Nadine Barth

Nadine Barth, geboren in Hamburg, studierte Philosophie, Literatur und Kunstgeschichte, und arbeitete zunächst als freie Autorin. Sie lebte in Los Angeles und Sao Paulo, schrieb einen Roman und trat bei Poetry Slams auf. Von 1998 bis 2004 arbeitete sie bei AMICA, zuletzt als stellvertretende Chefredakteurin. Von 2004 bis 2006 Managing Director der ersten deutschen Galerie für Modefotografie in Hamburg und Berlin, 2006 gründete sie ihre Agentur barthouse culture concepts (www.barthouse.de), die Ausstellungen und Kulturprojekte organisiert. Herausgeberin diverser Fotobücher, z.B. "Verschwindende Landschaften" (2008, Dumont) mit Fotos von Hiroshi Sugimoto, Thomas Struth, Joel Sternfeld, Olaf Otto Becker, Robert Adams, Peter Bialobrzeski, etc., Monographien von Martin Roemers ("Relics of the Cold War", 2009, "The Eyes of War", 2011, "Metropolis", 2015, alle Hatje Cantz), Thomas Hoeffgen ("African Arenas", 2010, Hatje Cantz), Carolin Saage ("25/7", 2013, Seltmann + Söhne), Daniel Josefsohn ("OK DJ, 2014, Hatje Cantz), Tor Seidel ("The Dubai", 2014, Hatje Cantz), Anatol Kotte ("Iconication", 2015, Hatje Cantz) und Modebücher ("Berlin Fashion", 2008, Dumont, und "German Fashion Design 1946-2012", Distanz). Als Kuratorin verantwortete sie u.a. die Blockbuster-Ausstellungen "Traumfrauen" und "Traummänner" im Haus der Photographie, Deichtorhallen, Hamburg, die auch in Moskau und Rostock zu sehen war. Von 2009 bis 2013 organisierte sie das Ausstellungsprogramm der Galerie Contributed in Berlin (www.contributed.de). Ihr Charity-Projekt "Amazonen" über Frauen mit Brustkrebs mit Fotografien von Esther Haase und Jackie Hardt tourte durch Deutschland, Österreich und Italien. Sie ist Inspiring Editor für die deutschen Ausgaben von L’Officiel und L’Officiel Hommes.

Nadine Barth, born in Hamburg, studied philosophy, literature, and art history, began her career as a free-lance author. She lived in Los Angeles and Sao Paulo, wrote a novel, and performed at poetry slams. From 1998 to 2004 she worked for AMICA, most recently as one of the Chief-in-Editors. From 2004 to 2006 she was the Managing Director of the first German gallery for fashion photography in Hamburg and Berlin; in 2006 she founded her agency, barthouse culture concepts (www.barthouse.de, www.facebook.com/BarthouseConcepts), which organizes exhibitions and cultural projects. Editor of diverse photography books, such as Verschwindende Landschaften (2008, Dumont) with photographs by Hiroshi Sugimoto, Thomas Struth, Joel Sternfeld, Olaf Otto Becker, Robert Adams, Peter Bialobrzeski, etc.; monographs on Martin Roemers (Relics of the Cold War, 2009, The Eyes of War, 2011, and Metropolis, 2015, all published by Hatje Cantz); Thomas Hoeffgen (African Arenas, 2010, Hatje Cantz); Carolin Saage (25/7, 2013, Seltmann + Söhne); Daniel Josefsohn (OK DJ, 2014, Hatje Cantz); Tor Seidel (The Dubai, 2014, Hatje Cantz), Anatol Kotte (Iconication, 2015, Hatje Cantz); and books on fashion (Berlin Fashion, 2008, Dumont, and German Fashion Design 1946-2012, Distanz). As a curator she has been responsible for the blockbuster exhibitions Traumfrauen and Traummänner at the Haus der Photographie, Deichtorhallen, Hamburg, which was also seen in Moscow and Rostock; for the past three years she has also been in charge of the exhibition program for the Galerie Contributed in Berlin (www.contributed.de). Her charity project, Amazonen, about women with breast cancer, featured photographs by Esther Haase and Jackie Hardt, has been touring through Germany, Austria, and Italy. She is inspiring editor for the german issues of L’Officiel and L’Officiel Hommes.

