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Walker Evans: Labor Anonymous

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Walker Evans: Labor Anonymous
Essays by David Campany, Jerry Thompson and Heinz Liesbrock.
Verlag der Buchhandlung Walther Koenig, 2016
ISBN: 9781938922947

The publication Walker Evans: Labor Anonymous is the first in-depth investigation into a series of the same name, which Evans published in Fortune magazine in 1946. On a Saturday afternoon in Detroit, Evans positioned himself with his Rolleiflex camera on the sidewalk and photographed pedestrians, mostly laborers, in his characteristically clear and unadorned way – an aesthetic he described as the “documentary style”.
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As in his earlier subway portraits from the New York underground, his subjects were often unaware they were being photographed, but some of the pedestrians also looked straight into the camera. Representing much more than a simple typology, this photographic series does not offer a preconceived image of humankind or class, but – as foreshadowed in its ambiguous title – encourages critical reflection on such concepts.
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This publication anchors the series in Evans’s oeuvre and presents a selection of more than fifty photographs from the series along with contact sheets, drafts for an unpublished text, notes, and letters from the Walker Evans Archive at the Metropolitan Museum of Art, New York.
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© Brian Griffin 1978

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A couple weeks ago Bernd Detsch at Art Book Cologne offered me a curious little booklet by the British photographer Brian Griffin. It was 34 pages including the cover, staple-bound with seventeen black-and-white photographs accompanied by curious line drawings in the page margins. There was seemingly no title except for a tiny script below the cover image that stated ©Brian Griffin 1978.

I have admired Brian’s work for some years after buying a paperback copy of his book Work published in 1989 by his imprint Black Pudding. That book has remained a favorite of mine, and one I recommend often as an overlooked gem in the photobook world.

His commissions for corporate portraiture began when he was ‘discovered’ by the Swiss art director, Roland Schenk of Management Today. His book Open was featured in Parr/Badger’s The Photobook: A History Vol II, of which Badger describes Griffin’s style of portraiture as “…always slightly subversive, its surreal qualities gently ‘biting the hand that feeds him’.”

A press release for his upcoming show at Steven Kasher Gallery describes his work a bit more succinctly than I can: “When Margaret Thatcher came to power in 1979, business was empowered and labor was belittled. To capture the heroes and victims of Thatcherism and globalization, Griffin invented a new photographic style, Capitalist Realism, parodying Socialist Realism. Griffin’s photographs embody the essence of the decade, modish white-collars, rock bands suited up in business-casual and tin lunch-pail toting masons. Inspired by the bureaucratic and claustrophobic world of Kafka, by the French filmmaker Jacques Tati and by German Expressionist cinema, Griffin turned the workplaces in which he photographed into stages and his subjects into actors.”

I decided to ask Brian Griffin a few questions about this quirky little find.
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Jeffrey Ladd: You refer to this as a ‘zine, was it intended as a promotional piece for your professional commissions or an artistic statement?

Brian Griffin: It was an artistic statement. The whole book is a self-portrait of me at the time, with symbolic representations.

JL: How many were made?

BG: Maybe 500 copies.
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JL: Was it ever officially for sale?

BG: It was for sale at £1 but I only sold one! I then stored it for 30 years!

JL: There are large differences between the selection of images in the printed ‘zine than on your website. Were there limitations to the printing cost or another reason that caused this different edit?

BG: To my website I added further images from the time as an afterthought. The images that were included in the ‘zine were my favorites for this project at the time.
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JL: I am curious about the four images towards the end that appear as full page bleeds. What prompted the diversion in design?

BG: When the images expand to full bleed it was meant to take us into another zone.

JL: Were most of the subjects friends of yours? On your site you mention Simon Callow the film actor was a subject, who are the others in the photos?

BG: Charles Woods and Martin Cropper were friends. Martin Cropper is featured on the front cover and five other images. Charles Woods in two.

JL: There are two photos made near the ocean, they seem to greatly differ from the others.

BG: Those two were from a press session made for the band “The Pop Group” and shot near Weymouth. You have to remember that I was young, enthusiastic and really into expressionism. I was just starting to work on my music photography and that’s how I met Barney.
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JL: On your website it mentions that “Barney Bubbles (who was an English graphic designer known for his album cover art and design) came to my flat in Chiswick London one evening and we came up with the concept for this ‘zine.” He contributed the graphic drawings?

BG: Yes, each graphic symbolizes what I felt about each image and Barney could only use a line, which of course could be curved.

JL: One could easily mistake the book for having no title. Originally was Brian Griffin Copyright 1978 intended to be the title?

BG: That was the original title. That was a Barney’ism!
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JL: I had heard that this might be the first British self-published books from a photographer of your generation. Do you know if this is true?

BG: Yesterday I asked my friend Martin Parr to verify this, and to his knowledge, it is.

JL: Thank you Brian!
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One last bit for music fans, one photo that appears in Copyright Brian Griffin 1978 is from a shoot for photos that graced the band Devo’s B Stiff e.p. in 1977.

Copyright 1978 and other work is appearing in a show entitled Brian Griffin: Capitalist Realism starting February 25th 2016 at the Steven Kasher Gallery in New York.

Thanks also to Anatole Desachy!

The Double Elephant Press

DSC02794Double Elephant Portfolios: Manuel Alvarez Bravo, Walker Evans, Lee Friedlander, Garry Winogrand

Steidl/Galerie Thomas Zander, 2015

ISBN:978-3-86930-743-5

 

Back in the mid-to-late 1980s when I was a young photography student at the School of Visual Arts in New York City I was infatuated with the history of American photography and specifically that rich era of the 1960s and 70s. In association with names like Garry Winogrand, Manuel Alvarez Bravo, Walker Evans and Lee Friedlander I had heard about these print portfolios that were created and sold in the early 1970s called “The Double Elephant” Portfolios.
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I never saw one in person but I knew that to publicize their sale, the publisher Double Elephant Press also created posters for each portfolio. I knew this because one of these posters, for the Winogrand portfolio, hung in a small postcard and bookstore on Broadway near 4th street in Greenwich Village. I wanted to own the poster so desperately I offered the owner the outrageous sum of $50 for it – he wasn’t selling it.
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In celebration of these rare portfolios and that tiny moment in photography history, the Galerie Thomas Zander and Steidl has released a box set of four books each featuring the individual portfolios that appeared before the short-lived project went out of business. An additional paperback booklet included provides on the history of Double Elephant Press.
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Each portfolio included fifteen photographs so each of these volumes is slim but elegantly printed and realized. Over the four portfolios, one can see that they contained many of the landmark photographs from each of the photographers, and perhaps as Susan Kismaric points out in her essay, “…some of the greatest photographs of the twentieth century.”
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There is one annoying discrepancy to all of the information provided, there is no mention of the original selling price of the portfolios. This is something I always wondered about and sadly no answer is found here. Mention of the selling price would provide an important reference point to the ‘value’ at the time for photographic prints, which we all know was quite low. The medium was new, photographs were not valued as an investment or commodity like other mediums – the first gallery dedicated to the sale of photography Lee Witkin’s gallery, opened just a few years prior in 1969.
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For many years I hadn’t ever seen the other three posters from the set until one day I stumbled across this Adam Bartos photograph from the late 70s. The tail end of the Manuel Alvarez Bravo poster can be seen hanging on the back wall.
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One last thought, if this portfolio venture hadn’t failed and continued to publish, would they have gotten around to a portfolio by a woman photographer? And who would that have been?

