, wenn man mal von Erinnerungsbildchen absieht. Tatsächlich habe ich meine letzte “richtige” Fotoarbeit im Sommer vergangenen Jahres gemacht, ausgerechnet in einer Zeit, die andere “Urlaub” nennen. Ein gutes Besispiel dafür, wie wenig Beruf und Freizeit zu trennen sind.

Wäre die Zeit, die man mit einer bestimmten Tätigkeit verbringt, maßgeblich für die Bezeichnung des Berufs, den man ausübt, wäre ich weniger Fotograf als Buchhalter, Archivar, Bildbearbeiter, Produktionsleiter, Grafiker, Architekt, Handwerker, Kurator oder Pressesprecher. Ich bin der Leiter meines eigenen Betriebs, der pro Jahr etwa 10 Fotowerke erstellt, und mein eigener Mitarbeiter. Daher kann ich nicht den Pressesprecher anschnauzen, wenn er mal wieder versäumt hat, den News-Bereich der Webseite zu aktualisieren, oder den Grafiker, der vergessen hat, auf dem Ausstellungsposter das Eröffnungsdatum zu erwähnen, oder dem Buchhalter in den Arsch treten, damit er endlich mal die Kostenkalkulation der kommenden Ausstellung macht. Zumindest sollte ich es nicht tun, damit meine Mitmenschen nicht den Eindruck bekommen, mein Verhalten würde pathologische Züge annehmen.

Und dennoch: Alles, was ich mache, hat mit meinen Bildern zu tun, und so werden selbst Exceltabellen und Kostenvoranschläge erträglich. Ich bin mein eigener Herr (der “Chef”) und meines eigenen Glückes Schmied (der “Handwerker”). Ich komme viel rum, habe mit vielen netten Menschen zu tun, und immer kommt was neues um die Ecke. Wie beispielsweise dieser Fotoblog, der mir – fast unerwartet – viel Spaß gemacht hat. Wenn ich jetzt noch wüsste, dass Ihr meine Beiträge gern verfolgt habt und dass meine Bilder ohne weitere Zwischenfälle heil an die Wände kommen, wäre ich ein sehr glücklicher Fotokünstler, der um nichts in der Welt mit einem Bäcker tauschen wollte (ich liebe Ausschlafen) oder mit einem Schreiner (ich liebe meine Finger).

PS: Dem Schreiner geht’s den Umständen entsprechend gut, und keine Gliedmaßen sind komplett ab. Die Rahmenleisten sind inzwischen bei HSL.

PPS: Auch das Papier ist heute gekommen.

Untitled (Sandtracks), verkauftes Exemplar, fertig zum Versand bei HSL

Untitled (Sandtracks), verkauftes Exemplar, fertig zum Versand bei HSL



Ganz unkommentiert möchte ich die Anschläge in Brüssel nicht lassen und zeige heute als einen nonverbalen Beitrag ein Bild, das ich vor gut 2 Jahren von der Baustelle des neuen Europa-Gebäudes direkt gegenüber dem Europaparlament gemacht habe.

FR 20, aus Blank, 2013, 117 x 98 cm

FR 20, aus Blank, 2013, 117 x 98 cm

Es ist ein Buch! Oder: Leere Batterie erzeugt Spannung

Beinah hätte ich am Freitag die Anlieferung des Vorabexemplars meines neuen Buchs Blank verpasst, weil die Batterie der Klingelanlage meines Ateliers leer war. Der Kurier war schon auf dem Weg zurück zu seinem Auto, als ich ihn zufällig sah. Hätte ich ihn nicht abgefangen, wäre ich weitere 2 Tage bis zum nächsten Anlieferungsversuch auf die Folter gespannt. Dann gälte: Leere Batterie erzeugt Spannung!


Ich öffne den Karton. Mal wieder ein Grund, aufgeregt zu sein. Seltsamerweise denke ich an eine Schweineschlachtung, die ich vor etwa 20 Jahren in der Ukraine fotografierte. Zwei Männer hielten das Tier fest, während ein Dritter ein langes Messer in das Herz stach, und das Schwein minutenlang quiekte, bis es die Augen verdrehte und endlich starb. Eigentlich ein schlimmer Anblick, der aber erträglicher wurde, indem ich das Geschehen unter dem Tuch meiner Großbildkamera betrachtete, auf der Mattscheibe, um 180 Grad gedreht. Wie gefiltert im Fernsehen. Vielleicht kein Zufall, dass die Bildfläche sowohl des TVs als auch der Kamera “Mattscheibe” heißt.

Jetzt ist es ähnlich. Ich fotografiere das Auspacken und schaue dabei mehr auf das Display meines iPhones als auf das Buch selbst, das ich inzwischen in den Händen halte. Mein Blog-Auftrag, meinen Alltag zu dokumentieren, lenkt angenehm ab und beruhigt. Dabei ist es natürlich ganz das Gegenteil einer Schlachtung – ich wohne keiner Tötung, sondern einer Geburt bei: Ein neues Buch erblickt das Tageslicht!

Dokumentationsauftrag erfüllt, Handy auf die Seite, mal einen direkten Blick riskieren. Wow! Fettes Teil, super Cover, hab ich das gemacht? Ich erwähnte es bereits in einem anderen Zusammenhang: Neben meinen Augen ist meine Nase ein wichtiges Sinnesorgan. Also Nase rein. Geruch? Super – so, wie er zu sein hat, würzig mit einem Hauch Fernweh. Stärke des Papiers, Haptik, Blättertest: bestanden. Jetzt die Tonwerte: im vorderen und hinteren Bereich krasse Schwärzen, noch tiefer als ich sie in Erinnerung und erhofft hatte, sehr gut! Und jetzt die hellen Bilder, um die es bei Blank maßgeblich geht: sehr, sehr geil. Fein und scharf. Zarte Übergänge bis in die Bereiche, in denen das Papierweiß Überhand nimmt. Das Konzept geht auf, die Randlosigkeit irritiert, wird aber als Konzept akzeptiert, das sich konsequent im Verlauf des Buchs entfaltet. Zumindest in meinen Augen.

Und doch bleibt ein Stück Restzweifel, den ich kurz nach Erhalt meiner Bücher immer habe und der sich erst nach ein paar Wochen verflüchtigt (mit Ausnahme eines Buches, das ich auch heute noch für nicht gelungen halte). In der Zeit nach dem Druck bin ich ein Seismograph, der auf hypersensibel geeicht ist. Wie ein Gerät, das eigentlich Kontinentalverschiebungen im Erdinnern messen soll, stattdessen aber zusammenzuckt, weil jemand in der Nachbarschaft eine Autotür zuschlägt. Ich habe mich Monate, eigentlich Jahre, mit den Tonwerten meiner Bilder und dem Layout des Buches beschäftigt, und so sehe ich jede kleinste Abweichung vom Original. Ein Bild hätte einen Hauch mehr Tiefe haben müssen, ein anderes ist 1 Punkt zu gelb, und ein weiteres hätte ich um 3 mm nach links schieben können. Noch fehlt mir der Blick für das Ganze. Ich zähle Sandkörner und merke nicht, wie schön der Strand ist, auf dem ich sitze. Ich werde nicht gern ausgelacht, aber als meine Frau genau das tut, nachdem ich ihr von meinen Zweifeln erzählt habe und sie das Buch gesehen hat, bin ich beruhigt.

Aber schaut selbst.

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Eine Kiste Konkretes versus Black Box

Zu wahr, um schön zu sein.

Zugegeben, die folgende Geschichte hat sich nicht gestern ereignet, sondern liegt schon eine Weile zurück. Sie passt aber so gut zu meinem letzten Eintrag, dass ich sie Euch nicht vorenthalten möchte.

Ich habe eine kleine Kammer mit einem Regal, in dem ich Kameraequipment und Werkzeug aufbewahre. Außerdem befindet sich in dem obersten Fach ein Datenspeicher, der praktisch alles enthält, das ich jemals digital fotografiert habe. Er ist groß und ragt etwas hervor. Er ist schwer. Und hat spitze Kanten. Dies hatte bislang keine besondere Relevanz (und war auch nicht kaufentscheidend), das änderte sich aber an dem Tag schlagartig, an dem er mir entgegenfiel.

Ich stehe auf der obersten Stufe einer Leiter und nehme die Kiste aus dem Regal, die neben dem Raid steht. Keine gute Idee. Alles ist im Leben miteinander verknüpft, so auch hier: Das Raid steht auf einem Extrabrett, das Extrabrett ist mit dem regulären Regalbrett verschraubt, das Regalbrett liegt lose auf, und die Kiste bildet ein Gegengewicht. So entsteht eine direkte physikalische Beziehung zwischen dem Raid und der Kiste. Nimmt man diese weg, folgt das Computerteil den Naturgesetzen, respektive der Schwerkraft.