Kuratieren 5: Zanele Muholi, Zeitz MOCAA, Kapstadt

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Weniger ist mehr oder wie man 7 Bilder in einem 50 m2 großen Raum hängt: Mit viel Luft, mit sehr viel Luft. Luft zum Atmen, Luft zum Spüren. Keine Symmetrie nirgends. 2 Bilder beieinander, 2 Bilder auseinander. Lediglich die Bank darf mittig sein und ist damit wie eine Spinne im Netz der Sichtachsen. Und die Wände: dunkel, elegant, satt. Sie korrespondieren mit den dunklen Flächen der Bilder, nur die Augen leuchten heraus, klassische Portraitfotografie, in diesem Fall Selbstbildnisse. Zanele Muholi heißt die Künstlerin, geboren 1972 in Umlazi, Durban, wohnhaft in Johannesburg, Gastprofessorin an der Hochschule für Künste in Bremen. Eine Aktivistin für die Rechte Schwarzer und der LGBTIQ-Fraktion und Gründerin des Forums for Empowerment of Women (FEW). In ihrer Serie „Somnyama Gonyama“ präsentiert sie sich in unterschiedlichen Kostümen, ihr Make-Up ist den Traditionen der Stämme nachempfunden, ein politisches Statement.

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Besucherin der Ausstellung "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Besucherin der Ausstellung “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Sie sagt dazu: „Experimenting with different characters and archetypes, I have portrayed myself in highly stylised fashion using the performative and expressive language of theatre. The black face and its details become the focal point, forcing the viewer to question their desire to gaze at images of my black figure. By exaggerating the darkness of my skin tone, I’m reclaiming my blackness, which I feel is continuously performed by the privileged other.“

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Detail aus der Ausstellung "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama"

Detail aus der Ausstellung “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”

Die Titel der Ausstellung "ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama". Foto: Nadine Barth

Die Titel der Ausstellung “ZANELE MUHOLI: Somnyama Gonyama”. Foto: Nadine Barth

Ausgestellt ist diese feine Serie im Zeitz MOCAA in Kapstadt, einem neuen Museum, das dieses Jahr eröffnet wurde. Der Fokus liegt auf afrikanischer Kunst, hauptsächlich werden Werke aus der Sammlung des Initiators, Jochen Zeitz, gezeigt. Die Architekten schnitten das Gebäude, ein altes Silo in der Mitte durch. Auch hier also Luft, Luft zum Atmen oben, mit Blick auf den Tafelberg. Und so ist der Raum mit den 7 Bildern eine kleine Schatztruhe innen, die sich in die Weite der Sinne öffnet.

ZEITZ MOCAA, Kapstadt. Foto: Nadine Barth

ZEITZ MOCAA, Kapstadt. Foto: Nadine Barth

Auf dem Dach des ZEITZ MOCAA, Kapstadt. Foto: Nadine Barth

Auf dem Dach des ZEITZ MOCAA, Kapstadt. Foto: Nadine Barth

Die Ausstellung läuft bis zum 25. Juni 2018. zeitzmocaa.museum

Kuratieren 4: Nick Veasey, Fotografiska, Stockholm

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Dunkel war˚s, der Mond schien helle, als ein Auto blitzeschnelle langsam um die Ecke fuhr…

Ein Spiel mit dem Paradoxen. Ein Kinderreim für Erwachsene, die die Ironie solcher Gegensatzpaare verstehen. Was kann gleichzeitig dunkel und hell sein? Was blitzeschnell und langsam? Was ist die Oberfläche der Dinge – was sein Wesen? Dass wir mit moderner Röntgentechnik das glatte Außen entlarven können, ist ein erstaunliches Phänomen. Dass jemand daraus irgendwann Kunst machen würde, naheliegend. Nick Veasey kam allerdings zufällig darauf, weil seine Frau ein Röntgenbild einer Getränkedose für eine Fernsehshow brauchte. Veasey war vom Resultat so begeistert, dass er immer größere und kompliziertere Arrangements versuchte. Am bekanntesten sind seine Autos und Flugzeuge, denen man aufs „Gerippe“ schauen kann.