Auf der Suche nach der verlorenen Zeit: Giacomo Brunelli

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Ein Flaneur müsse seine Sinne stets für das Große und Ganze öffnen, stellt Luc Sante in seinem gerade erschienen Buch „The Other Paris“ (Farrar, Straus and Giroux) fest. Neben all dem Offensichtlichen im Stadtleben eben auch für das Ephemere und all das, was gewöhnlich unterhalb unserer Wahrnehmungsgrenzen läge. Für die Textur und den Geschmack des Unbeschreiblichen und jene Dinge, die viel zu subjektiv seien, als dass sich ihnen je ein Reporter widmen würde. Ja, der Flaneur benötige geradezu einen sechsten Sinn für die Geister der Straße, ohne gleich an Übernatürliches zu glauben. Denn auf der Straße sei die Vergangenheit doch stets gegenwärtig.

In einer Zeit, in der Fußgänger lieber auf die Textbotschaften ihrer Smartphones starren, als ihren Blick für die Stimmung und das Ambiente einer Stadt zu schärfen, droht die Idee des sich entschleunigt treiben lassenden Flaneurs aus unserem kulturellen Gedankengut zu verschwinden. Wer will denn heute überhaupt noch Geister sehen?

Giacomo Brunelli ist in vielerlei Hinsicht ein Flaneur alter Schule. Geister tauchen gewissermaßen in den tiefschwarzen Schattenzonen oder im milchigen Unschärfebereich seiner Bilder auf. Und manchmal auch im wahnwitzig aggressiven Blick eines Straßenköders unmittelbar vor seiner Linse. Gerne erinnert man sich noch seiner „Flaneur“-Installation, die im Sommer 2015 vor dem Hamburger Rathaus seine Motivwelt in großen Lichtwürfeln zum Leuchten brachte. Brunellis derzeit in der Fotogalerie von Robert Morat präsentierte Bilder der Hansestadt wurden also ursprünglich von der Hamburger Triennale der Fotografie in Auftrag gegeben. Doch erst jetzt, im dunklen Holzrahmen an den Wänden der Galerie, entwickeln diese Motive vollends ihren träumerisch-narrativen Charme. Hier ist der vom Fotokünstler kontrastreich abgezogene Schwarzweißprint geradezu haptisch erfahrbar und hier intensiviert sich die nostalgische Note dieser Bilder noch einmal. Bei dem Italiener wird die Stadt zur Kulisse emotionaler Begegnungen, die einem Orson Welles-Film entnommen sein könnten. Derart düstre Stadtimpressionen in „Noir“, mit einem abgrenzendem (stets die Perspektive des Fotografen betonenden) Negativrand, kennen wir beispielsweise von einer US-Fotokünstlerin wie Susan Burnstine.

International bekannt geworden ist der in London lebende Fotokünstler Giacomo Brunelli 2008 mit seiner Serie „The Animals“ (Dewi Lewis Publishing). Auch diese stilistisch ähnlichen Tier-Portraits im finstren Streetstyle sind mit einer alten, analogen Miranda Sensomat-Kamera aus den 1960er-Jahren entstanden, die er gerne in Bodennähe und aus der Hüfte schießend einsetzt. Seine Tierbilder vermitteln uns Momente mit einer tiefenpsychologisch angelegten Instinkthaftigkeit, einer überraschenden bildjournalistischen Unmittelbarkeit und Nähe, die unsere Reaktionen unmittelbar herausfordert.

Tiere tauchen auch in Brunellis Hamburg-Bildern als bereitwillige Akteure auf. Hunde, Möwen, Graugänse begleiten uns in diesen manchmal fast schon scherenschnittartig angelegten Aufnahmen, die im Laufe von zwei jeweils dreiwöchigen Aufenthalten in der Stadt entstanden sind. Der Fotograf interessiert sich – wie bei der vorangegangen Serie „Eternal London“ in seiner britischen Wahlheimat ¬ – für die spontanen Begegnungen mit Mensch und Tier. Mit einer ausgefeilt individualisierten Bildsprache voller Schatten und Silhouetten zeigt er uns die dunkle Seele der Street Photography, vignettiert dabei akzentuierend seine Motive, dass sie und bisweilen wie im Traum anmuten.

Seine Hamburger Wege führen uns immer wieder zur Binnenalster und dem Elbufer. „Das Wasser bringt dort Mensch und Tier zum Innehalten, deshalb konnte ich mit meinen Fotos hier weiter gehen“, erzählt er. „Die vielen Kanäle und Brücken in der Stadt haben mir neue Perspektiven geöffnet, mit denen ich anderswo noch nie arbeiten konnte. Das Element Wasser habe seinen Bildern von der Waterkant eine neue faszinierende Dimension gegeben, die er in London nicht hatte.

Giacomo Brunelli ist ein in Jäger und Sammler, dessen Bildgeschichten die Straße, die Hinterhöfe einer Stadt, die Wiesen und Felder einer Landschaft schreiben. Der Mensch bleibt dabei immer nur ausschnitthaft, in Umrissen erkennbar, er repräsentiert im diffusen Licht der Morgen- und Abendstunden eher den aus der Zeit gerissenen Flaneur, den Spaziergänger, als konkrete Charaktere. Ein Bildhintergrund solle im Idealfall die Emotionen der abgebildeten Menschen reflektieren, hat der Fotokünstler mal in einem Interview angedeutet. In seinen Motiven verschmilzt diese Emotion zu einer melancholischen Grundstimmung, die in uns, den Betrachtern Verankerungen sucht.

Giacomo Brunelli: Hamburg, vom 16. Januar bis 12. März 2016 in der Robert Morat Galerie, Kleine Reichenstraße 1, 20457 Hamburg. Website: www.robertmorat.de

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Portrait des Fotokünstlers: © Manfred Zollner
Alle anderen Fotos: © Giacomo Brunelli

Haley Morris-Cafieros „The Watchers“

© Haley Morris-Cafiero

Flander

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TurtleEs sind diese Blicke, die uns in Erinnerung bleiben werden: Abschätzend, herablassend in der jugendlich-dumpfen Arroganz derjenigen, die ein paar Kilo weniger auf den Knochen haben. Direktes, aufdringliches Gegaffe genormter Durchschnittsbürger mit amüsiertem Grinsen und offenmundigem Staunen hinter dem Rücken einer Frau mit anderen Körpermaßen. Die zum Bild gefrorene Einstellung zeigt sich uns in der entlarvenden Mikrogeste während eines – ohne Kamera kaum wahrnehmbaren – Sekundenbruchteils.