Das etwa 20 kg schwere Gerät kippt mir also samt Regalbrett entgegen, während ich mit beiden Händen eine Kiste mit Pentax-67-Gehäusen, verschiedenen Nikons, Polaroidrückteilen und Objektiven halte. Ich kann nichts anderes tun, als mich mit aller Kraft mit meinem Rücken dem Datenkoloss entgegenzustemmen.


Ich komme mir vor wie in einem Film, bei dem Jacques Tati, Louis de Funès und Loriot gleichzeitig Regie führten. “Das Bild hing schief” schießt mir kurz durch den Kopf, während ich den digitalen Speicher mit meinem Rücken gegen die Wand drücke und mir dabei die scharfen Kanten in die Haut schneiden.

Eine interessante Situation, die sofort philosophische Fragen aufruft und zu allegorischen Gedankenspielchen einlädt. Eingekeilt zwischen analog und digital sozusagen. Zwischen zwei unterschiedlichen technischen Zeitaltern. Diametral verschiedene fotografische Philosophien, in einen einzigen Moment gepresst. Vor meinem Bauch ein großer Teil meiner beruflichen Vergangenheit, Equipment, mit dem meine fotografische Laufbahn begann, Erinnerungen aus der Studienzeit, Reliquien einer vergangenen Ära aus der vordigitalen Zeit. In meinem Rücken meine gesamte Arbeit aus der Zeit danach: mehrere Terabytes Bilder, die als Negative in Ordnern einige Meter Platz einnehmen würden und nun, auf meinen Schultern lastend, ebenso schwer scheinen.

Die Kiste kann ich nicht mehr zurückstellen und alles ungeschehen machen. So stehe ich vor der Wahl, was ich fallen lasse. Mechanische, herrliche Präzisionswerkzeuge, die ich zwar nicht mehr benutze, aber nach wie vor liebe, oder virtuelle Daten? Eine Kiste Konkretes oder eine Black Box? Die Vergangenheit oder die Zukunft?

Für was ich mich entscheide, ist klar. Als die Kiste aus über 2 Metern Höhe auf den Boden kracht, gibt es ein schreckliches Geräusch, und Objektive rollen über den Boden. Das Raid kann ich sicher zurück ins Regal hieven.

Ich würde gern sagen können, der Unfall hätte ein paar Narben auf meinem Rücken hinterlassen, das hat er aber nicht. Einschneidend war er aber für mich dennoch. Nie zuvor befand ich mich in einer derart klaren, aussagekräftigen, parabelartigen Situation, die von mir eine sofortige Entscheidung verlangte. Normalerweise gewöhnt man sich langsam an neue Techniken, entwickelt neue Gewohnheiten, bis man sich an alte kaum noch erinnert – ein Prozess, der sich meist über Jahre hinzieht. Selten verbindet man eine solche schleichende Veränderung mit einem bestimmten Moment wie hier. Eine Situation, die nur Metaphern beschreiben können: der Weg, den man nur vor und zurück gehen kann; der Schalter, der nur An und Aus kennt.

Ich habe mich für “vorwärts” und für “An” entschieden – es lebe die digitale Fotografie!

Herr Genereller regt sich auf

Ich lese einen Artikel über die neue E-Klasse von Mercedes. Der Hang der Autodesigner, das Innere der Autos, insbesondere des Oberklassesegments, mit barockem Unsinn auszukleiden und so abzudämmen, dass kein Geräusch der Außenwelt mehr eindringt, ist zwar geschmacklich eine Entgleisung und unter ökologischen Gesichtspunkten wegen der Gewichtszunahme kontraproduktiv, aber als Ausnahme noch zu ertragen. Dass jedoch die Karosserien (nicht nur die von Mercedes, sondern insgesamt) immer bulliger werden, und die Fenster im selben Maße immer kleiner, bis sie – insbesondere im Fondbereich – zu schmalen Sehschlitzen verkommen, ist symptomatisch für die oft zitierte “moderne” Gesellschaft und Ausdruck von Asozialität: Was interessiert mich der Rest der Welt? Sich von der Umwelt abschotten ist die Devise. Auf dem Weg von A nach B igelt man sich ein in kleine Kokons, Raumkapseln gleich. Drinnen ist es heimelig, draußen ist die böse Welt. Keine analoge, ungefilterte Wahrnehmung (Licht trifft auf Baum, wird reflektiert und landet auf Netzhaut), sondern digitalisierte, zerstückelte und neu zusammengesetzte, gefilterte, zensierte Häppchen via Infotainmentsystem. Vorhang zu, Bildschirm an – die Kids auf den hinteren Plätzen werden bespaßt mit Xbox und X-Men. Fahren Sie weiter, es gibt nichts zu sehen!

(Jetzt ein Wort, das ich als vorwärtsgewandter, moderner Künstler vielleicht besser nicht verwenden sollte, aber egal, man kann es sich manchmal nicht aussuchen: Das F-Wort ist “früher”.)

Früher habe ich während langer Autofahrten stundenlang aus dem Fenster gesehen, mit Menschen in anderen Autos kommuniziert, indem ich selbstgemalte Zettel an die Scheibe hielt oder einfach nur winkte, Häuser und Kühe und andere Dinge zählte (irgendwas zu zählen gab’s immer) oder Nummernschilder erriet (was mangels Google nicht überprüft werden konnte und oft zu seltsamen Städtenamen führte). Kurz: Die Phantasie wurde angeregt, und man war im direkten Austausch mit der Umwelt und nahm sie wahr.

(Es sprach der Großvater in mir, jetzt wieder der Fotokünstler.)

Was das mit Fotografie zu tun hat? Nichts, aber meine Fotoarbeiten haben etwas damit zu tun.

Zwar sind sie nicht die unmittelbaren Illustrationen einer aus den Fugen geratenen Welt, nicht die Visualisierungen eines verzweifelten Menschen zwischen zwei Generationen, der nicht weiß, welchem Zeitalter er sich verbundener fühlt, dem analogen oder dem digitalen. Im Gegenteil empfinde ich es als Privileg, in einer Zeit aufgewachsen zu sein, in der man sich noch per direkter Sprache verabredete, und heute in einem Alter zu sein, in dem ich noch alle (zumindest die nötigsten) Sinne beisammen habe, um die Vorteile der Digitalisierung genießen und die tollen neuen Möglichkeiten der Bildbearbeitung nutzen zu können. Ich fahre ein 50 Jahre altes Rad und bearbeite meine Fotografien mit den neuesten Programmen – das geht prima, und nichts löst sich in Unlogikwölkchen auf (Danke, Douglas Adams, für dieses tolle Wort).

Und doch schwingen meine Vorbehalte gegenüber einem unreflektierten Konsum und einer grenzenlosen Nutzung aller technischen Neuerungen und den damit einhergehenden sozialen Veränderungen in meinen Arbeiten deutlich mit. Abweisende Häuserfassaden mit Mustern kleiner, quadratischer Fenster, die – an Lochstreifen erinnernd – einen digitalen Code enthalten zu scheinen und die Menschen dahinter verschwinden lassen. Leitungen einer petrochemischen Industrieanlage, die aus dem Nichts kommen, im Nichts verschwinden, und dazwischen synapsengleich etwas auszutauschen scheinen – ein Sinnbild für nicht nachvollziehbare Kommunikation, die Black Box als White Space sozusagen. Metallschrott auf einem Recyclinghof als molekulare Grundstruktur alles Technischen, geschreddert und in seiner neuen Anordnung wieder organisch anmutend und an Venen und menschliche Organe erinnernd, auf der Schwelle zwischen Leben und Tod, zwischen Seele und künstlicher Intelligenz.

A propos künstliche Intelligenz – und jetzt komme ich wieder zu meinem Auftrag, aus meinem Alltag zu berichten: “Guten Morgen Herr Genereller, Ihre Tests liegen zur Begutachtung bereit.” lese ich vor 2 Tagen in der Email einer bekannten Düsseldorfer Produktionsfirma. Der Fortschritt schreitet voran und treibt mitunter seltsame Blüten. Die neue Mercedes E-Klasse kann weitestgehend autonom fahren, und die Texterkennung des Email-Programms ist ebenso überambitioniert. Sie macht nicht mehr das, wofür sie entwickelt wurde, nämlich einen Text zu “erkennen”, sondern sie glaubt zu wissen, was der Nutzer schreiben möchte. Und so wird aus einem individuellen Namen etwas Allgemeines, etwas Generelles eben.

Gefeller, ich heiße Gefeller, verdammt nochmal!