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Er sagt dazu: “I want my images to make people sit up and take notice. I want to reach out to the viewer. My starting point is that we are all essentially the same from the inside out, which X-ray photography demonstrates. I’m convinced that there is more that unites us than divides us. That’s why every human body in my photographs is represented by the same skeleton, regardless of what attributes I add to the image. My works are metaphors for life in general, to see beyond the obvious. Think of love: how it often begins with a superficial attraction only to move along the challenging and exciting road of learning to know one another and looking beneath the surface. That’s why the same skeleton represents all human bodies in my photographs, regardless of whichever attributes I add to the image. What is concealed under the surface of that which we present? In this way, X-ray photography is very honest. If the quality is poor it is immediately apparent…”

Info-Box über die Arbeit von Nick Veasey, Foto: Nadine Barth

Info-Box über die Arbeit von Nick Veasey, Foto: Nadine Barth

Info-Box über die Arbeit von Nick Veasey, Foto: Nadine Barth

Info-Box über die Arbeit von Nick Veasey, Foto: Nadine Barth

Alle Bilder hängen auf schwarz, sind sorgsam ausgeleuchtet, strahlen einen auf unheimliche Weise an. Der Betrachter ist nicht Voyeur eines fremden Settings, sondern wird gefangen genommen von den heraus „poppenden“ Fotografien. Das Innen hat sich nach außen gestülpt und greift nach den Besuchern des Museums. Es gibt keine Chance zu entkommen, es sei denn, man verlässt die düsteren Räume dieser „Gruft“. Ein spielerisches Gegengewicht bildet lediglich die „florale Ecke“, die auch Bildpositive zulässt und mit ihrer Zartheit den eher todesnahen Röntgenskeletten ein wenig Trost spendet.

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

Installationsansicht "NICK VEASEY: Inside Out", Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “NICK VEASEY: Inside Out”, Foto: Nadine Barth

“It is with great pleasure that we at Fotografiska present this different and in many ways challenging exhibition, which raises important questions about life in general and expands the boundaries of the photographic art form,” sagt Johan Vikner, Exhibition Manager bei Fotografiska.

Fotografiska, Dezember 2017, Foto: Nadine Barth

Fotografiska, Dezember 2017, Foto: Nadine Barth

©Nick Veasey

©Nick Veasey

Die Ausstelliung läuft noch bis zum 18. Februar 2018. fotografiska.eu

Kuratieren 3: Jesus Pastor, Capitis, Berlin

Installationsansicht "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Aufmacherbild der Serie "Amador Rabal"

Installationsansicht “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Aufmacherbild der Serie “Amador Rabal”

Wände sind wie Bücher, die sich uns aufblättern, am Anfang kennen wir die Geschichte noch nicht, Seite um Seite tauchen wir aber tiefer ein in die Charaktere, folgen ihren Gedanken und Abenteuern, am Ende sind sie uns zu vertrauten Freunden geworden, von denen wir uns ungern wieder verabschieden. Es gibt gradlinige Geschichten und verschlungene und manchmal verworrene, es gibt eher schlichte, einfache Erzählungen und es gibt vielleicht auch das lyrisch hingetupfte Gedicht – übersetzt in die Bild-auf-Wand-Sprache wäre das dann nur ein kleines Bild irgendwo als Kontrapunkt zum Rest der Welt. Die meisten Geschichten auf Wänden mit Bildern verlaufen von A nach B, in einer Linie, auf gleicher Höhe. Diese liegt in der Regel bei 1,50 m Bildmitte. Und wenn der Abstand zwischen den Bildern auch noch gleich ist, kann man so einer Installation gut folgen, sie ist meist kraftvoll und klar und beruhigt den Betrachter. Spannend wird es, wenn die Wand groß genug ist, eine „freie Hängung“ zu versuchen, sie bietet viel Raum für Interpretationen, kann Querverbindungen schaffen, die Phantasie entfesseln.