Keiner dieser Passanten ahnte zum Zeitpunkt der Aufnahme, dass sein Blick integraler Bestandteil eines künstlerischen Anliegens werden könnte. Er bemerkte nicht einmal, dass er im Mittelpunkt einer mühseligen, weil völlig unberechenbaren Fotosession stand. Jetzt ist er Teil von Haley Morris-Cafieros Langzeitprojekt The Watchers. Der Beobachtende wird selbst beäugt. Von Haley, von uns und von der Gesellschaft.

Haley Morris-Cafiero inszeniert sich im öffentlichen Raum. Das heißt: sie stellt sich hin, skatet entlang einer Strandpromenade, schleckt ziemlich unspektakulär an ihrem Softeis oder wartet einfach nur. Vor ihr: eine Kamera mit Selbstauslöser, vielleicht auch mal Assistenten hinter ihrer Kamera. Den Rest übernehmen die Passanten. Denn ab jetzt wird jene spontane Interaktion festgehalten, die zwischen dieser scheinbar so gänzlich in sich ruhenden Amerikanerin und anderen anwesenden Personen auf diesen öffentlichen Plätzen stattfindet.

In dieser gänzlich eigenständigen Mischung aus öffentlich inszenierter Portrait- und sozialpolitisch engagierter Dokumentarfotografie schreiben also Zufallsbegegnungen die Story. Wir können uns vorstellen, wie viel Leerlauf das Warten auf jene signifikanten Aufnahmen mit sich bringt, die erst die spätere Bildschirm-Analyse offenlegen wird. Erst in ihrer Summe kann dann aus vielen fixierten Einzelreaktionen ein relevantes Statement werden.

Manchmal spiegelt sich der fiese Blick der Betrachter selbst in deren Körperhaltung. Dann wird aus einer davor verborgenen „Einstellung“ plötzlich eine direkte, gestikuläre „Stellungnahme“, wenn etwa der Polizist in New Orleans die Abgebildete mit einer Macho-Pose hinterrücks dekoriert. Dann zeigen sich offene Formen der Ablehnung und Diskriminierung, die viele dieser Menschen öffentlich nie artikulieren würden. Oder etwa doch?

Haley Morris-Cafieros Bilder sind mittlerweile zu einer kleinen viralen Sensation geworden, zum Medienereignis mit Nachrichtenwert, das Amerika zur Reflektion gezwungen hat. Und noch bevor dieser Tage ihr crowdfinanzierter Bildband „The Watchers“ von der Magenta Foundation publiziert worden ist, hat die auch als Professorin am Memphis College of Art lehrende Künstlerin im Web viel Zuspruch, aber auch offene Hass-Kommentare geerntet. Auszüge dieser verbalen Reaktionen nahm sie nun ebenfalls in ihren wichtigen Bildband auf.

Das dort beschriebene Phänomen des diskriminierenden Blicks ist natürlich keineswegs landesspezifisch, wie Haley über einen Zeitraum von nun bereit fünf Jahren dokumentiert hat. Als Aufnahmeorte wählte neben US-Metropolen unter anderem auch öffentliche Räume in Berlin, Barcelona, Paris oder Prag.

Ist unsere Gesellschaft tatsächlich schon von derart konstruierten Körperidealen besessen, dass Abweichungen vom diesem künstlichen Schönheitstypus mit Hass und Spott abgestraft werden? Weil Barbie-Puppen, Lara Croft-Figuren und, ja selbst die „Silikone“ Pamela Anderson Generationen auf Slim-Fit-Format geeicht haben? Haley Cafiero-Morris arbeitet hier im doppelten Sinne mit einer Spiegelreflexkamera. Sie hält der Gesellschaft einen Spiegel vor, der ihre Reflexe aufzeigt.

„The Watchers“ erscheint mir deshalb in seinem konzeptionellen, ästhetischen und gesellschaftspolitischen Ansatz als eines der spannendsten Fotoprojekte seit Jahren.

Foto: © Haley Morris-Cafiero

Zum Tod von Marc Lagrange

Marc Lagrange fotografiert von Stephan Vanfleteren

Es gibt bislang nur spärliche Informationen, doch mittlerweile haben die spanischen Behörden und die Brüsseler Young Gallery offiziell bestätigt: Am ersten Weihnachtsfeiertag 2015 ist Marc Lagrange unter tragischen Umständen auf Teneriffa ums Leben gekommen. Am Tag seiner Anreise verunglückte der 57-jährige Belgier in einem Golfcart auf dem Gelände seines Hotels in Guia de Isora.

Die Tragödie ereilte einen der besten und erfolgreichsten Aktfotografen unserer Tage auf dem Höhepunkt seiner Karriere. Nachdem ihn der 2013 erschienene Bildband „Diamond & Pearls“ weit über Belgien hinaus auf dem internationalen Kunstmarkt etabliert hatte, war bei uns erst vor wenigen Wochen Marcs neues Fotobuch „Senza Parole“ bei uns veröffentlicht worden.

Marc Lagrange vereinte in seinen besten Bildern die Hintersinnigkeit eines Arthur Schnitzler mit der wilden Gedankenwelt später Federico Fellini-Filme. In opulenten, oft riesig vergrößerten Bildszenarien konnte dieser Fotokünstler bourgeoise Lust-Phantasien mit der provokativen, surrealen Kraft eines Louis Bunuel im Ambiente eines Luchino Visconti-Dramas inszenieren. Seine Bild gewordenen Lust-Spiele zelebrieren zwischen westlicher Bohème und orientalischem Harem meisterhaft die Abenteuer und Ausschweifungen der Libido.

Die Frau war in dieser Motivwelt, wie einst bei Helmut Newton, zugleich zeigefreudige Muse und selbstbewusste Partnerin im ewigen Reigen um Versuchung und Verführung. Seine exklusiven Sets in Schlössern, Luxushotels und Künstlerateliers dienten Marc Lagrange als Bühne des Unterbewussten, auf der dezent orgiastisch Triebe und maskuline Sehnsüchte ausgelebt und traumartig Tabu-Brüche angedeutet wurden. Der Belgier zelebrierte feminine Schönheit und Eros, er inszenierte makellos perfekte Körper und Szenarien der Seh(n)sucht. Häufig führten uns seine Bilder dabei in eine scheinbar vergangene Welt gepflegter großbürgerlicher Ausschweifungen.
In Zeiten omnipräsenter, billiger Internet-Erotik setzten Lagranges Werke auf die narrative Kraft elaborierter, bisweilen exotischer „One-Picture-Movies“, die die Phantasie der Bildbetrachter anfeuern. So wird sein Werk noch weit über die Gegenwart hinaus Bestand haben, während das Genre der künstlerischen Aktfotografie derzeit seine bislang größte Krise durchlebt.