FR 01, aus Blank, 2010, 117 x 136 cm

FR 01, aus Blank, 2010, 117 x 136 cm


IP 12, aus Blank, 2012, 117 x 174 cm

IP 12, aus Blank, 2012, 117 x 174 cm


IP 20, aus Blank, 2014, 117 x 85 cm

IP 20, aus Blank, 2014, 117 x 85 cm




Farben sind Opportunisten

Oh, ein Fotoblog! Ob ich einen schreiben möchte, werde ich gefragt. Ist das nicht sowas, wo man sein Leben mit der Community teilt, sein Frühstücksei fotografiert und in die Runde fragt, ob sie das Gelb des Dotters auch so schön findet? Ehrlich gesagt, bin ich nicht sehr vertraut mit den sozialen Medien, zwar stolpere ich beim Googeln manchmal bei Facebook, Xing oder sonstwo rein, darf dann aber nicht weiterlesen, weil ich kein Mitglied bin, nicht dazu gehöre. Nein, nein, mein Frühstücksei müsste ich nicht fotografieren, wird mir versichert, und überhaupt reichten ein paar aktuelle Beschreibungen aus meinem Alltag. Das trifft sich gut, da gerade in diesem Monat viel passiert, über das ich schreiben könnte. Und dass ich nicht viel schreiben muss, passt auch, da ich wenig Zeit habe.
Na, dann mal los.


Vor 2 Wochen wurde mein neues Buch Blank gedruckt. Seit 2001 mein fünftes bei Hatje Cantz, es gab also genug Zeit, Routine zu entwickeln. Alles easy: kurz zur Druckerei, auf die Bögen schauen, alles toll finden und wieder nach Hause. – Von wegen. Neue Arbeit, neues Buch, neues Papier, neue Druckerei, neue Maschine, neue Drucker. Für Routine ist da nicht viel Raum. Dass nichts Schlimmes passieren würde, weiß ich noch nicht, als ich morgens um 8 die Druckerei Grammlich südlich von Stuttgart betrete, und so bin ich etwas aufgeregt.

Seltsam, wie beruhigend sich der Geruch von Farbe und Lösungsmitteln bei mir auswirkt. Ich bin in einer Siebdruckerei groß geworden und offensichtlich bin ich positiv konditioniert: Die Erinnerung an eine spannende Kindheit zwischen Farbregalen und Papierbergen entspannt mich. Damals wurde während der Arbeit geraucht (der Zigarettenrauch vermischte sich herrlich mit den Lösungsmitteldämpfen), Bier getrunken und später am betriebseigenen Grill mit dem Farbspachtel, mit dem man kurz zuvor noch die Farbe umgerührt hatte, die Wurst umgedreht – aber das ist eine andere Geschichte aus einer anderen Zeit an einem anderen Ort. Hier passiert sowas heute nicht. Zum Glück.

Denn Farben sind eine sehr, sehr heikle Sache, und Rauch und Alkohol begünstigen eine Beurteilung nicht. Farben ändern sich wie Meinungen, sie sind Opportunisten und passen sich an. Schaue ich mir den Druckbogen an der Maschine unter Normlicht an, ist er klar und kalt, schaue ich ihn mir in einer anderen Ecke an, ist er gelb, gehe ich damit nach draußen in den Schatten der Halle, ist er blau, und in der Sonne ist er einfach nur viel zu hell. Am Morgen anders als am Nachmittag und wieder anders in der Nacht. Das Papier des Buchs ist weiß, das der Originaldrucke, die ich als Referenz mitgebracht habe, gelb. Die Drucker (alle 8 Stunden ist Schichtwechsel, und so lerne ich während des 19-stündigen Druckvorgangs 3 sehr nette, wache Mitarbeiter kennen, während ich immer müder werde) helfen, wo sie können, aber letztlich hat jeder ein anderes Farbempfinden und ich meine eigene Vorstellung vom Endergebnis, so dass mir die finale Entscheidung über die Farbe keiner abnehmen kann.

Andreas Gefeller und Christine Stäcker, Hatje Cantz

Andreas Gefeller und Christine Stäcker, Hatje Cantz

Außerdem sprechen die Drucker eine eigene Sprache, und ich meine nicht Schwäbisch: Sagen sie “Blau”, meinen sie “Cyan”, statt “Magenta” sagen sie “Rot”, nur “Gelb” bleibt “Gelb”, und “Schwarz” bleibt auch, was es ist – der Druckbetrieb ist eine verrückte Welt, in der wie in Alice’s Wonderland nichts ist, wie es scheint – die Farbe eines Bildes, seine Schärfe, das Papier, alles scheint sich stetig zu verändern, und wenn man sich einmal umdreht und wieder einen Blick auf den Druck wirft, hat er seine Gestalt verändert. Man muss seinen Augen trauen und darf es gleichzeitig nicht. Mein wichtigster und verlässlicher Partner ist daher eine Graukarte. Die verändert zwar je nach Situation auch ihre Farbe, ist diese aber identisch mit dem Druck, weiß ich, dass der wohl neutral sein muss.

Aber der Kampf mit der Farbe ist nicht der einzige, den ich austrage. Ich kämpfe mit meiner eigenen Courage. In meiner neuen Serie Blank treibe ich die Auseinandersetzung mit dem Thema Wahrnehmung und Relationen auf die Spitze. Licht ist ein Informationsträger, zu viel Information kann man nicht mehr verarbeiten, zu viel Licht blendet. So werden meine extrem überbelichteten Bilder zu einer Metapher für Informationsflut mit größtenteils blanken Flächen, die auch die Ränder des Fotos verschwinden lassen: Wo hört das Bild auf, wo fängt das Papier an? Breitet sich das Bild auf dem Papier aus oder frisst sich das Papier in das Bild hinein? Ein Bild ohne Ränder: Unsere Sehgewohnheit sträubt sich dagegen. Ich muss daran denken, dass kürzlich Konzertbesucher, die bei einem Stück von Steve Reich, das nach einem klassischen Stück gespielt wurde, buhten und aus Protest den Saal verließen. Reich hatte auf den 3/4-Takt geschissen und unsere Hörgewohnheit gebrochen. Funktioniert das auch in der Fotografie? Oder hätte ich doch besser wie üblich einen leichten Ton als Hintergrund drucken sollen?


Zwar fehlt mir in einem eigens für Künstler eingerichteten Aufenthaltsraum nichts an Komfort und ich döse tatsächlich zwischen zwei Kontrollgängen kurz weg, aber gegen Ende bin ich so k.o., dass es sehr verlockend ist, den letzten Druckbogen einfach so durchzuwinken. Später bin ich dem Drucker sehr dankbar, dass er morgens um 2 darauf besteht, eine neue Schwarz-Platte zu machen, um die tiefen Töne (wo es sie denn gibt) ein bisschen besser zu modulieren. Eine Buchproduktion ist Teamwork, und im Gegensatz zu einer Küche darf in der Druckerei jeder ein bisschen nachwürzen.


Wieder zurück in Düsseldorf, liegt die Rolle mit den Musterdrucken einige Tage in meinem Atelier, und ich traue mich nicht, reinzuschauen. Erst auf Bitten eines Freundes öffne ich sie und wir sind beide begeistert, wie gut der Druck aussieht. Vielen Dank, Daniel Grammlich, für Deine Geduld und Bereitschaft, wo nötig als Feinkorrektur eine neue Druckplatte zu machen, Dank auch an die netten Mitarbeiter und – nicht zu vergessen – meine tolle Graukarte! Wenn jetzt bei der Bindung, der Prägung und dem transparenten Schutzumschlag nichts schief läuft, liegt das Buch in etwa 2 Wochen fertig bei mir auf dem Tisch – Ihr werdet es als erste erfahren.

Revolutionary Archive by Jochem Hendricks and Magdalena Kopp


Chorus: a discussion of Jochem Hendricks’s “Revolutionary Archive

Susan Sontag: Jochem, for years now you have had an extensive archive of police photographs in your possession, consisting of numerous files with negatives and contact prints as well as a crate with 16mm and super 8 films. In 2011, you started consistently drawing on the archive materials and processing them. Why did so much time elapsed between finding the archive and starting to work with it?

Jochem Hendricks: Sometimes you have to be able to wait! Many of my projects have had very long lead times, often several years in fact. Yes, of course you need patience and the confidence in the material and the idea underpinning the piece. I often walked around the two crates and looked at the materials there. I never doubted that it had the potential to be something exciting. It was simply that for a time I was not sure what. I simply knew something was lacking, and it was Magdalena Kopp who was then the missing link. That was clear to me the moment I met her the first time.

Roland Barthes: How should we imagine your stance towards this material? These are strong images without doubt and they are also politically explosive to a certain extent. But that is all historical, as these are anonymous found objects with a strong temporal link. Do you consider yourself a documentarist?