Ausstellungsaufbau "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Ausstellungsaufbau “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Ausstellungsaufbau "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Ausstellungsaufbau “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Ausstellungsaufbau "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Ausstellungsaufbau “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Foto: Nadine Barth

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Installationsansicht "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Die Ausstellung, um die es hier geht, hängt in der Berliner Galerie Capitis, einem neuen Ort für Porträtfotografie. Eine der Serien von Jesus Pastor heißt „Amador Rabal“, es geht um einen Totengräber, den der Künstler einige Monate mit der Kamera begleitete. Bei der Arbeit auf dem Friedhof, beim Essen zu Haus, beim Kartenspielen mit Freunden, selbst beim Schlafen schaute er ihm zu. Zwar hätte man einen chronologischen Ablauf, der dem Ablauf eines Tages entspräche, machen können, interessanter ist aber eine eher assoziative Hängung, die Raum zu Atmen lässt. Auch hier gibt es zwar eine Mittellinie auf 1,50 m, die Verteilung der Bilder erfolgte mit zwei unterschiedlichen Abständen zueinander. Die Frage war dann: Wohin sollte das nachdenkliche Porträt, das in gewisser Weise alle anderen Bilder überschaut?

Installationsansicht "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Eröffnung "JESUS PASTOR: Miradas". Foto: Nadine Barth

Eröffnung “JESUS PASTOR: Miradas”. Foto: Nadine Barth

Eröffnung "JESUS PASTOR: Miradas". Foto: Nadine Barth

Eröffnung “JESUS PASTOR: Miradas”. Foto: Nadine Barth

Im unteren Stockwerk finden wir die klassische Installation der Serie von 11 Nonnen, die Jesus Pastor in seiner Heimatstadt Soria in Spanien fotografierte. Durch die Gleichheit in der Bildkomposition war klar, dass die Porträts, übrigens gedruckt als Silbergelatineprints, in einer Reihe hängen sollten. Jede Nonne hat den Blick leicht nach oben gerichtet – angeordnet sind sie also zueinander, so dass in der Mitte eine Art Klimax entsteht und eine imaginäre Linie in den Himmel gehen mag. Und so treten das Unten – die Nonnen, die nach oben schauen – und das Oben – der Totengräber, der herab schaut – miteinander in einen Dialog. Und die Geschichten verschmelzen zu einem Buch.

Installationsansicht "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Foto: Jesus Pastor

Installationsansicht “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Foto: Jesus Pastor

Installationsansicht "JESUS PASTOR: Miradas" bei Capitis. Zu sehen: Porträts der Serie "Inhabited Silence". Foto: Jesus Pastor

Installationsansicht “JESUS PASTOR: Miradas” bei Capitis. Zu sehen: Porträts der Serie “Inhabited Silence”. Foto: Jesus Pastor

Jesus Pastor, aus der Serie "Inhabited Silence", ©Jesus Pastor

Jesus Pastor, aus der Serie “Inhabited Silence”, ©Jesus Pastor

Jesus Pastor am Eröffnungstag seiner Ausstellung bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Jesus Pastor am Eröffnungstag seiner Ausstellung bei Capitis. Foto: Nadine Barth

Die Ausstellung läuft noch bis zum 13. Januar 2018. capitis-studios.de

Kuratieren 2: Joel Meyerowitz, CO Berlin

Joel Meyerowitz, Presseführung, CO Berlin, 8. Dezember 2017. Foto: Nadine Barth

Joel Meyerowitz, Presseführung, CO Berlin, 8. Dezember 2017. Foto: Nadine Barth

Eingang zur Ausstellung "JOEL MEYEROWITZ: Why Color?"

Eingang zur Ausstellung “JOEL MEYEROWITZ: Why Color?”