In meiner Küche steht eine etwa 40 cm große Plastik, die den französischen Chansonnier Serge Gainsbourg in comicartiger Überzeichnung zeigt. 2013, bei meinem ersten Besuch in Marc Lagranges Antwerpener Hinterhofstudio, stand diese Statue in einem Regal neben dessen Schreibtisch. Einen kurzweiligen, verregneten Winternachmittag lang plauderten wir über die Kunst und die Fotografie und sprachen auch kurz über Serge und dessen Lieder, bevor wir uns Marcs damals gerade geplanten Bildband „Diamonds & Pearls“ zuwandten. Knapp eine Woche nach meiner Rückkehr in die deutsche Heimat stand die Gainsbourg-Skulptur sicher verpackt vor meiner Haustür. Marc hatte sie mir per Kurier hinterher geschickt. Er konnte in seiner spontanen Herzlichkeit unendlich großzügig sein und seine Freude und Faszination für die Kultur von Gestern und Heute mit anderen teilen.

Die kleine Gips-Skulptur in meiner Küche wird mich ab sofort an zwei viel zu früh verstorbene Künstler erinnern. Marcs Lagranges Tod ist in der deutschen Presse bislang noch fast überhaupt nicht kommuniziert worden, nachdem die Familie des Künstlers keine Informationen über die tragischen Ereignisse zur Weihnachtszeit veröffentlicht hat. Es ist jetzt an der Zeit, sein fotografisches Vermächtnis hierzulande zu würdigen.

Von Fotos, die Eindruck hinterlassen

© Manfred Zollner

Die Nachricht flatterte kurz vor Jahresende in die US-Haushalte. Wissenschaftler hätten jetzt aufgedeckt, was ein Foto zeigen müsse, um in Erinnerung zu bleiben, vermeldete die Washington Post am 29. Dezember 2015. Wenn das nicht nach einer mysteriösen neuen Geheimformel klingt. Das Geheimnis der nachhaltigen, ja unvergesslichen Fotografie? Endlich! Gelüftet!!

Die nüchterne Wahrheit hinter der journalistischen Schlagzeile der amerikanischen Tageszeitung liegt, wie so oft im Zeitalter von Big Data, in neuesten Erkenntnissen der Computerwissenschaft. In Analysen menschlicher Auswahlkriterien bei der Bildbetrachtung. Und letztlich in komplexen Wahrscheinlichkeitsrechnungen nach dem Motto: Menschen, die dieses Foto mögen, werden auch jenes lieben. Sie kennen ein ähnliches Prinzip beispielsweise vom Bucheinkauf beim Online-Versandhändler Amazon.

Forscher des Massachusetts Institute of Technology (MIT)  haben tatsächlich jetzt einen neuen Algorithmus entwickelt, der unvergessliche Fotos in der medialen Bilderflut ausfindig macht. Hinter Ihrer Arbeit verbirgt sich eine Frage, die jeden Fotografen interessieren sollte: Woran erinnern wir uns nach den Betrachten von Fotos und welche Bilder bleiben in unserem Gedächtnis haften? Die Antwort der Wissenschaftler sollte nicht sonderlich überraschen: Aufnahmen, die sich von anderen unterscheiden, werden von uns besser erinnert. Seltsame, surreale und widersprüchliche Fotos gehören dazu. Bilder mit einem Spannungsbogen, die Dinge andeuten aber nicht auflösen. Die Aufnahme eines Stop-Schildes im Straßenverkehr, auf das jemand „GO“ gesprüht hat prägt sich demnach stärker ein, als das Foto einer „normalen“ Straßenkreuzung mit Stop-Schild.

Den neuen MemNet-Algorithmus können auch Sie testen. Dazu müssen Sie Ihre Bilder auf diese Website http://memorabilty.csail.mit.edu/demo.html  laden. Die Analyse-Software der Universität wird Ihnen zeigen, welche Bildbereiche in Ihrer Aufnahme den größten Wiederkennungswert besitzen. Vor der Entwicklung dieses Analysewerkzeugs zeigten Aditya Khosla und seine Forscherkollegen ihren Probanten hunderte Fotos zweimal und werteten anschließend aus, welche davon wiedererkannt wurden. Der MemNet-Algorithmus suchte anschließend im Bildvergleich nach den Merkmalen, die jene Auswahlfotos unvergesslich machten.

Für den zeitgenössischen Bildjournalismus bleibt diese Auswertung allerdings ungenügend. Der Computer kann die historische Bedeutung eines Fotos und komplexer sozio-kultureller Zusammenhänge heute noch nicht einordnen. Als Beispiel nennen die Forscher jenes berühmte Foto des Protestierenden, der sich 1989 mutig vor die Regierungspanzer an Pekings Tiananmen Square stellte. Laut Algorithmus besitzt das Bild wenig Erinnerungswert. Dazu müssten wohl erst die Bedeutung von Aufnahmeort und –zeitpunkt, kulturelle und gesellschaftspolitische Faktoren einbezogen werden.

Fakt bleibt jedoch: künstliche neuronale Netzwerke werten heute bereits nicht nur am MIT unseren Bildgeschmack aus und folgen jenen digitalen Spuren, die unser User-Verhalten im Web hinterlassen. Diese helfen den Wissenschaftler dabei, eine neue Matrix unseres Denken und intuitiven Fühlens festzulegen.

Wie weit sind wir heute davon entfernt, dass ein für uns individualisierter Algorithmus in unserem Computer Bilder selektiert, die vermeintlich unserem Geschmack entsprechen? Die aktuelle Forschung um „Deep Learning“ und Künstliche Intelligenz hat diesen Weg längst beschritten. Analysiert würden dann all die von uns beim Surfen (eventuell etwas länger) betrachteten Bilder.

Fragt sich nur, ob wir derlei Bevormundung gut finden und wie derlei suggestive Software-Vorselektion langfristig unser ästhetisches Empfinden prägt. So mögen die neuen Erkenntnisse der MIT-Forscher didaktisch in der visuellen Kommunikation sehr hilfreich sein und sich die Werbewirkungsforschung schnell vieles davon aneignen. Ein gesellschaftlicher Diskurs darüber, welche Folgen derlei neuronale Netze für unser visuelles Denken und Gedächtnis haben, ist jetzt jedoch mindestens ebenso dringend nötig.