Jochem Hendricks: No, I’m neither a documentarist nor a sociologist, political scientist or historian. I am an artist and my focus is on the present. Of course I’m interested in all these things and references, they belong to the material as it were. My work involves extracting at various levels from their actual contents without erasing them, however! But working on them with artistic, I transfer the archive from a historical into an art context.
Anna Oppermann: All of that remains very theoretical. So what is the artistic effort involved, what do you actually do in your studio?

Jochem Hendricks: Actually? Well, I have an archive here that I view through the eyes of an artist and with his thoughts. An archive of very strong images that were not taken by me and have a sensitive background because the material was compiled by the police. The content of the images is down-to-earth, historical and for very many people relates to their biographies. My task is to absorb these factors, transport them into the present, where many analogous events occur…

Arthur “Weegee” Fellig: You are alluding to the current protest marches, the assassinations, political acts of violence, etc the world over?

Jochem Hendricks: … yes, I present they are simply everywhere! There’s Occupy and Blockupy in the west, Mass demonstrations in Brazil, in Hong Kong, in Egypt, in the Middle East, in Africa…
Anna Politkowskaya: … from where, thanks to the social media, a flood of images comes from an unprecedented scale. Do you see the “revolutionary archive” in this context? Is there a reference to everyday politics?

Jochem Hendricks: That happens automatically. If you are at my exhibitions has the images in mind anyway, as I do. But the archive is simply the wrong material and the surface of my work. I want to transcend the initial material, and the actual event is meant to become the archetype. Meaning what I focus on is precisely not archiving or storable analysis and certainly not on nostalgic mnemonic objects or putting my finger on the good or the evil.
Aby Warburg: Many artists rely on archives, be they existing ones or ones they create themselves. Is the archive of interest to you as a mnemonic system, a system of order?

Jochem Hendricks: Not really. I tend to find collectors of material suspect and I definitely am no archivist. I’m happy if I manage to keep a handle on storing my own works and don’t lose anything. Which constantly happens… no, what drives me on is the potential in eight in this police archive, not the implicit system of order. Even if it is amazingly thorough. Art is an open game with no fixed results, and per se for that reason I don’t champion some special hypothesis. I want to maintain the political element, but not let it dominate the artistic part, my objective is to strike a balance.
Bernd Becher: Back to the artistic practice. What’s the art component that you contribute?

Jochem Hendricks: Let me put it this way: I find the right people and take decisions. I set up a team of able players whom I’ve been coached unmotivated until we reach a result or the project fails. That’s how I tend to work. For the “Revolutionary archive”, meeting Magdalena Kopp set things rolling, and that was about eight years after I came across the collection. Then, my first basic decision was to reverse the sides/perspectives and have an ex-terrorist, a potential “victim” of police work, become the “active player” handling the material. In this way the two sides interact illicitly as it were…

Diane Arbus: … and what goes to make up the quality of the photos?

Jochem Hendricks: Thanks to Magdalena Kopp’s efforts, these amateurish snapshots become high-grade art photographs. She brings to the project not only a spectacular biography, but her skills as a photographer and as a veritable darkroom magician. Magdalena is so key to the project that she is always mentioned as the co-producer and jointly signs the photographs with me. We select the negatives and cropped sections together and Magdalena produces those marvelous gelatin silver barite prints in the darkroom we have set up in a Montessori school near her place. I had Cartier-Bresson in mind, and it’s not a great leap of faith to end up with Gunther Forg.

Gunther Forg: I disagree.

Jochem Hendricks: Your photographs are often out of focus, wobbly, and yet successful anyway!
Hannah Darboven: The path from found archive material to the claim to Art is a long and ambitious one.

Jochem Hendricks: Perhaps it’s clear that way: By enhancing the images I stripped them of a bit of their political/historical surface and insert them into an art context. The photos are always classically mounted in passe-partouts and framed ready for museum display. I can also influence how they function in exhibitions by how I choose and arrange the images and films in line with criteria such as narration, contrast, formalization etc.

Harun Farocki: We should definitely dwell a bit on the subject of films. Magdalena Kopp presumably does not play a role there?

Jochem Hendricks: No, not actively, but we reviewed them together and discussed them at length. The films are as important as the photographs. Both address the same topics: demonstrations, surveillance, evictions, terrorist bombings, department store arson, exchanging hostages, etc. Sometimes the photos and films were shot on the same day and on the same occasion. One red thread running through all the archive material and my project is the constant, redundant images discourse among all involved, in all the different variations. Photographers photograph photographers and cameramen and vice versa, policeman photograph or film demonstrators and they shoot back, people photograph one another, or reciprocate. For an artist that is of course marvelous material!
Nan Hoover: Does your treatment of the films differ from that for the photographs? They are related media, but do differ significantly in key areas.

Jochem Hendricks: in my exhibitions, the films assume the physical side to things, as it were. Films are per se more overwhelming than photographs. And I emphasize this with the presentation in large, closed and dark rooms with projection screens that run from wall to ceiling, each seamlessly abutting the next, surrounding the viewer. If the budget were to be there, I even put projections on the floor and ceiling…

Bernhard Blume: Do you really think that you will be visible as an artist as a consequence? That your work will simply because it is exhibited in galleries and museums be perceived as art?

Jochem Hendricks: Well, I retort by asking: Why does it get exhibited in museums? Of course the question then is: where’s the artist and where’s the art? Now, I developed the idea, structure the setting for the project, fine-tune things select and combined the people, elements and levels, like a movie director as it were, and transform them into a new whole. With each exhibition and each publication anew.
Charlotte Posenenske: Is it even important to be visible as an artist?

Jochem Hendricks: I ask myself the same question. Just like, where is the material from which part is made?

Bernhard Blume: Well, in terms of art theory that’s quite ambitious. You disappear as the producer, as it were, and yet claim to be there as the artist. The photos and films were not taken by you, neither are they ready-mades nor are they pieces made by assistants with your instructions. Magdelena Kopp is the co-producer, but not the co-artist. I can’t really pigeonhole this, it’s as blurred as the one or other of the photos…

Jochem Hendricks: If meant seriously, artistic work does not rest on solid foundations. But Art is not just analytical, it always has to do with emotions as well, with physical and psychic stimulation, especially if there’s a strong visual portion, like there is here. Which is why the films are presented as a large physical installation but the photographs as intimate portrait formats. And of course the enjoyment of images is also at work here.

August Sander: Unfortunately I didn’t catch any of your shows and ask myself whether your approach can actually be conveyed to others. Does the “Revolutionary Archive” also make sense to young people? And don’t the older ones simply get bogged down in memories?

Jochem Hendricks: The response was, at any rate, always unusually pronounced. Depending on the generation of viewers, biographical, historical and contemporary context are called into play, memory and the presents are then related to each other. This in itself serves to exaggerate things to the point of archetypes. Here, a prime example is the first presentation of the “Revolutionary Archive” in 2011, that took place exactly during the social unrest in London and in other English cities – at the time when Tottenham was on fire.

Text originally reproduced in the book Revolutionary Archive.

Revolutionary Archive
Jochem Hendricks and Magdalena Kopp
Koenig Books, 2015
ISBN: 978-3-86335-506-7

Arthur Mole: Living Photographs

I am not certain that photographs like those made by Arthur Mole in the early twentieth-century are purely an ‘Only in America’ phenomenon, but their patriotism towards Mole’s adopted country of the United Sates of America certainly make it seem so. Starting in the early days of World War I, Mole was commissioned to create spectacular images where thousands of people, properly arranged and photographed from a high vantage point, created a unified image of various patriotic symbols and emblems that included; the Statue of Liberty, the Liberty Bell, and a huge portrait of Uncle Sam. A new book by RVB features many of Mole’s epic ‘living photographs’.
The logistics of Mole’s photographs are staggering and took at times more than a week of elaborate planning for a single photograph. Shot with an 11X14 inch view camera high atop a towering platform, Mole’s partner John Thomas would direct the positioning of upwards of 25,000 people into the exact shape desired.
From these elevated vantage points, the foreground might have contained just a few hundred soldiers, where as the distant background, in order to keep the proportions correct might require tens of thousands.
Living Photographs presents 27 photographs in a creative design as is typical with RVB’s books. Blue tinted heavyweight plastic covers with white lettering and a red thread binding set the star-spangled tone. A fine essay by Louis Kaplan called “Photographic Patriotism: Arthur Mole’s Living Photographs” provides the historical context of Mole’s life and work.