Er ist einer der Stars der New Color Photography, dieser Bewegung in den 1970er Jahren, als sich eine junge Generation von Fotografen in Amerika aufmachte, Farbe als künstlerisches Ausdrucksmittel zu benutzen. Bis dato galt nur Schwarz-Weiß als adäquate Wahl für Fotografie, Farbe war für Hobby-Knipser, galt als gewöhnlich und wenig kunstvoll, Walker Evans nannte sie gar „vulgär“. Joel Meyerowitz hatte auch mit Schwarz-Weiß angefangen, bevor er auf Cape Cod die Zeit der „blauen Stunde“ einfangen wollte, und sich dachte, Tradition egal, ich probiere etwas Neues. 1976 war das. Er machte dann Vergleiche, fotografierte mit zwei Kameras, legte die Ergebnisse nebeneinander. Die Farbabzüge gewannen ganz klar.

Joel Meyerowitz, CO Berlin, 8. Dezember 2017. Foto: Nadine Barth

Joel Meyerowitz, CO Berlin, 8. Dezember 2017. Foto: Nadine Barth

Joel Meyerowitz & Felix Hoffmann, Press Conference, CO Berlin, December 8, 2017. Foto: Nadine Barth

Joel Meyerowitz & Felix Hoffmann, Press Conference, CO Berlin, December 8, 2017. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz "Why Color?", CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz “Why Color?”, CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Joel Meyerowitz, New York City, 1976

Joel Meyerowitz, New York City, 1976

Die Idee der Ausstellung mit dem Titel „Why Color?“ setzt genau hier an. Sie stellt die Reihen der Schwarz-Weiß-Abzüge den ersten Versuchen gegenüber, der Farbe zu folgen. Alle Prints, die bei CO Berlin hängen, hat Joel Meyerowitz selbst gemacht. Viele sind über 40 Jahre alt. Und sie zeigen, anders als das, was wir in der heutigen Digitalen Welt gewohnt sind, Unschärfen, Farbstiche, Zwischenräume. Analoge Fotografie eben und analoge Abzüge. Besonders schön: Dye Transfer Prints. Das Verfahren, bei dem mit Gelatine-Druckplatten gearbeitet wird, erzeugt eine hohe Farbsättigung und eine dreidimensionale Anmutung. Nur noch wenige Labore auf der Welt bietet diese Leistung an, in den letzten Jahren wurde Dye Transfer aber wieder vermehrt nachgefragt. Joel Meyerowitz betont, wie wichtig es sei, seine eigenen Abzüge zu machen. Um eine Idee davon zu haben, was man als Künstler ausdrücken möchte.

Installationsansicht Joel Meyerowitz "Why Color?", CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz “Why Color?”, CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz "Why Color?", CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz “Why Color?”, CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz "Why Color?", CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Installationsansicht Joel Meyerowitz “Why Color?”, CO Berlin. Foto: Nadine Barth

Joel Meyerowitz, Sasha, Wellfleet, Massachusetts, 1981

Joel Meyerowitz, Sasha, Wellfleet, Massachusetts, 1981

Der Presse-Tross zieht weiter, dem charismatischen Meister hinterher, fasziniert. Lange Reihen von holzgerahmten Silbergelatine Prints entlang, wir stoppen vor einem Palmenbild, das als Tapete an der Wand klebt, daneben ein kleines mit dem gleichen Motiv. Später frage ich Felix Hoffmann, Kurator der Ausstellung, nach dem Hintergrund dieser Art von Hängung. Er wollte Akzente setzen erklärt er, die Besucher zwischendurch mal aufrütteln, sie eintauchen lassen in die Bilder. Und dann wieder: Schaukästen, die zeigen, wo die Bilder dann „gelandet“ sind: Auf den Titelseiten der Magazine, auf Werbeplakaten für Filme, auf Covern von LPs – etwa dem legendären Album der Pat Metheny Group American Garage von 1979. Die silbernen Trailer glänzen noch heute unter der gleißenden Sonne wie frisch poliert.

Schaukasten der Ausstellung Joel Meyerowitz "Why Color?", CO Berlin

Schaukasten der Ausstellung Joel Meyerowitz “Why Color?”, CO Berlin

Joel Meyerowitz, Florida, 1968

Joel Meyerowitz, Florida, 1968

Die Ausstellung läuft noch bis zum 11. März 2018. co-berlin.org