Worldtour #5: Kapstadt, Stevenson Gallery

Cape Town Station, Kapstadt, Dezember 2015 ©Nadine Barth

Cape Town Station, Kapstadt, Dezember 2015
©Nadine Barth

Die Beteiligten: Anna (Yoga Teacher), Joost, Andrew & Federica (Stevenson Gallery), Gosh (Flatmountain Coffee)
Anlass: Ein Dienstag in Woodstock, Kapstadt, Ausstellung „Schema“ bei Stevenson, mit Zander Blom, Wim Botha, Edson Chagas, Ian Grose, Samson Kambalu, Mawande Ka Zenzile, Moshekwa Langa, Mitchell Gilbert Messina, Meleko Mokgosi, Serge Alain Nitegeka, Odili Donald Odita, Deborah Poynton, Robin Rhode, Hans Richter, Viviane Sassen, Guy Tillim

Sie sagt, es sei ihr erstes Mal. Und dann spricht sie über Anfänge, über das anstehende Neue Jahr, darüber, dass man ohne Furcht seine Schritte setzen soll und der Energie vertrauen, und ich denke an meine Großmutter, die gern das Bonmot referierte, jedem neuen Anfang wohnt ein Zauber inne. Wir sitzen im Schneidersitz und singen das Om zusammen, und dann leitet uns Anna, die Yogalehrerin, durch die Vinyasas. Kapstadt, Dienstag früh, der Himmel ist blau. Wie ein Nest sitzt das Studio über den Warehouses, Hafenkräne kratzen am Horizont, die Weite ist eine Weite der Gedanken. Air Yoga.

Woodstock, Kapstadt, Dezember 2015 ©Nadine Barth

Woodstock, Kapstadt, Dezember 2015
©Nadine Barth

Woodstock, Kapstadt, Dezember 2015 ©Nadine Barth

Woodstock, Kapstadt, Dezember 2015
©Nadine Barth

Woodstock heißt dieses Viertel Kapstadts, ein kreativer Spot, renovierte Lofts neben Brachflächen, ein Dazwischen in Zeit und Kreativität. Wandel, wenn man so will, auf die bekannte Art. Erst die Künstler, dann die Galerien, dann die Cafés & Co. Ich parke mein kleines weißes Mietauto, von dem ich immer noch nicht die Marke verstanden habe, vor dem Fabrikgebäude, in dem die Stevenson Galerie beheimatet ist. Einer der Parkwächter mit offiziellem gelben Westchen nimmt meinen Wagen in Obhut. Er hat kaum Zähne im Mund, grinst aber freundlich.

Stevenson Gallery ©Nadine Barth

Stevenson Gallery
©Nadine Barth

Installationsansicht "Schema" ©Nadine Barth

Installationsansicht “Schema”
©Nadine Barth

Installationsansicht "Schema" ©Nadine Barth

Installationsansicht “Schema”
©Nadine Barth

Der Eingang zu Stevenson ist eine Art Rampe, Worte an der Wand, wie der Geleittext in einem Museum, auch die Großzügigkeit und Weitläufigkeit der Räume lässt mich eher an eine staatliche Institution denken denn eine private Galerie. Passend dazu die Thematik der laufenden Ausstellung: „Schema“ heißt sie, die deutsche Konnotation ist durchaus gewollt, man rekurriert auf Erwin Panofsky und seine Theorie einer „konstruierten Objektivität“, die uns bestimmt. Nach der Entdeckung der Zentralperspektive in der Kunst der Renaissance gehören der Raum und das Sehen, die Überführung der dreidimensionalen Wirklichkeit in die zweidimensionale Fläche eines Kunstwerkes und die Auseinandersetzung mit ihren Bedingungen, Grenzen und Auswirkungen, zum Grund-„Schema“ moderner Kunstwerke. Die spielerische und gleichzeitig tiefsinnige Art, in der etwa der südafrikanische Künstler Robin Rhode damit umgeht, reißt die Schwelle zwischen Performance, Fotografie und serieller Kunst ein: „The object that was drawn always symbolised a kind of object of desire, and the scenario was an extension of a dream of a desire to a dimension that you could place yourself inside.“ (Robin Rhode, Ausstellungstext zu „Schema“). Erst vor ein paar Wochen habe ich Robin in Berlin getroffen, wo er lebt und ein gigantisches Atelier hat, und es freut mich, hier seine Werke als esssentiellen Teil dieser Konzept-Schau zu sehen.

Installationsansicht "Schema":  Robin Rhode, "Restless Mind", 2009

Installationsansicht “Schema”:
Robin Rhode, “Restless Mind”, 2009

Installationsansicht "Schema":  Robin Rhode, "CMYK", 2015

Installationsansicht “Schema”:
Robin Rhode, “CMYK”, 2015

Und dann: Guy Tillim. Ich liebe seine Fotos sehr. Die afrikanischen Alltagsszenen, das Großstädtische, die Interaktionen zwischen den Menschen. Hier ist die Stadt der Raum. Wie Robin Rhode kommt er aus Johannesburg, vor Ort zärtlich „Jo-Burg“ genannt, er arbeitete lange als Pressefotograf, coverte die Kriege des Kontinents, bemüht um Objektivität, er wertet nicht mit seinen Bildern, nie geht es ihm um den „perfekten Moment“ (Cartier-Bresson), sondern eher um den zufälligen, den er zu sich kommen lässt. In „Schema“ hängen verstreut Diptychen von Straßenaufnahmen aus Addis Abeba, ganz frische Arbeiten von 2015. Auch Viviane Sassen spürt dem All(tag)-Tag nach, doch sie komponiert mehr, findet „ästhetische Schönheit“ durch einen sehr subjektiven Blick. Die Niederländerin, die dieses Jahr auf der Shortlist des Deutsche Börse Photography Prize stand, findet viele ihrer Motive in Afrika. Im gerade bei Hatje Cantz erschienenen Buch „Africa under the Prism“ über die ersten 5 Jahre des LagosPhotoFestivals sind einige ihrer farbenfrohen Porträts zu sehen. Geometrischer Bildaufbau, Ikonografien schon jetzt.

Installationsansicht "Schema":  Guy Tillim, "Addis Ababa", 2015

Installationsansicht “Schema”:
Guy Tillim, “Addis Ababa”, 2015

Detail aus Guy Tillim: "Addis Ababa", 2015

Detail aus Guy Tillim: “Addis Ababa”, 2015

Installationsansicht "Schema":  Viviane Sassen, "Alpha", 2011

Installationsansicht “Schema”:
Viviane Sassen, “Alpha”, 2011

Mit Joost plaudere ich über die Geschichte der Galerie: Stevenson wurde 2003 gegründet, erzählt er mir, seit 2009 ist man in Woodstock. Mehr Raum, eine bessere Miete. Und ein Statement ist es natürlich auch. Goodman Gallery waren die ersten, die hier herzogen. Hast du Blank Projects gesehen? fragt er mich. Das ist eine junge Galerie, genau gegenüber. Wild. Er schenkt mir eine Zeitung, die Pieter Hugo gemacht hat. The Journey. Über schlafende Passagiere im Flugzeug. Zwischen Jo-Burg und Atlanta. Mit Infrarotlicht. Ich kenne eigentlich nur die Hyänen-Bilder, fällt mir auf. Pieter Hugo ist schon lange bei euch, sage ich zu Joost. Ja. Er lacht, Pieter hat lange Zeit unsere Miete gezahlt. Er ist super erfolgreich. Jetzt kommt ein anderer Mitarbeiter zu uns, er stellt etwas ins Regal mit den zahlreichen Büchern und Katalogen der Galerie. Ich sehe, dass dort auch das Buch des ägyptischen Fotografen Youssef Nabil steht. „I Won’t Let You Die“. Hatje Cantz, 2008. Eine zarte Auseinandersetzung mit Einsamkeit und Sexualität. Mit handkolorierten Fotos. Joost möchte, dass ich Federica kennenlerne, sie betreut die Fotografie bei Stevenson und arbeitet in der Dependance in Jo-Burg. Wir sprechen noch über die nächsten Messen, die Frieze, die Armory Show, und alle sind aufgeregt, dass Stevenson im Juni zum ersten Mal in Basel dabei sein wird.