Living Photographs
Arthur Mole
RVB Books, 2015
ISBN: 979-10-90306-27-1

Auto Body Collision by Shannon Ebner

A late discovery but one of my remaining book favorites from 2015 was Shannon Ebner’s latest book Auto Body Collision. Ebner has always found an intersection between symbols, letters and words and photography. Whether found within the everyday or constructed in her studio, she dissects the linguistic and visual representations in unexpected and meaningful ways.
By presenting the repetitive language of auto repair culture and subverting the intended meanings of those words, she draws a deeper metaphor of the self and the sense of interchangeability between language of the body and of the vehicle.
Part photography, part sculpture, and part performance, this ‘artist book’ combines equal amounts of text and photographs where “…the works involve the principle of collision where artist and viewer alike are confronted with the experience of treating photography as a language to be read, seen and experienced.” She has her way of slowing down the process of reading to a stand still, causing us to linger on alternate notions of meaning in the most common phrase.
As excited as I am about the work, I am less excited by the actual book. Ebner’s past publications, The Sun as Error (LACMA, 2009) and Strike (Mousse, 2015) were books made that felt like complete objects down to material, here though the type of paper chosen for the content, covers etc, has an feeling that doesn’t, in my opinion, suit the work. One might stretch to argue that the material feels like an auto-body repair manual but I am not convinced that was ever a consideration. Here is great work, take the body it came in, and hope someday it gets repaired.

Auto Body Collision
Shannon Ebner
Carnegie Museum of Art
ISBN 9780880390576

Publisher Spotlight: Cafe Royal Books

cafe royal
Last summer at the Photobook Bristol festival, one of the publishers in the book market was Café Royal Books. I had heard of Café Royal for a few couple years but never managed to actually see any of their publications in person which probably speaks more about me than them as they have published over 300 books since 2005.
Shankly One by Ken Grant, 12.02.15, 28 pages, 14cm x 20cm, b/w digital, Edition of 200

Concentrating on small documentary projects by mostly UK based photographers they publish books on a weekly basis. The books feel like a half-step between a ‘zine and a book, usually on one subject. Those subjects often feel like a great short photo-essay as one would have seen in magazines of the 70s and 80s.
One Day in July near Cable Street Southport by Ken Grant, 09.07.15, 28 pages, 14cm x 20cm, b/w digital, Edition of 200

The authors range from the likes of Martin Parr, Daniel Meadows, Ken Grant, Homer Sykes to the lesser known Jeremy Sutton-Hibbert, Colin Shaw, David Solomons and many others. Parr says of Café Royal, “A great archive of much forgotten documentary from the 70s and 80s.”
Shankly Two by Ken Grant, 14.05.1528 pages, 14cm x 20cm, b/w digital, Edition of 200

Café Royal was founded and is run solely by Craig Atkinson, based in the North West of England. Atkinson has a background not in photography but in architecture and himself has published dozens of the publications on his interest in the shifting face of architecture through his own photographs and in some books by using archival sources.
Chinatown 1984 by Martin Parr, 18.06.15, 36 pages, 14cm x 20cm, b/w digital, Edition of 250

The publications share the same cover design and are typically 28-36 pages, digital offset printed and priced usually £5- £7. The print runs are short, usually in 250 copies or less. Check them out, but be warned, it is very easy to become hooked on these small unassuming books to the point of becoming a collector before you realize it.


Ravenna by Gerry Johansson

Gerry Johansson’s most recent book, Ravenna is a walk along the city’s Candiano canal that leads from the city center to Porto Corsini at the Adriatic. His first visit in 2013 was spurred by an invitation to participate in a project called Adriatic Coast to Coast about the territories overlooking the Adriatic Sea. As the accompanying text states, “…he parked his car and started walking, alone, in the direction that seemed more inviting to him.” The 54 photographs were made over several visits between 2013 and 2015.
“When I am in a foreign country, I always read the signs and try to understand what they mean. In this case, I quickly realized that it was a place where someone was selling melons, which in Sweden have a similar name, meloner. Reading the sign MELONIMELONI, the sound made me automatically think of the words ‘melody’ and ‘meloncholy’. It was this combination of letters and sounds that urged me to start walking along via Bosca.” – Gerry Johansson
What I have always found refreshing about Johansson is the sense one feels of his enjoyment of moving through an unfamiliar landscape and responding with instinct to what is before him. The work forms not in the mind first but through the steps he takes and directness at which he looks. This is not unique to Johansson by any stretch but the sense of solitude and fullness of his frames are a reward for those who pause and look. Essentially, he trusts in the world to provide.
Ravenna as a bookwork is beautifully realized with a fine design by Leonardo Sonnoli. Many of Johansson’s books share the same size, almost like individual chapters to a larger work. This book is a sequence of loose leaves held together simply by the gutter fold and housed in an elegant black folder with silkscreened texts and cover. Published by Osservatorio Fotografico in a small edition of 350 copies, this will be gone before you know it.

Gerry Johansson
Osservatorio Fotografico, 2016

The Alphabet of New Plants by Robert Voit

In Robert Voit’s first book New Trees (Steidl, 2014), he traveled the world and photographed the typology of cellphone towers disguised to look like trees with the intention that they ‘fit’ in with the natural landscape – though the immediate perception is one of the fake and absurd.
Instead, they wind up looking like some alien device meant for harm, as if their creators had never really looked the natural predecessors closely. Towering palm trees sparse with fronds reveal metallic receiver panels; a saguaro cactus (perhaps the most realistic) with a black cable snaking from its trunk; unconvincing pines and redwoods with branches bunched only at their tops.
Voit’s latest book from Hatje Cantz is called The Alphabet of New Plants and again, deception is at work. Instead of the grand and physically large cellphone tower, he has turned his attention to a smaller form inspired by nature – artificial houseplants.
The Alphabet of New Plants has its precedent in Karl Blossfeldt’s Urformen der Kunst published in 1929, a book that found the intersection between science and art through photos of magnified botanical specimens so the details of the plant’s structure could be examined.
Unlike Voit’s previous project, one can easily be duped by these artificial versions. It is not until the viewer falls under the spell of the images that one starts to perceive the small ‘unnatural’ seems of a plastic-molded stem or the cloth texture of a leaf.
Comparing Blossfeldt to Voit one senses the inverse nature of both bodies of work – Blossfeldt’s were real specimens that when magnified become almost unbelievable that they are naturally occurring, while Voit’s specimens are completely artificial but appear remarkably natural to the eye.
The Alphabet of New Plants is clean in design much like New Trees. They share the same trim and plate size with captions on the left facing page. In essence one can see these as companion volumes – a set of two books that bridge nature, man, and the absurd.

The Alphabet of New Plants
Robert Voit
Hatje Cantz, 2016
ISBN: 978-3-7757-4046-3

Walker Evans: Labor Anonymous

Walker Evans: Labor Anonymous
Essays by David Campany, Jerry Thompson and Heinz Liesbrock.
Verlag der Buchhandlung Walther Koenig, 2016
ISBN: 9781938922947

The publication Walker Evans: Labor Anonymous is the first in-depth investigation into a series of the same name, which Evans published in Fortune magazine in 1946. On a Saturday afternoon in Detroit, Evans positioned himself with his Rolleiflex camera on the sidewalk and photographed pedestrians, mostly laborers, in his characteristically clear and unadorned way – an aesthetic he described as the “documentary style”.

As in his earlier subway portraits from the New York underground, his subjects were often unaware they were being photographed, but some of the pedestrians also looked straight into the camera. Representing much more than a simple typology, this photographic series does not offer a preconceived image of humankind or class, but – as foreshadowed in its ambiguous title – encourages critical reflection on such concepts.

This publication anchors the series in Evans’s oeuvre and presents a selection of more than fifty photographs from the series along with contact sheets, drafts for an unpublished text, notes, and letters from the Walker Evans Archive at the Metropolitan Museum of Art, New York.

© Brian Griffin 1978

A couple weeks ago Bernd Detsch at Art Book Cologne offered me a curious little booklet by the British photographer Brian Griffin. It was 34 pages including the cover, staple-bound with seventeen black-and-white photographs accompanied by curious line drawings in the page margins. There was seemingly no title except for a tiny script below the cover image that stated ©Brian Griffin 1978.

I have admired Brian’s work for some years after buying a paperback copy of his book Work published in 1989 by his imprint Black Pudding. That book has remained a favorite of mine, and one I recommend often as an overlooked gem in the photobook world.

His commissions for corporate portraiture began when he was ‘discovered’ by the Swiss art director, Roland Schenk of Management Today. His book Open was featured in Parr/Badger’s The Photobook: A History Vol II, of which Badger describes Griffin’s style of portraiture as “…always slightly subversive, its surreal qualities gently ‘biting the hand that feeds him’.”