Draußen ist es mittlerweile richtig heiß, ich zögere den Moment, in mein kochendes Auto zu steigen, noch etwas hinaus und gehe ins Café gegenüber. Flatmountain heißt es, und es ist eines von diesen trendigen Spots, in denen selbst geröstet und das „Brauen“ von Kaffee zur Kunst erhoben wird. Ich mag zwar lieber die dunkle, leicht verbrannte und ölige Espressovariante, die man aus Italien kennt, aber der Junge hinterm Tresen lächelt mich so charmant an, dass ich mal wieder einen Versuch starte. Noch ehe er mir meine Tasse hinstellt, ermuntert er mich, das „Coffee Magazine“ zu kaufen, für nur 35 Rand (ca. 2 Euro), die Tafel Schokolade, die daneben steht, gebe es umsonst dazu: „Lindt Excellence Roasted Sesam Dark Chocolate“. Ob ich die kennen würde. Klar, sage ich, ich komme aus Deutschland, die Schokolade ist aus der Schweiz, das ist ganz nah. Und ich denke an den Paradeplatz und den Sprüngli-Laden und wieder an meine Großmutter, mit der ich dort mal war und im ersten Stock Kuchen gegessen habe. Ich nehme also das Magazin und die Tafel, reiße das Papier auf und hole ein weiches Stückchen heraus, das sofort an den Fingern kleben bleibt, aber so kann ich auch den etwas säuerlichen Espresso trinken, er schmeckt gar nicht so übel. Ich biete dem Jungen auch ein Stück an und frage nach seinem Namen. Er klingt wie Zeus, buchstabiert sich aber mit T und s und ein h ist auch noch da, ich verstehe es immer noch nicht, da meint er nur: „Just call me Gosh like in ‚Oh my Gosh’“.

Gosh, Flatmountain Coffee, Woodstock, Kapstadt, 2015 ©Nadine Barth

Gosh, Flatmountain Coffee, Woodstock, Kapstadt, 2015
©Nadine Barth

Woodstock, Kapstadt, Dezember 2015 ©Nadine Barth

Woodstock, Kapstadt, Dezember 2015
©Nadine Barth

Auf dem Rückweg fahre ich noch ein bisschen durch die Stadt und an der Küste zurück. Bei Metro FM, dem HipHop & R’n’B-Sender läuft wieder dieser coole Track von DJ Merlon, „Ubugingqigingqi“, und das Stakkato durchschneidet die Luft, der Rhythmus ist ein Rhythmus der Bilder, Sequenzen, Graffitti und Performances, dem Sehen und Erleben, der Liebe und ihrer Energie, und der Moderator gibt uns noch das aktuelle Hashtag des Tages mit in den Nachmittag: #WeAreNotDoneYet. Und so geht es immer weiter. Durch Raum und Zeit und Emotion.

Woodstock, Kapstadt, Dezember 2015 ©Nadine Barth

Woodstock, Kapstadt, Dezember 2015
©Nadine Barth

Die Ausstellung geht bis zum 16.1.2016, www.stevenson.info

Worldtour #4: Hamburg, Haus der Photographie / Deichtorhallen

Installationsansicht "Sarah Moon" ©Henning Rogge / Haus der Photographie, Deichtorhallen

Installationsansicht “Sarah Moon”
©Henning Rogge / Haus der Photographie, Deichtorhallen

Die Beteiligten: Ausstellungsbesucher, eine Wärterin, zwei Französinnen
Anlass: Ein Sonntag während der Schau „Sarah Moon: Now and Then“ im Haus der Photographie, Deichtorhallen

Draußen ist es schon dunkel, und das Dunkle, Mysteriöse spiegelt sich sofort wieder in den Bildern, zieht mich rein in die Traumwelt der Sarah Moon. Moon, Mond, nicht ihr richtiger Name, sie hat ihn sich selbst gegeben, als sie im Paris der 1960er Jahre erst als Model, dann als Künstlerin arbeitete. Mondsüchtig, vielleicht, und ich denke an die Moon Salutations in Goa, die Vollmondparties. Es hat etwas Spielerisches, aber nicht Leichtes, das einen umfängt in diesen Bildern. Eher schwingt eine gewisse Melancholie mit. Ich war nicht zur Eröffnung da, sonst hätte ich Ingos Rede gehört, als er über die „Verunsicherung des Bildbetrachters“ sprach, darüber, dass die Künstlerin ihn, den Betrachter, herauswerfe „aus dem Raum der geordneten Identität in die Zeit des Zwiespalts und der chaotischen Differenz“. Ingo, das ist Ingo Taubhorn, der Kurator des Hauses der Phographie. Er und seine Co-Kuratorin Brigitte Woischnik haben das Lebenswerk der Sarah Moon zusammengetragen, 350 Werke und 5 Filme, ein Ritt durch ein Oevre, vielen bislang in seinem Umfang unbekannt.

Sarah Moon: "Fashion 9, Yohji Yamamoto, 1996" ©Sarah Moon

Sarah Moon: “Fashion 9, Yohji Yamamoto, 1996″
©Sarah Moon

Sarah Moon: "L’avant dernière pivoine" ©Sarah Moon

Sarah Moon: “L’avant dernière pivoine”
©Sarah Moon

Sarah Moon: "Ohne Titel", 2008 ©Sarah Moon

Sarah Moon: “Ohne Titel”, 2008
©Sarah Moon

Ich erinnere mich noch dunkel an die Cacharel-Anzeigen, die ich als Kind sah. Ich glaube, meine Mutter trug auch Cacharel, es war die Zeit des Flanells, des Taktilen, Flower, Love & Peace, und die verführerischen, leicht verschwommenen Frauen-Antlitze der Moon passten wohl gut in diese Zeit. Vielleicht läuteten sie auch schon einen Übergang zur bewussteren, sinnlichen Ära ein, die dem knallig Bunten der Sechziger, der Space Shuttle Ästhetik à la Barbarella eine gefühlvollere, auch zurückgenommenere Weichheit und Sinnlichkeit entgegensetzte, beziehungsweise sie dahin überführte.