A press release for his upcoming show at Steven Kasher Gallery describes his work a bit more succinctly than I can: “When Margaret Thatcher came to power in 1979, business was empowered and labor was belittled. To capture the heroes and victims of Thatcherism and globalization, Griffin invented a new photographic style, Capitalist Realism, parodying Socialist Realism. Griffin’s photographs embody the essence of the decade, modish white-collars, rock bands suited up in business-casual and tin lunch-pail toting masons. Inspired by the bureaucratic and claustrophobic world of Kafka, by the French filmmaker Jacques Tati and by German Expressionist cinema, Griffin turned the workplaces in which he photographed into stages and his subjects into actors.”

I decided to ask Brian Griffin a few questions about this quirky little find.
Jeffrey Ladd: You refer to this as a ‘zine, was it intended as a promotional piece for your professional commissions or an artistic statement?

Brian Griffin: It was an artistic statement. The whole book is a self-portrait of me at the time, with symbolic representations.

JL: How many were made?

BG: Maybe 500 copies.
JL: Was it ever officially for sale?

BG: It was for sale at £1 but I only sold one! I then stored it for 30 years!

JL: There are large differences between the selection of images in the printed ‘zine than on your website. Were there limitations to the printing cost or another reason that caused this different edit?

BG: To my website I added further images from the time as an afterthought. The images that were included in the ‘zine were my favorites for this project at the time.
JL: I am curious about the four images towards the end that appear as full page bleeds. What prompted the diversion in design?

BG: When the images expand to full bleed it was meant to take us into another zone.

JL: Were most of the subjects friends of yours? On your site you mention Simon Callow the film actor was a subject, who are the others in the photos?

BG: Charles Woods and Martin Cropper were friends. Martin Cropper is featured on the front cover and five other images. Charles Woods in two.

JL: There are two photos made near the ocean, they seem to greatly differ from the others.

BG: Those two were from a press session made for the band “The Pop Group” and shot near Weymouth. You have to remember that I was young, enthusiastic and really into expressionism. I was just starting to work on my music photography and that’s how I met Barney.
JL: On your website it mentions that “Barney Bubbles (who was an English graphic designer known for his album cover art and design) came to my flat in Chiswick London one evening and we came up with the concept for this ‘zine.” He contributed the graphic drawings?

BG: Yes, each graphic symbolizes what I felt about each image and Barney could only use a line, which of course could be curved.

JL: One could easily mistake the book for having no title. Originally was Brian Griffin Copyright 1978 intended to be the title?

BG: That was the original title. That was a Barney’ism!
JL: I had heard that this might be the first British self-published books from a photographer of your generation. Do you know if this is true?

BG: Yesterday I asked my friend Martin Parr to verify this, and to his knowledge, it is.

JL: Thank you Brian!
One last bit for music fans, one photo that appears in Copyright Brian Griffin 1978 is from a shoot for photos that graced the band Devo’s B Stiff e.p. in 1977.

Copyright 1978 and other work is appearing in a show entitled Brian Griffin: Capitalist Realism starting February 25th 2016 at the Steven Kasher Gallery in New York.

Thanks also to Anatole Desachy!

The Double Elephant Press

DSC02794Double Elephant Portfolios: Manuel Alvarez Bravo, Walker Evans, Lee Friedlander, Garry Winogrand

Steidl/Galerie Thomas Zander, 2015



Back in the mid-to-late 1980s when I was a young photography student at the School of Visual Arts in New York City I was infatuated with the history of American photography and specifically that rich era of the 1960s and 70s. In association with names like Garry Winogrand, Manuel Alvarez Bravo, Walker Evans and Lee Friedlander I had heard about these print portfolios that were created and sold in the early 1970s called “The Double Elephant” Portfolios.
I never saw one in person but I knew that to publicize their sale, the publisher Double Elephant Press also created posters for each portfolio. I knew this because one of these posters, for the Winogrand portfolio, hung in a small postcard and bookstore on Broadway near 4th street in Greenwich Village. I wanted to own the poster so desperately I offered the owner the outrageous sum of $50 for it – he wasn’t selling it.
In celebration of these rare portfolios and that tiny moment in photography history, the Galerie Thomas Zander and Steidl has released a box set of four books each featuring the individual portfolios that appeared before the short-lived project went out of business. An additional paperback booklet included provides on the history of Double Elephant Press.
Each portfolio included fifteen photographs so each of these volumes is slim but elegantly printed and realized. Over the four portfolios, one can see that they contained many of the landmark photographs from each of the photographers, and perhaps as Susan Kismaric points out in her essay, “…some of the greatest photographs of the twentieth century.”
There is one annoying discrepancy to all of the information provided, there is no mention of the original selling price of the portfolios. This is something I always wondered about and sadly no answer is found here. Mention of the selling price would provide an important reference point to the ‘value’ at the time for photographic prints, which we all know was quite low. The medium was new, photographs were not valued as an investment or commodity like other mediums – the first gallery dedicated to the sale of photography Lee Witkin’s gallery, opened just a few years prior in 1969.
For many years I hadn’t ever seen the other three posters from the set until one day I stumbled across this Adam Bartos photograph from the late 70s. The tail end of the Manuel Alvarez Bravo poster can be seen hanging on the back wall.
One last thought, if this portfolio venture hadn’t failed and continued to publish, would they have gotten around to a portfolio by a woman photographer? And who would that have been?

Auf der Suche nach der verlorenen Zeit: Giacomo Brunelli


Ein Flaneur müsse seine Sinne stets für das Große und Ganze öffnen, stellt Luc Sante in seinem gerade erschienen Buch „The Other Paris“ (Farrar, Straus and Giroux) fest. Neben all dem Offensichtlichen im Stadtleben eben auch für das Ephemere und all das, was gewöhnlich unterhalb unserer Wahrnehmungsgrenzen läge. Für die Textur und den Geschmack des Unbeschreiblichen und jene Dinge, die viel zu subjektiv seien, als dass sich ihnen je ein Reporter widmen würde. Ja, der Flaneur benötige geradezu einen sechsten Sinn für die Geister der Straße, ohne gleich an Übernatürliches zu glauben. Denn auf der Straße sei die Vergangenheit doch stets gegenwärtig.

In einer Zeit, in der Fußgänger lieber auf die Textbotschaften ihrer Smartphones starren, als ihren Blick für die Stimmung und das Ambiente einer Stadt zu schärfen, droht die Idee des sich entschleunigt treiben lassenden Flaneurs aus unserem kulturellen Gedankengut zu verschwinden. Wer will denn heute überhaupt noch Geister sehen?

Giacomo Brunelli ist in vielerlei Hinsicht ein Flaneur alter Schule. Geister tauchen gewissermaßen in den tiefschwarzen Schattenzonen oder im milchigen Unschärfebereich seiner Bilder auf. Und manchmal auch im wahnwitzig aggressiven Blick eines Straßenköders unmittelbar vor seiner Linse. Gerne erinnert man sich noch seiner „Flaneur“-Installation, die im Sommer 2015 vor dem Hamburger Rathaus seine Motivwelt in großen Lichtwürfeln zum Leuchten brachte. Brunellis derzeit in der Fotogalerie von Robert Morat präsentierte Bilder der Hansestadt wurden also ursprünglich von der Hamburger Triennale der Fotografie in Auftrag gegeben. Doch erst jetzt, im dunklen Holzrahmen an den Wänden der Galerie, entwickeln diese Motive vollends ihren träumerisch-narrativen Charme. Hier ist der vom Fotokünstler kontrastreich abgezogene Schwarzweißprint geradezu haptisch erfahrbar und hier intensiviert sich die nostalgische Note dieser Bilder noch einmal. Bei dem Italiener wird die Stadt zur Kulisse emotionaler Begegnungen, die einem Orson Welles-Film entnommen sein könnten. Derart düstre Stadtimpressionen in „Noir“, mit einem abgrenzendem (stets die Perspektive des Fotografen betonenden) Negativrand, kennen wir beispielsweise von einer US-Fotokünstlerin wie Susan Burnstine.

International bekannt geworden ist der in London lebende Fotokünstler Giacomo Brunelli 2008 mit seiner Serie „The Animals“ (Dewi Lewis Publishing). Auch diese stilistisch ähnlichen Tier-Portraits im finstren Streetstyle sind mit einer alten, analogen Miranda Sensomat-Kamera aus den 1960er-Jahren entstanden, die er gerne in Bodennähe und aus der Hüfte schießend einsetzt. Seine Tierbilder vermitteln uns Momente mit einer tiefenpsychologisch angelegten Instinkthaftigkeit, einer überraschenden bildjournalistischen Unmittelbarkeit und Nähe, die unsere Reaktionen unmittelbar herausfordert.