Installationsansicht "Sarah Moon" ©Henning Rogge / Haus der Photographie, Deichtorhallen

Installationsansicht “Sarah Moon”
©Henning Rogge / Haus der Photographie, Deichtorhallen

Installationsansicht "Sarah Moon" ©Nadine Barth

Installationsansicht “Sarah Moon”
©Nadine Barth

Installationsansicht "Sarah Moon" ©Nadine Barth

Installationsansicht “Sarah Moon”
©Nadine Barth

Die Französin beobachtet die Wellen eines Bildes, fährt mit ihren Augen die Bewegung ab, eingefroren auf den Hundertstelsekunden-Moment der Fotografie. Ich bitte sie, mir den Text, der darunter steht, zu übersetzen:
„Elle, c’est seulement à la nuit tombée qu´elle venait nager au ras de la vague,/ dans l’espoir de le rencontrer./ Et puis, il y eut les grandes marées. Septembre arriva vite.“
Es geht um das Schwimmen mit den Wellen, im Einklang mit ihnen, um die Hoffnung, „ihn“ zu treffen. Um die Gezeiten, die besonders stark daherkommen, sicher einen extremen Wellengang mit sich bringen, und das schnelle Herannahen des „Septembers“, des Herbstes, plötzlich ist er da, wohl geht es um eine Liebe des Sommers, um die Leidenschaft und Intensität, ein Sich-Vergessen, bis es vorbei ist.

Installationsansicht "Sarah Moon" ©Nadine Barth

Installationsansicht “Sarah Moon”
©Nadine Barth

Installationsansicht "Sarah Moon" ©Nadine Barth

Installationsansicht “Sarah Moon”
©Nadine Barth

In der hell erleuchteten Halle gibt es diese Inseln vor den Bildern, in denen man ganz für sich sein kann, und die meisten Besucher bleiben immer wieder stehen, schaffen für sich einen Raum, um die Vertrautheit zu begreifen, das Private, das einzelne Fotografien mit ihren Aussagen bedeuten können. Manchmal, wenn sehr viele Bilder in unmittelbarer Nähe hängen, ist es wie ein Stakkato des Intimen, und so bleiben einige Besucher länger als sonst vor den Filmen sitzen, vielleicht, um sich zu sortieren. Im Spielfilm „Missisippi One“ von 1990 geht es um die Entführung eines Mädchens, das von einem psychisch labilen Mann auf dem Schulweg mitgenommen wird. Ein fragiles, seltsames Werk über Kommunikation, über Realität und Vergessen. Sehr zart, ein wenig verstörend. Vielleicht hätte man durch Licht noch ganz eigene Inseln schaffen können, sagt die Französin. Sie arbeitet mit Licht, sie kennt sich aus. Ja, sage ich, vielleicht, und dann sitzen wir noch ein wenig auf der Bank vor einem experminentellen Schwarz-Weiß-Film mit Blumenbildern.

Installationsansicht "Sarah Moon" ©Nadine Barth

Installationsansicht “Sarah Moon”
©Nadine Barth

Installationsansicht "Sarah Moon" ©Nadine Barth

Installationsansicht “Sarah Moon”
©Nadine Barth

Installationsansicht "Sarah Moon" ©Nadine Barth

Installationsansicht “Sarah Moon”
©Nadine Barth

Zum Abschluss zeigt mir meine Lieblingswärterin noch ihr Lieblingsbild. Ganz vorn hängt es, es ist anders als die anderen Bildern, größer, fast eine Malerei, und sie sagt, das ist meins, hieran kann ich einiges erklären, die Vielschichtigkeit, die Bezüge, und wenn Kinder kommen, das ist toll, sie sehen so viel. Überhaupt, schwärmt sie, ist diese Ausstellung wahnsinnig gut besucht, die Leute sind begeistert. In der Buchhandlung fragt dann eine andere Französin nach einem Buch über Sarah Moon, das kommt aber erst im Januar. Um 18 Uhr schließen die Hallen, es ist Zeit zu gehen. Als ich an der Binnenalster vorbeifahre, werfe ich eine kurzen Blick auf den leuchtenden Weihnachtsbaum auf dem Wasser, das so still und blau wie eine Eisfläche schimmert, auf das Alsterhaus dahinter, auf den Jungfernstieg, Lichter, wie getupft. Die Pressefrau wird mir ein Bild schicken, auf dem Sarah Moon dort fotografiert wurde. Aber das weiß ich in dem Moment noch nicht.

SarahMoon_13_©NadineBarth

Sarah Moon, Hamburg, 2015 ©Isabella Hager / Haus der Photographie, Deichtorhallen

Sarah Moon, Hamburg, 2015
©Isabella Hager / Haus der Photographie, Deichtorhallen

Die Ausstellung geht bis zum 21.Februar 2016. www.deichtorhallen.de

Worldtour #3: Amsterdam, Huis Marseille

Huis Marseille ©Nadine Barth

Huis Marseille
©Nadine Barth

Die Beteiligten: Martin Roemers (Fotograf), Maartje Wildermann (Agentin), Hans van Blommestein (Berater), Loek van Vliet (Post Productioner), Els Barent (Leiterin des Huis Marseille), Narda van ’t Veer (The Ravestijin Gallery), weitere Vernissagegäste
Anlass: Opening „Martin Roemers: Metropolis“ und „Dana Lixenberg: Imperial Courts. 1993–2015“ im Huis Marseille, Amsterdam

Es regnet. Ein Samstag Nachmittag in Amsterdam. Leute schieben sich durch die Fußgängerzonen, die Multi-Brand-Stores sind proppenvoll, in den Cafés werden Fritten serviert, es gibt Bier vom Fass. In einem Store kaufe ich noch einen runden Käse mit Kümmel, ich laufe durch die nassen Straßen, ducke mich unter die Häuservorsprünge. Mein Handy sagt mir, wo ich hin muss, Kaizersgracht, irgendwann bin ich da, steige die Stufen hoch zum Huis Marseille, es ist eines dieser hübschen Grachtenhäuser, eine rote schmale Fahne weht über dem Eingang. Schon sehe ich den Stapel „Metropolis“-Bücher, ganz frisch sind sie aus der Druckerei gekommen, ich habe noch gar kein Exemplar gesehen und streiche andächtig darüber. Martin sieht mich sofort, obwohl ich noch meine Mütze tief im Gesicht kleben habe, er freut sich wahnsinnig, die Überraschung ist gelungen. Zusammen blättern wir durch das Buch. Die Seiten glänzen, und er sagt, er ist froh, das ihn Julia zu dem Papier überredet hat. Julia Wagner ist die Art Directorin des Buches. Zusammen haben wir drei schon zwei Bücher von Martin gemacht. Das erste, „Relics of the Cold War“ erschien 2009, das zweite „Eyes of War“, 2012. Beide sind wie „Metropolis“ bei Hatje Cantz erschienen.