Tiere tauchen auch in Brunellis Hamburg-Bildern als bereitwillige Akteure auf. Hunde, Möwen, Graugänse begleiten uns in diesen manchmal fast schon scherenschnittartig angelegten Aufnahmen, die im Laufe von zwei jeweils dreiwöchigen Aufenthalten in der Stadt entstanden sind. Der Fotograf interessiert sich – wie bei der vorangegangen Serie „Eternal London“ in seiner britischen Wahlheimat ¬ – für die spontanen Begegnungen mit Mensch und Tier. Mit einer ausgefeilt individualisierten Bildsprache voller Schatten und Silhouetten zeigt er uns die dunkle Seele der Street Photography, vignettiert dabei akzentuierend seine Motive, dass sie und bisweilen wie im Traum anmuten.

Seine Hamburger Wege führen uns immer wieder zur Binnenalster und dem Elbufer. „Das Wasser bringt dort Mensch und Tier zum Innehalten, deshalb konnte ich mit meinen Fotos hier weiter gehen“, erzählt er. „Die vielen Kanäle und Brücken in der Stadt haben mir neue Perspektiven geöffnet, mit denen ich anderswo noch nie arbeiten konnte. Das Element Wasser habe seinen Bildern von der Waterkant eine neue faszinierende Dimension gegeben, die er in London nicht hatte.

Giacomo Brunelli ist ein in Jäger und Sammler, dessen Bildgeschichten die Straße, die Hinterhöfe einer Stadt, die Wiesen und Felder einer Landschaft schreiben. Der Mensch bleibt dabei immer nur ausschnitthaft, in Umrissen erkennbar, er repräsentiert im diffusen Licht der Morgen- und Abendstunden eher den aus der Zeit gerissenen Flaneur, den Spaziergänger, als konkrete Charaktere. Ein Bildhintergrund solle im Idealfall die Emotionen der abgebildeten Menschen reflektieren, hat der Fotokünstler mal in einem Interview angedeutet. In seinen Motiven verschmilzt diese Emotion zu einer melancholischen Grundstimmung, die in uns, den Betrachtern Verankerungen sucht.

Giacomo Brunelli: Hamburg, vom 16. Januar bis 12. März 2016 in der Robert Morat Galerie, Kleine Reichenstraße 1, 20457 Hamburg. Website: www.robertmorat.de

Untitled #04

Untitled #06

Untitled #08

Untitled #01

Untitled #02

Portrait des Fotokünstlers: © Manfred Zollner
Alle anderen Fotos: © Giacomo Brunelli

Haley Morris-Cafieros „The Watchers“

© Haley Morris-Cafiero



TurtleEs sind diese Blicke, die uns in Erinnerung bleiben werden: Abschätzend, herablassend in der jugendlich-dumpfen Arroganz derjenigen, die ein paar Kilo weniger auf den Knochen haben. Direktes, aufdringliches Gegaffe genormter Durchschnittsbürger mit amüsiertem Grinsen und offenmundigem Staunen hinter dem Rücken einer Frau mit anderen Körpermaßen. Die zum Bild gefrorene Einstellung zeigt sich uns in der entlarvenden Mikrogeste während eines – ohne Kamera kaum wahrnehmbaren – Sekundenbruchteils.

Keiner dieser Passanten ahnte zum Zeitpunkt der Aufnahme, dass sein Blick integraler Bestandteil eines künstlerischen Anliegens werden könnte. Er bemerkte nicht einmal, dass er im Mittelpunkt einer mühseligen, weil völlig unberechenbaren Fotosession stand. Jetzt ist er Teil von Haley Morris-Cafieros Langzeitprojekt The Watchers. Der Beobachtende wird selbst beäugt. Von Haley, von uns und von der Gesellschaft.

Haley Morris-Cafiero inszeniert sich im öffentlichen Raum. Das heißt: sie stellt sich hin, skatet entlang einer Strandpromenade, schleckt ziemlich unspektakulär an ihrem Softeis oder wartet einfach nur. Vor ihr: eine Kamera mit Selbstauslöser, vielleicht auch mal Assistenten hinter ihrer Kamera. Den Rest übernehmen die Passanten. Denn ab jetzt wird jene spontane Interaktion festgehalten, die zwischen dieser scheinbar so gänzlich in sich ruhenden Amerikanerin und anderen anwesenden Personen auf diesen öffentlichen Plätzen stattfindet.

In dieser gänzlich eigenständigen Mischung aus öffentlich inszenierter Portrait- und sozialpolitisch engagierter Dokumentarfotografie schreiben also Zufallsbegegnungen die Story. Wir können uns vorstellen, wie viel Leerlauf das Warten auf jene signifikanten Aufnahmen mit sich bringt, die erst die spätere Bildschirm-Analyse offenlegen wird. Erst in ihrer Summe kann dann aus vielen fixierten Einzelreaktionen ein relevantes Statement werden.

Manchmal spiegelt sich der fiese Blick der Betrachter selbst in deren Körperhaltung. Dann wird aus einer davor verborgenen „Einstellung“ plötzlich eine direkte, gestikuläre „Stellungnahme“, wenn etwa der Polizist in New Orleans die Abgebildete mit einer Macho-Pose hinterrücks dekoriert. Dann zeigen sich offene Formen der Ablehnung und Diskriminierung, die viele dieser Menschen öffentlich nie artikulieren würden. Oder etwa doch?

Haley Morris-Cafieros Bilder sind mittlerweile zu einer kleinen viralen Sensation geworden, zum Medienereignis mit Nachrichtenwert, das Amerika zur Reflektion gezwungen hat. Und noch bevor dieser Tage ihr crowdfinanzierter Bildband „The Watchers“ von der Magenta Foundation publiziert worden ist, hat die auch als Professorin am Memphis College of Art lehrende Künstlerin im Web viel Zuspruch, aber auch offene Hass-Kommentare geerntet. Auszüge dieser verbalen Reaktionen nahm sie nun ebenfalls in ihren wichtigen Bildband auf.

Das dort beschriebene Phänomen des diskriminierenden Blicks ist natürlich keineswegs landesspezifisch, wie Haley über einen Zeitraum von nun bereit fünf Jahren dokumentiert hat. Als Aufnahmeorte wählte neben US-Metropolen unter anderem auch öffentliche Räume in Berlin, Barcelona, Paris oder Prag.

Ist unsere Gesellschaft tatsächlich schon von derart konstruierten Körperidealen besessen, dass Abweichungen vom diesem künstlichen Schönheitstypus mit Hass und Spott abgestraft werden? Weil Barbie-Puppen, Lara Croft-Figuren und, ja selbst die „Silikone“ Pamela Anderson Generationen auf Slim-Fit-Format geeicht haben? Haley Cafiero-Morris arbeitet hier im doppelten Sinne mit einer Spiegelreflexkamera. Sie hält der Gesellschaft einen Spiegel vor, der ihre Reflexe aufzeigt.

„The Watchers“ erscheint mir deshalb in seinem konzeptionellen, ästhetischen und gesellschaftspolitischen Ansatz als eines der spannendsten Fotoprojekte seit Jahren.

Foto: © Haley Morris-Cafiero

Zum Tod von Marc Lagrange

Marc Lagrange fotografiert von Stephan Vanfleteren

Es gibt bislang nur spärliche Informationen, doch mittlerweile haben die spanischen Behörden und die Brüsseler Young Gallery offiziell bestätigt: Am ersten Weihnachtsfeiertag 2015 ist Marc Lagrange unter tragischen Umständen auf Teneriffa ums Leben gekommen. Am Tag seiner Anreise verunglückte der 57-jährige Belgier in einem Golfcart auf dem Gelände seines Hotels in Guia de Isora.

Die Tragödie ereilte einen der besten und erfolgreichsten Aktfotografen unserer Tage auf dem Höhepunkt seiner Karriere. Nachdem ihn der 2013 erschienene Bildband „Diamond & Pearls“ weit über Belgien hinaus auf dem internationalen Kunstmarkt etabliert hatte, war bei uns erst vor wenigen Wochen Marcs neues Fotobuch „Senza Parole“ bei uns veröffentlicht worden.

Marc Lagrange vereinte in seinen besten Bildern die Hintersinnigkeit eines Arthur Schnitzler mit der wilden Gedankenwelt später Federico Fellini-Filme. In opulenten, oft riesig vergrößerten Bildszenarien konnte dieser Fotokünstler bourgeoise Lust-Phantasien mit der provokativen, surrealen Kraft eines Louis Bunuel im Ambiente eines Luchino Visconti-Dramas inszenieren. Seine Bild gewordenen Lust-Spiele zelebrieren zwischen westlicher Bohème und orientalischem Harem meisterhaft die Abenteuer und Ausschweifungen der Libido.