"Metropolis" von Martin Roemers. Art Direction: Julia Wagner. Editor: Nadine Barth. Verlag: Hatje Cantz

“Metropolis” von Martin Roemers. Art Direction: Julia Wagner. Editor: Nadine Barth. Verlag: Hatje Cantz

Installationsansicht "Martin Roemers: Metropolis", Huis Marseille ©Nadine Barth

Installationsansicht “Martin Roemers: Metropolis”, Huis Marseille
©Nadine Barth

Installationsansicht "Martin Roemers: Metropolis", Huis Marseille ©Nadine Barth

Installationsansicht “Martin Roemers: Metropolis”, Huis Marseille
©Nadine Barth

Dann gehen wir durch die Ausstellung, Martin zeigt mir stolz den „asiatischen“ Raum, hier hängen die Bilder aus Beijing, Shanghai und Guangzhou. Das Rot der lackfarbenen Holzverkleidung korrespondiert mit dem Rot in den Bildern, und ich muss an die Verbotene Stadt denken und das Rot, das als Farbe nur den Kaisern vorbehalten war. Wir gehen die Stufen hoch, jeder Raum hat eine andere Atmosphäre durch die anderen Städte, es geht um Metropolen, Millionenstädte, darum, dass bald zwei Drittel der Menschheit in „urban agglomeration“ leben werden, städtischen Gebilden, inklusvie Peripherien, und das macht natürlich etwas mit dem Menschen, er wird ein anderer, wenn die Natur so fern ist und das Zusammenleben eine Aufgabe und die “Stadt” als solche Inhalt des Seins. Und dass man in Beijing heute nicht mehr atmen kann, dass Städte wie Bangladesh und Dhaka unter ihren Einwohnern zusammenbrechen, dass Reich und Arm so nah beieinader liegen, das zeigt das Buch, wenn es ein Shopping-Foto vom Rodeo Drive in Los Angeles einer Autopanne in Mexico City gegenüberstellt, und auch in der Ausstellung hängen diese beiden Ansichten beieinander.

Installationsansicht "Martin Roemers: Metropolis", Huis Marseille ©Nadine Barth

Installationsansicht “Martin Roemers: Metropolis”, Huis Marseille
©Nadine Barth

Installationsansicht "Martin Roemers: Metropolis", Huis Marseille ©Nadine Barth

Installationsansicht “Martin Roemers: Metropolis”, Huis Marseille
©Nadine Barth

Huis Marseille_7_©NadineBarth

Gegen halb sechs beginnt die Ansprache von Els Barent, der Leiterin des Huis Marseille. Sie findet im Raum der Nachbarausstellung statt, von Dana Lixenberg, die eine Langzeitdokumentation über ein Schwarzen-Viertel zeigt, inklusive deren Lebensgeschichten, sehr berührend. Ich treffe Narda, eine befreundete Galeristin, die sagt, sie sei wegen Lixenberg hier, sie kenne die Arbeiten schon seit langem. Ich frage sie, ob es immer so voll sei bei diesen Eröffnungen, und sie sagt ja, that´s the place to be. Els stellt derweil die Protagonisten vor, es gibt Kurzinterviews, Blumensträuße werden überreicht, dann zerstreut es sich etwas, gefühlt wird es aber noch voller, weil noch mehr Leute hineinströmen, alle wollen diese Städte sehen, die Menschen, wollen fühlen, erleben, was Fotografie kann. Bilder, die bewegen.

Installationsansicht "Dana Lixenberg: Imperial Courts 1993-2015", Huis Marseille ©Nadine Barth

Installationsansicht “Dana Lixenberg: Imperial Courts 1993-2015″, Huis Marseille
©Nadine Barth

Ich suche Martin, weil ich noch ein Foto von ihm mit dem Buch machen will. Maartje, seine Agentin, besorgt eines, und wir gehen zu dem Motiv, das auch das Cover ziert. Martin lacht, ist gelöst, eine jahrelange Arbeit findet heute ihren Abschluss. Das erste Foto für die Serie machte er 2007, seit 2008 konzentrierte er sich darauf, fuhr in dutzende Länder, machte tausende an Fotos. Bis eines seinen hohen Ansprüchen genügte, brauchte es lang. An einige Orte kehrte er zurück, weil er noch nicht zufrieden war mit dem Ergebnis. 2011 bekam er für die Serie den World Press Award in der Kategorie „Daily Life“. Über die Jahre druckten die wichtigsten Magazine der Welt immer wieder Bilder aus „Metropolis“: Von der New York Times bis zu Geo, von der NZZ bis zur aktuellen Photonews.

Martin Roemers vor dem Bild "Madan Street and Lenin Sarani, Chandni Chowk, Kolkata, India, 2008" ©Nadine Barth

Martin Roemers vor dem Bild “Madan Street and Lenin Sarani, Chandni Chowk, Kolkata, India, 2008″
©Nadine Barth

Installationsansicht "Martin Roemers: Metropolis", Huis Marseille ©Nadine Barth

Installationsansicht “Martin Roemers: Metropolis”, Huis Marseille
©Nadine Barth

Installationsansicht "Martin Roemers: Metropolis", Huis Marseille ©Nadine Barth

Installationsansicht “Martin Roemers: Metropolis”, Huis Marseille
©Nadine Barth

Mein Lieblingsfoto war immer das Bild aus Delhi mit dem fahrenden Zug, der in einer Linie verschwimmt, sage ich zu Martin. Und dann mochte ich „Rodeo Drive“ sehr gern, weil es irgendwie anders ist als die anderen. Ja, das stimmt, sagt Martin. Das mag ich auch sehr. Und wir sprechen noch darüber, wie viele Details man plötzlich in den Bildern sieht, die man vorher nicht gesehen hat, ein Bettler vorn in New York, ein Handschlag zwischen zwei Männern am Gleis hinter dem verschwimmenden Zug. Und die Blumen in Guangzhou. Bougainvillea. Pink-rot-leuchtend hängen sie an der Balustrade eines Highways. Dann gibt es noch ein Gruppenfoto mit den Beteiligten des Buches. Und dann muss ich los, zum Flughafen und zurück nach Berlin. Die Straßen sind noch immer nass. Ich nehme die Tram.

Maartje Wildermann, Hans van Blommestein, Martin Roemers, Loek van Vliet, Nadine Barth ©Peter Gerritsen

Maartje Wildermann, Hans van Blommestein, Martin Roemers, Loek van Vliet, Nadine Barth
©Peter Gerritsen

Bookshop Huis Marseille ©Nadine Barth

Bookshop Huis Marseille
©Nadine Barth

Draußen regnet es immer noch. Amsterdam, Dezember 2015 ©Nadine Barth

Draußen regnet es immer noch. Amsterdam, Dezember 2015
©Nadine Barth

Die Ausstellung geht bis zum 6. März 2016. http://www.huismarseille.nl