Die Frau war in dieser Motivwelt, wie einst bei Helmut Newton, zugleich zeigefreudige Muse und selbstbewusste Partnerin im ewigen Reigen um Versuchung und Verführung. Seine exklusiven Sets in Schlössern, Luxushotels und Künstlerateliers dienten Marc Lagrange als Bühne des Unterbewussten, auf der dezent orgiastisch Triebe und maskuline Sehnsüchte ausgelebt und traumartig Tabu-Brüche angedeutet wurden. Der Belgier zelebrierte feminine Schönheit und Eros, er inszenierte makellos perfekte Körper und Szenarien der Seh(n)sucht. Häufig führten uns seine Bilder dabei in eine scheinbar vergangene Welt gepflegter großbürgerlicher Ausschweifungen.
In Zeiten omnipräsenter, billiger Internet-Erotik setzten Lagranges Werke auf die narrative Kraft elaborierter, bisweilen exotischer „One-Picture-Movies“, die die Phantasie der Bildbetrachter anfeuern. So wird sein Werk noch weit über die Gegenwart hinaus Bestand haben, während das Genre der künstlerischen Aktfotografie derzeit seine bislang größte Krise durchlebt.

In meiner Küche steht eine etwa 40 cm große Plastik, die den französischen Chansonnier Serge Gainsbourg in comicartiger Überzeichnung zeigt. 2013, bei meinem ersten Besuch in Marc Lagranges Antwerpener Hinterhofstudio, stand diese Statue in einem Regal neben dessen Schreibtisch. Einen kurzweiligen, verregneten Winternachmittag lang plauderten wir über die Kunst und die Fotografie und sprachen auch kurz über Serge und dessen Lieder, bevor wir uns Marcs damals gerade geplanten Bildband „Diamonds & Pearls“ zuwandten. Knapp eine Woche nach meiner Rückkehr in die deutsche Heimat stand die Gainsbourg-Skulptur sicher verpackt vor meiner Haustür. Marc hatte sie mir per Kurier hinterher geschickt. Er konnte in seiner spontanen Herzlichkeit unendlich großzügig sein und seine Freude und Faszination für die Kultur von Gestern und Heute mit anderen teilen.

Die kleine Gips-Skulptur in meiner Küche wird mich ab sofort an zwei viel zu früh verstorbene Künstler erinnern. Marcs Lagranges Tod ist in der deutschen Presse bislang noch fast überhaupt nicht kommuniziert worden, nachdem die Familie des Künstlers keine Informationen über die tragischen Ereignisse zur Weihnachtszeit veröffentlicht hat. Es ist jetzt an der Zeit, sein fotografisches Vermächtnis hierzulande zu würdigen.

Von Fotos, die Eindruck hinterlassen

© Manfred Zollner

Die Nachricht flatterte kurz vor Jahresende in die US-Haushalte. Wissenschaftler hätten jetzt aufgedeckt, was ein Foto zeigen müsse, um in Erinnerung zu bleiben, vermeldete die Washington Post am 29. Dezember 2015. Wenn das nicht nach einer mysteriösen neuen Geheimformel klingt. Das Geheimnis der nachhaltigen, ja unvergesslichen Fotografie? Endlich! Gelüftet!!

Die nüchterne Wahrheit hinter der journalistischen Schlagzeile der amerikanischen Tageszeitung liegt, wie so oft im Zeitalter von Big Data, in neuesten Erkenntnissen der Computerwissenschaft. In Analysen menschlicher Auswahlkriterien bei der Bildbetrachtung. Und letztlich in komplexen Wahrscheinlichkeitsrechnungen nach dem Motto: Menschen, die dieses Foto mögen, werden auch jenes lieben. Sie kennen ein ähnliches Prinzip beispielsweise vom Bucheinkauf beim Online-Versandhändler Amazon.

Forscher des Massachusetts Institute of Technology (MIT)  haben tatsächlich jetzt einen neuen Algorithmus entwickelt, der unvergessliche Fotos in der medialen Bilderflut ausfindig macht. Hinter Ihrer Arbeit verbirgt sich eine Frage, die jeden Fotografen interessieren sollte: Woran erinnern wir uns nach den Betrachten von Fotos und welche Bilder bleiben in unserem Gedächtnis haften? Die Antwort der Wissenschaftler sollte nicht sonderlich überraschen: Aufnahmen, die sich von anderen unterscheiden, werden von uns besser erinnert. Seltsame, surreale und widersprüchliche Fotos gehören dazu. Bilder mit einem Spannungsbogen, die Dinge andeuten aber nicht auflösen. Die Aufnahme eines Stop-Schildes im Straßenverkehr, auf das jemand „GO“ gesprüht hat prägt sich demnach stärker ein, als das Foto einer „normalen“ Straßenkreuzung mit Stop-Schild.

Den neuen MemNet-Algorithmus können auch Sie testen. Dazu müssen Sie Ihre Bilder auf diese Website http://memorabilty.csail.mit.edu/demo.html  laden. Die Analyse-Software der Universität wird Ihnen zeigen, welche Bildbereiche in Ihrer Aufnahme den größten Wiederkennungswert besitzen. Vor der Entwicklung dieses Analysewerkzeugs zeigten Aditya Khosla und seine Forscherkollegen ihren Probanten hunderte Fotos zweimal und werteten anschließend aus, welche davon wiedererkannt wurden. Der MemNet-Algorithmus suchte anschließend im Bildvergleich nach den Merkmalen, die jene Auswahlfotos unvergesslich machten.

Für den zeitgenössischen Bildjournalismus bleibt diese Auswertung allerdings ungenügend. Der Computer kann die historische Bedeutung eines Fotos und komplexer sozio-kultureller Zusammenhänge heute noch nicht einordnen. Als Beispiel nennen die Forscher jenes berühmte Foto des Protestierenden, der sich 1989 mutig vor die Regierungspanzer an Pekings Tiananmen Square stellte. Laut Algorithmus besitzt das Bild wenig Erinnerungswert. Dazu müssten wohl erst die Bedeutung von Aufnahmeort und –zeitpunkt, kulturelle und gesellschaftspolitische Faktoren einbezogen werden.

Fakt bleibt jedoch: künstliche neuronale Netzwerke werten heute bereits nicht nur am MIT unseren Bildgeschmack aus und folgen jenen digitalen Spuren, die unser User-Verhalten im Web hinterlassen. Diese helfen den Wissenschaftler dabei, eine neue Matrix unseres Denken und intuitiven Fühlens festzulegen.

Wie weit sind wir heute davon entfernt, dass ein für uns individualisierter Algorithmus in unserem Computer Bilder selektiert, die vermeintlich unserem Geschmack entsprechen? Die aktuelle Forschung um „Deep Learning“ und Künstliche Intelligenz hat diesen Weg längst beschritten. Analysiert würden dann all die von uns beim Surfen (eventuell etwas länger) betrachteten Bilder.

Fragt sich nur, ob wir derlei Bevormundung gut finden und wie derlei suggestive Software-Vorselektion langfristig unser ästhetisches Empfinden prägt. So mögen die neuen Erkenntnisse der MIT-Forscher didaktisch in der visuellen Kommunikation sehr hilfreich sein und sich die Werbewirkungsforschung schnell vieles davon aneignen. Ein gesellschaftlicher Diskurs darüber, welche Folgen derlei neuronale Netze für unser visuelles Denken und Gedächtnis haben, ist jetzt jedoch mindestens ebenso dringend nötig.

Worldtour #5: Kapstadt, Stevenson Gallery

Cape Town Station, Kapstadt, Dezember 2015 ©Nadine Barth

Cape Town Station, Kapstadt, Dezember 2015
©Nadine Barth

Die Beteiligten: Anna (Yoga Teacher), Joost, Andrew & Federica (Stevenson Gallery), Gosh (Flatmountain Coffee)
Anlass: Ein Dienstag in Woodstock, Kapstadt, Ausstellung „Schema“ bei Stevenson, mit Zander Blom, Wim Botha, Edson Chagas, Ian Grose, Samson Kambalu, Mawande Ka Zenzile, Moshekwa Langa, Mitchell Gilbert Messina, Meleko Mokgosi, Serge Alain Nitegeka, Odili Donald Odita, Deborah Poynton, Robin Rhode, Hans Richter, Viviane Sassen, Guy Tillim

Sie sagt, es sei ihr erstes Mal. Und dann spricht sie über Anfänge, über das anstehende Neue Jahr, darüber, dass man ohne Furcht seine Schritte setzen soll und der Energie vertrauen, und ich denke an meine Großmutter, die gern das Bonmot referierte, jedem neuen Anfang wohnt ein Zauber inne. Wir sitzen im Schneidersitz und singen das Om zusammen, und dann leitet uns Anna, die Yogalehrerin, durch die Vinyasas. Kapstadt, Dienstag früh, der Himmel ist blau. Wie ein Nest sitzt das Studio über den Warehouses, Hafenkräne kratzen am Horizont, die Weite ist eine Weite der Gedanken. Air Yoga.